Modern Zeuhl

Dodecahedron

2012-03-01T09:34:00.000-08:00

J'arrive probablement un peu après la bataille, puisque beaucoup déjà ont parlé de Dodecahedron, jeune groupe néerlandais de post-black metal dont le premier album éponyme est sorti le 20 janvier 2012 ; et la presse spécialisée de se répandre en dithyrambes sur un premier album innovant et dérangeant à côté duquel le "Ordo ab Chao" de Mayhem n'a qu'à bien se tenir et qu'on attend avec impatience la suite de l'aventure de ces jeunes prodiges, je vous épargne le reste. Autant dire que l'image zen et rigolarde que l'on se fait des Pays-Bas (et non pas de la Hollande, car je n'aime les synecdoques que quand elles sont volontaires) s'en prend un coup. Au moins, Mayhem est norvégien.

Norvège : l'autre pays de l'Amour. (Photo : Thomas Olsen, Berlinkontoret.)

Et puisqu'on en est à la revue de presse, artifice hasardeux grâce auquel je compte bien rallonger ce texte par de quelconques inepties indignes d'un quelconque articulet papier -- ce doit être pour ça que Rock Hard ne m'a toujours pas recruté -- il va de soi que Dodecahedron a droit dans une grande partie de la presse spécialisée à des comparaisons élogieuses à Deathspell Omega, ce qui n'est pas très étonnant puisque le combo poitevin exerce lui aussi son talent dans la catégorie "black post-apocalyptique", mais qui me déçoit quand même tant les façons de faire semblent différer (le dernier Deathspell Omega, et le seul que je connaisse pour l'instant, "Paracletus", me faisant plus penser à un savant mélange de Satyricon période "Rebel Extravaganza" et d'Ebony Lake mouture 2011, bien que le compère Locust Star, rédacteur du jeune et fringant Hear Me Lucifer, semble plus y retrouver ses petits).

Hop, petite pub en passant.

Ces comparaisons, bien qu'elles soient probablement justifiées par le désir basiquement humain de faire recoller toute nouveauté à des éléments déjà connus (et donc maîtrisés), me semblent desservir Dodecahedron plus qu'elles ne le soutiennent. Ranger ce groupe dans la catégorie du post-black est inévitable, mais le comparer en permanence à Mayhem et Deathspell Omega, ce que même le texte promotionnel de l'album se complait à faire, ferait trop vite oublier que leur première galette est une œuvre terriblement ambitieuse et complète, trop occupée à créer son univers pour pouvoir prendre le temps de s'acoquiner avec ses "pères spirituels".

"Allfather", introduction d'album ravageuse, à grands coups de riffs surpuissants. (Promo photo : Reinier Bonis.)

La maturité de ce groupe est tout simplement stupéfiante. Là où même les débuts de Blut Aus Nord avaient quelque chose de terriblement cadré et orthodoxe, Dodecahedron fait voler les barrières et les limites dès ses débuts. Certes, on retrouve ça et là des éléments presque familiers : le black-doom de "Vanitas", les riffs black/épique du début de "View from Hverfell Part II : Inside Omnipotent Chaos", la "mosh-part" tremolesque de "View from Hverfell Part III : A Traveller of the Seed of the Earth"... En revanche, la façon de combiner ces éléments, de jouer avec les dissonances (les deux premiers titres "Allfather" et "I, Chronocrator" en sont des exemples particulièrement frappants) et les ambiances noires à en crever (l'enchaînement entre la fin de "I, Chronocrator" et la longue et poisseuse "Vanitas"), d'amener des sonorités par surprise pour mieux nous faire sombrer (les pointes de vocodeur de "Vanitas", le dark-ambient grésillant de "Descending Jacob's Ladder", les rythmiques en 7/4 de "View from Hverfell Part II : Inside Omnipotent Chaos"), et de ne jamais nous laisser nous appuyer sur nos acquis (en jouant sur la dualité black/ambient avec une grande finesse), est radicalement innovante, et insuffle tout au long de ce premier album une noirceur rare et radicale.

"Vanitas". When you look down into the abyss... (Photo promo : Reinier Bonis.)

Cet album est difficile à digérer, parce que littéralement étouffant. Nous sautant à la gorge dès les premières secondes de "Allfather", à coups d'assauts de guitares râpeuses et douloureusement dissonantes, il nous entraîne petit à petit dans ses abysses, plus mid-tempo et moins directement agressives, mais chargées d'une ténèbre singulière (merci) et incroyablement tentante, avant un retour en puissance de fin d'album qui, douloureux point d'orgue de 50 minutes de jeu de nerfs, nous laisse cependant capter une étrange clarté, comme un souffle d'air frais qui viendrait discrètement nous décontaminer.

Au final, prend-on un plaisir purement malsain à écouter cet album, ou, au contraire, apprécions-nous plutôt l'aspect cathartique de cette expérience ? Ou aucun des deux ? Il y a peut-être quelque chose de profondément jouissif dans cet album, une façon d'agencer les sons apte à nous faire bander le cerveau reptilien, qui sait ? En tout cas, quand, en guise de premier album, un groupe nous sort une trempe de cette maturité et de cette originalité, à mille lieues de cette immense vague de black-metal inoffensif qui nous rebat les oreilles jusqu'à nous en coller la nausée, on ne peut que remercier le Ciel (ou un quelconque émissaire d'une quelconque et éventuelle puissance supérieure) de nous envoyer une telle offrande.

Site officiel : http://www.ddchdrn.com/

Live review : Papaye + Seal of Quality + John Makay + Lorendorf (25/02/2012, L'Oreille qui Traîne, Rouen)

2012-02-28T05:51:00.000-08:00

Crédits photo : L'Oreille Qui Traine, sauf mention contraire.

Et dire que je n'ai pas encore parlé de l'Oreille qui Traîne en ces lieux. Incroyable. Une bande de bénévoles s'arrache l'oignon pour nous offrir des concerts de qualité, dans une ambiance conviviale, et à des prix défiant toute concurrence, et je n'en parle pas. Incroyable. Il faut dire aussi que j'ai raté un de leurs concerts du mois dernier, qui rassemblait The Birds End, Prön Flavürdik, Poisson Poney et Aussitôt Mort pour fêter la sortie du premier album des premiers, et que mes goûts musicaux m'attiraient beaucoup moins vers les autres concerts de la saison. Mais merde, quoi : il y a des initiatives qui méritent d'être mises en valeur.

Y a même quelqu'un qui avait fait des super-bons flans aux légumes pour fêter ça.

L'Oreille qui Traîne, c'est une petite salle chaleureuse, au milieu d'une MJC quelconque dans un bâtiment eighties sans grand intérêt ; une enclave salvatrice. Les gens y sont souriants, les boissons pas chères (un euro cinquante la 1664, deux euros la Leffe, et servies dans leurs bouteilles en verre, s'il vous plait ! enfin un pied-de-nez à cette ère sécuritaire du tout-plastique), et c'est le genre de lieu où on peut poser ses affaires dans un coin et les retrouver telles quelles en fin de soirée. ...Bah merde, pourquoi je n'y vais pas plus souvent, en fait ?

Réponse partielle : je suis une larve. (Crédit photo : inconnu.)

Bien entendu, j'ai en premier lieu été attiré à l'Oreille ce soir-là par la présence de Seal of Quality, pour qui cette date était un échauffement avant une mini-tournée anglaise d'une semaine avec John Makay (Londres, Nottingham, Derby, Liverpool, Sheffield, High Wycombe, Brighton, sans respirer). Cependant, une oreille rapidement jetée sur les Bandcamp, Youtube et (erk) Myspace des autres groupes avait fini de m'allécher. Oreille très rapidement jetée, qui m'a permis de garder des surprises.

Le premier groupe de la soirée, Lorendorf, en a été une. Une putain d'enculé de surprise de fils de-- oups, désolé. Et je ne dis pas ça parce qu'il s'est avéré, et je l'ai appris la veille du concert, que le contrebassiste du groupe est une connaissance depuis un superbe concert de postcore à Paris. C'est surtout parce que ce trio (guitare électrique, contrebasse électrique, batterie) est redoutable. Leur post-math-jazzcore m'a véritablement ensorcelé, jonglant avec les sources d'inspiration sans même avoir l'air d'y penser, quelque part entre Neurosis et Ephel Duath, avec des poussées de jazz parfaitement intégrées à la tournure post-math du reste, ne jouant pas sur le décalage et les sautes d'humeur mais, au contraire, se servant de toutes les influences pour créer une atmosphère dense et prenante.

Deux tiers de trio.

Difficile pour moi de tarir d'éloges sur cette formation, malgré leur relative jeunesse. Dès la fin de leur set, je me rue sur le stand merch pour acquérir leur première démo trois titres "Antwort Von Geier", que je serais en train de réécouter à l'heure où j'écris ces quelques lignes si le nouvel EP de Floating Wood ne venait pas de sortir.

Ce qui ne veut pas dire que je ne l'écouterai pas en boucle bientôt. (Merci au groupe de m'avoir fourni cette photo où on voit le guitariste !)

C'est en fin de compte le groupe suivant, un duo d'Amiens nommé John Makay, qui m'a le moins emballé. Pourtant, le concept est plus qu'intéressant : un batteur, et un guitariste fan de tapping -- qui pose de temps en temps quelques accords de synthé, mais jamais exagérément. La performance technique est plus qu'impressionnante, du côté du guitariste comme de celui du batteur, et ils parviennent à tenir la petite scène rien qu'à eux deux, sans en faire des tonnes -- la vitesse et la précision d'exécution de leur mathrock l'empêchant de toute façon -- mais seulement en étant dans leur musique.

Et ils sont vraiment dedans, je vous assure.

Il n'y a que sur le plan musical que je n'ai pas totalement accroché, en fin de compte, n'y trouvant pas grand-chose qui fasse vibrer ma corde sensible... ce qui n'est pas vraiment un reproche. Beaucoup d'autres spectateurs y ont trouvé leur compte, qui suis-je pour juger ?

Pis lui, putain, lui... Il assure.

Forcément, je me suis vite rapproché de la scène pour mon petit chouchou Seal Of Quality, qui a... pour qui... qu'est-ce que je vais bien pouvoir dire, bordel ? ALLEZ LE VOIR, ET VOUS COMPRENDREZ.

Pendant les balances.

Sur scène, ce petit mec, tout seul devant une palanquée d'instruments et de machins électroniques dont l'utilisation conjointe devrait normalement faire appel à un groupe de quatre à six personnes, envoie une musique métissée 8-bit/mathrock rythmée et riche, teintée de parties de chant clair et/ou vocodé qui tombent toujours juste, et... Oh et puis merde, j'en ai marre des dithyrambes. Ce type est fabuleux, picétou. J'en ai marre de le répéter -- suivez ce que fait Seal Of Quality, il mérite d'aller très loin. Voilà. Point.

Sur scène.

Histoire de conclure la soirée en beauté, c'est le groupe Papaye qui investit la scène -- ils sont quand même trois, ce qui en fait le plus grand groupe de la soirée à égalité avec Lorendorf, sauf que Lorendorf n'a pas joué sur la scène mais au niveau du public. Le batteur de Papaye est aussi celui du fabuleux groupe Pneu, donc un type qui aime bien jouer dans des groupes géniaux avec des noms à la con qui se retiennent en une demi-seconde. Devant lui, deux guitaristes, venant l'un de Room 204, l'autre de Kommandant Cobra, et sensiblement aussi fous que lui.

Ils ont l'air presque calme, sur cette photo.

Oui, fous à lier : sur scène, le trio bondit, se plie, transpire, galope et se marre, accompagnant de leur démence vaguement contrôlée et de leur joie communicative un math-rock terriblement inspiré et superbement construit, lorgnant au détour de quelques rythmiques endiablées sur de la "musique du monde" à la sauce noise. La musique seule aurait déjà largement suffi à nous convaincre, mais la prestation scénique joyeusement hystérique de Papaye en fait un groupe qui, sur scène, se révèle stupéfiant.

Bam, dans nos gueules.

Bref, autant on a l'impression de perdre son temps et son argent lors de certaines soirées, autant ce concert à l'Oreille qui Traîne m'aura donné l'impression inverse. La programmation, que l'on doit à l'excellente association We Are The Robots, n'a pas déçu, et le lieu choisi pour l'évènement était parfait pour une telle soirée. Vivement le prochain...

Groupes par ordre d'apparition :

- Lorendorf:
http://www.lorendorf.com/
http://lorendorf.bandcamp.com/album/antwort-von-geier

- John Makay :
http://www.myspace.com/johnmakay

- Seal Of Quality :
http://www.seal-of-quality.net/
http://soundcloud.com/henry-vomit/sets/seal-of-quality

- Papaye :
http://www.myspace.com/friendlypapaye

HerkainN

2012-02-16T04:45:00.003-08:00

Amour, paix, douceur (violer des cadavres), joie de vivre. Dans nos sociétés modernes par trop bridées et survoltées, dans lesquelles les spectres de la répression et de la nervosité semblent nous hanter en permanence, on oublie trop souvent de s'arrêter, ne serait-ce que quelques minutes, pour savourer (souffrance éternelle) la magie du Monde, l'incroyable force primale de la Nature, la nouveauté perpétuelle qui émerge de chaque chose animée ou inanimée (éviscération). La beauté est tout autour de nous, reflet de notre propre beauté intérieure, et apportant avec elle la joie simple (allez tous vous faire enculer) et indicible qui nous ramène à notre humilité et à notre (autodestruction inexorable) sérénité intouchable, ce moi inamovible qui continue de (démembrer) rayonner sa sagesse tandis qu'en surface nous tentons de remonter à contre-courant (triste humanité) le flot perpétuel de l'Existence.

Hrem.

A me relire, j'ai l'impression que mon inconscient lutte à sa manière contre mes aspirations métaphysiques. Pour ne pas le fâcher -- qui sait de quoi il serait capable, après tout ? -- je vais abandonner temporairement (tu as raison de te méfier de moi) le projet de chronique de musique new-age que je souhaitais entreprendre, pour me ramener à un style moins tranquille (Dieu merci) mais, dans d'autres contextes, tout aussi plaisant. Quoi qu'on en dise, la scène metal française bouge, et (envoie du bois) un peu de silence là-haut, sinon je te prive de stimuli post-œdipiens pour une semaine, inconscient de mes deux complexes. (Désolé.)

La scène metal française bouge, disais-je, et sa branche normande ne démérite pas. Non, je ne vais pas vous parler une énième fois de Noein, dont j'ai fait une interview très récemment sur les ondes radiophoniques, mais d'une autre bande de joyeux bourrinneurs des bords de Seine, dont j'ai déjà vanté la très agréable prestation au festival des Arts Bourrins de l'an passé, qui se fait connaitre sous le nom d'Herkainn. La recette du premier album est plutôt simple : du deathcore comme s'il en pleuvait, des doubles grattes à l'ancienne et des riffs épiques ("My Name Is Sufferings", "Final Singularity"), du thrash un peu old-school (le break mid-tempo de "Somebody's Got To Do It…", "The Man Who Stole Tomorrow"), un zeste de death mélodique à la suédoise peut-être (le riff mélo de "When Deads Awaken", "Warmaker"), mélangé avec une bonne envie de faire headbanger et mosher (l'hénaurme "A Year Of Killings"), et hop, "Brutality as Normality" est prêt à nous faire valser les valseuses pendant 47 minutes de joyeuseté métallique.

"Absolute Biological Equality", le hit de l'été prochain.

Certes, ce n'est pas l'album le plus subtil qui ait été chroniqué en ces pages, mais force est de reconnaître que ça marche. A aucun moment, Herkainn ne prétend réinventer la poudre ; ils s'efforcent juste de la faire parler, entre copains/copines -- oui, il y a une femme dans ce groupe… incroyable, non ? Et cette orgie circle-pitienne a quelque chose de terriblement entraînant. Accessoirement, pour un premier "vrai" album autoproduit, "Brutality as Normality" claque sérieusement. Le son est affûté, jamais baveux, semi-professionnel -- et pour cause, il sort du Boss Hog Studio, par lequel des General Lee, As We Bleed ou, pour les moins coreux, Branson Hollis, sont passés avant eux.

Le clip officiel de "A Year of Killings". Sont-y point mignons ?!

On peut toujours leur reprocher le genre de choses qu'on reproche presque toujours aux premiers albums : le style n'est pas encore affiné, les influences se sentent encore pas mal, les arrangements pourraient être mieux branlés, bla, bla, bla, mais ce serait vraiment un crime de lèse-majesté. On sent qu'il y a du sérieux derrière tout ça -- sans oublier de garder un esprit déconne assumé, en faisant un détour par David Bowie et un autre par la série Magnum -- des paroles autres que "tuer des enfants gna gnaaaaaaa", ainsi qu'une volonté d'apporter un peu de jeunesse dans des vieux styles, et l'album donne envie de faire cracher les enceintes et de pogoter comme un fou.

(Ouais, grave.)

Merci pour le mot de la fin. On est tout de suite plus crédible, là.

MySpace : http://www.myspace.com/herkainn

Facebook : https://www.facebook.com/pages/HerkainN/198272024172

Yog

2012-02-10T07:45:00.000-08:00

Quel délicat plaisir, en rentrant d'une journée de travail morne et terriblement ordinaire, de découvrir dans sa boîte aux lettres le livre ou le disque qui va embellir la soirée que, sans lui, nous aurions passé à écluser du whisky bas de gamme pour oublier que nous payons les traites de la voiture qui nous sert à aller travailler avec l'argent que nous rapporte le travail que nous avons dû accepter pour la payer, le tout en attendant sans y penser la Faucheuse qui nous soustraira de cette vacuité pour nous précipiter vers le Grand Vide. (Non, je déconne, je ne chronique pas un CD de doom cette fois-ci.)

Non, je ne parle pas de ça. Idiot que tu es.

Alors, quand en plus le CD est gentiment offert, bordel de merde, ça ne se refuse pas. Apparemment, certains connaissent à la fois mes goûts musicaux et mon amour de la bonne surprise, puisque "Half the Sky", le deuxième album du groupe suisse Yog, est arrivé dans ma boîte aux lettres, comme ça, sans prévenir, il y a maintenant plus d'un mois. Oui, je sais, je suis en retard, mais bon, vous savez ce que c'est, le temps ne nous laisse pas vraiment le temps de prendre le temps de faire les choses à temps, tant le farniente est tentant. Qu'à cela ne tienne, maintenant que je le connais par cœur, je vais pouvoir en parler encore mieux. Vous devriez me remercier, au lieu de geindre, bande d'ingrats.

Et tant que vous ne me paierez pas pour écrire mes conneries, je prendrai un malin plaisir à vous chier sur la tête. Qu'on se le dise. (Et les lunettes vous vont mal, vous avez pensé aux lentilles ?)

Après trente-trois secondes d'une douce introduction, "Half the Sky" ouvre sur un mathcore de très bonne facture. Dès la première attaque sonore, nommée "Needle in Black", l'énergie virulente de la musique de Yog s'exprime, qui ne sera pas en reste le long de cet album, hélas très court (28 minutes à peine, probablement son seul point négatif).

Dans l'ensemble, cet opus est très difficile à placer. Il parvient à jouer avec les règles du style musical, sans jamais les violer ou leur manquer de respect : les structures, et la façon dont elles sont utilisées, mêlées et trafiquées, s'accordent aux canons du genre que des groupes comme The Dillinger Escape Plan ont établis (et auxquels le titre de chanson "Calculate the Plan and Espace" semble faire ouvertement référence -- je propose le sous-titre "The Infinite Dillinger is 43% Machine") ; cependant, des ouvertures à d'autres styles, sortes de fantaisies ponctuelles, viennent émailler la musique de Yog, et discrètement la teinter et la revigorer, comme la petite poussée de chant clair superbement placée de "Fistfuck on the Way Home".

Mon choix initial se portait sur "Fistfuck on the Way Home", "Ugly Liars Behind Baby Masks" et "Plastic Child", mais puisque j'ai choisi d'obéir à la seule -- et plus que compréhensible -- requête du groupe, ce seront trois autres titres qui illustreront cet article, dont le tout premier, "Needle in Black".

En outre, le groupe helvète semble savoir le risque de jouer continuellement à 11, et prend plaisir à rompre la monotonie à peine naissante de son mathcore énervé par des passages plus calmes, voire ambients, mais jamais gentillets ou édulcorés d'une quelconque manière. La transition instrumentale "Plastic Child" développe une étrangeté singulière -- ce qui serait presque un pléonasme -- qui est mise en relief ensuite par son intégration à des titres comme "Ugly Liars Behind Baby Masks" et "Adam Wanted to Stay the Only One".

Ou celle-ci, dans une légèrement moindre mesure. ("92%".)

Force est de reconnaître que l'on reste à une certaine distance de l'assaut sonore glauque et impitoyable que nous promet le texte alléchant du label ("Extreme virulence, sick blast beats, mentally ill math-grind (...) a pure war machine") ; les véritables musiques saute-à-la-gueule, armées et dangereuses, celles qui nous laissent un goût âcre et délicieusement dérangeant, ne se trouvent plus du côté du mathcore pur et dur, mais sont plutôt à chercher dans le post-black (qu'il tende vers le hardcore, comme Ion Dissonance, ou vers les dissonances de fond de cave, comme Blut Aus Nord ou le récemment révélé Dodecahedron dont je parlerai sous peu), les hybrides death-metal (les toujours aussi menaçants The Amenta en tête) et autres symphonies post-industrielles, horripilantes comme un souffle dans la nuque.

En fait, Yog paraitrait presque inoffensif, si on choisit bien son angle de vue. ("Calculate the Plan and Escape". Ecoutez-la après "Whore" de The Amenta, vous verrez ce que je veux dire.)

Cependant, et même si ça ne pend pas, "Half the Sky" est un album particulièrement bien composé et interprété, qui présente un supplément d'âme difficile à véritablement décrire, quelque part entre les choix de riffs et les discrètes variations introduites, entre l'orthodoxie mathcore et le goût de l'expérimentation subtile ; il ne se contente pas de prendre la suite de "Years of Nowhere", avalanche de blasts colériques sortie en 2007, mais ose aller plus loin, parvenant à effacer cette relative crudité/froideur qui ressort de ce premier opus plus violent, au final, car moins subtil. Ce qui ne signifie en aucun cas que "Years of Nowhere" n'était qu'un brouillon : il s'agissait déjà d'un très bon album, inspiré et captivant, sauf que "Half the Sky" a défini un nouveau standard du groupe, plus abouti et puissant, mais plutôt à côté du précédent que vraiment au-dessus... un peu comme Gojira est passé de l'énergie octodirectionnelle de "Terra Incognita" à celle, pachydermique, de "The Link", si vous voulez.

Le premier album a du coup un côté plus grindcore qui ne manque pas de nous entraîner vers les circonv--CIRCLE PIIIIIIIIIIIIT ! ("Secrets", sur "Years of Nowhere.)

Site officiel : http://www.yogrind.com/

MySpace : http://www.myspace.com/yogrind

Öxxö Xööx

2012-01-24T07:46:00.000-08:00

Sous l'étiquette très arbitraire "doom-metal" peut se cacher beaucoup de choses, des ambiances mélancoliques voire dépressives de Shape of Despair à celles, plus enfumées et métaphysiques, d'Esoteric, et du son agressif et vibrant de SunnO))) à celui, profond et mélodique, de Type O Negative. Pour remédier à ce risque de confusions, les metalleux ont créé des sous-genres (dans l'ordre des groupes cités, on pourrait coller les labels "funeral doom", "dark experimental", "drone", "gothic metal") qui renforcent encore l'incrédulité du non-initié pour lequel, au moins, le mot "doom", qu'on peut traduire par "destin funeste" ou "fatalité", portait l'idée principale d'une musique sombre et majoritairement inspirée par l'inéluctabilité de notre sort.

Autrement dit : naître, en chier, mourir. (Quoi ? On ne peut pas être poète tout le temps.)

Aussi, mettre une étiquette à Öxxö Xööx risque d'inspirer encore une fois un désarroi important au pauvre découvreur des terres étranges du spleen musical, car cette étiquette serait longue et pleine de vocables différents. Bien que le style de leur premier album "Rëvëürt", sorti en octobre 2011, soit plus proche du gothic metal que du doom à proprement parler, et que le chant très grave et plaintif descende en droite ligne des précurseurs Type O (les mélopées de la fin de la très belle "Nöc Säë" en témoignent), on y décèle également des inspirations musicales et des orchestrations plus proches de la musique baroque, des mélodies de piano et de clavecin qui tirent sur le néo-classique (l'intro de "Lïnï" en étant un parfait exemple), des éléments empruntés à la musique électronique (les glitches de "Ctënöphörä"), des poussées tout en blast-beats et en double pédale qui nous ramènent plutôt du côté du black-metal ("Yüm"), l'agressivité en moins : le groupe dieppois, auquel Gautier Serre (l'homme derrière Igo rrr) contribue dans un style bien plus paisible que celui de ses autres groupes Vladimir Bozar And The Sheraf Orkestar et, à plus forte raison, Whourkr, est un projet terriblement ambitieux sur le plan musical.

"Ctënöphörä", quatrième piste de l'album (et aussi la plus longue de "Rëvëürt" avec ses treize minutes).

Au niveau conceptuel, on est gâté aussi, puisque Laurent Lunoir et Laure Le Prunenec, créateurs originels de l'hydre désormais tricéphale Öxxö Xööx, ont poussé le projet bien plus loin qu'un groupe de musique classique. Le langage qu'ils ont inventé, nommé l'Öx, et dans lequel toutes les paroles de "Rëvëürt" sont écrites, permet tout à la fois de redonner à la voix le rôle dominant d'instrument musical et de détacher l'écoute de la recherche de sens logique et commun ; c'est une façon de court-circuiter l'interprétation classique, de la même façon que la fusion des styles musicaux permet à l'esprit de se détacher d'une forme particulière et de ses repères préconçus et l'oblige à se laisser porter par le courant.

Création d'un langage propre, séparation de la forme musicale, expression d'émotions transcendantes à l'esprit humain... Ca ne vous rappelle personne ? Moi, si.

Certes, la démarche en elle-même n'est pas vraiment originale, puisqu'on peut au moins la faire remonter au début des seventies, avec Genesis qui s'amusait à créer de toutes pièces des mots ou des tournures de phrases pour faire passer une idée, puis des artistes comme Lisa Gerrard (de Dead Can Dance) dans les années 80 ou plus récemment Jon Birgisson (de Sigur Ros) qui sont allés jusqu'à créer leur propre langage -- sans recourir en revanche à leur utilisation systématique, contrairement à... non, allez, je ne citerai pas leur nom cette fois-ci. Ce qu'il faut reconnaitre en revanche à cette initiative, c'est qu'elle s'inscrit dans une démarche artistique non plus innovante, mais résolument créatrice, si on y applique la nuance sémantique selon laquelle l'innovation s'inspire de méthodes existantes dans un but pratique et applicatif, tandis que la création passe par une scission, et est inspirée par la volonté de s'éloigner des schémas classiques et des formes usuelles.

"Tërëä", deuxième piste de l'album. Un format légèrement plus réduit, mais au moins autant d'émotion.

Cette démarche en elle-même n'est certes pas un gage de qualité a priori, mais dans le cas d'Öxxö Xööx, elle s'inscrit dans un tout clairement inspiré, cohérent et saisissant. L'univers du trio est dense, chargé en ressentis forts, empli dans le même temps de spleen et d'espoir et fusionnant les deux dans une vibration émergente, porteuse de force et de sérénité ; il fait écho à nos sentiments les plus profonds, à notre désir d'émancipation et de liberté, à notre impression intermittente -- et rapidement censurée par notre esprit pratique -- de ne pas vraiment être à notre place, et nous offre à la fois un terrain souple sur lequel laisser fleurir nos émotions, nos doutes ou nos élans méditatifs, et un étrange réconfort à l'idée que nous autres solitaires ne sommes pas isolés, et que l'Art fera sans doute grandir et embellir Kobaïa, qui attend notre retour avec autant d'ardeur que nous espérons son avènement.

Bandcamp (six titres, soit 58 minutes, de l'album en écoute + informations et lexique Öx) :

http://oxxo-xoox.bandcamp.com/album/r-v-rt

Facebook : http://fr-fr.facebook.com/pages/Öxxö-Xööx/184893678219275

MySpace : http://www.myspace.com/oxxoxoox

Album en or : Submerged "Before fire I was against other people"

2012-01-03T08:22:00.000-08:00

La drum'n'bass a encore des choses à offrir et des dérouillées à envoyer en plein dans nos gueules. Oui, je sais, je spoile un peu sur la suite de la chronique, mais en même temps, vu que c'est un "album en or", vous vous doutiez bien que j'allais l'encenser, à moins que vous fassiez partie de cette sous-espèce humaine chez qui le quotient intellectuel ne frôle qu'occasionnellement le chiffre de la température anale, comme disait le poète cancéreux qui s'amusait à manger du crabe dans les grands restaurants pour le plaisir de pouvoir clamer "un partout".

Enfoiré de fils de pute.

Bref, de quoi voulais-je vous entretenir ? Ah oui, Submerged. Ce monsieur nous a envoyé en pleine face un album de compos poétiquement nommé "Before Fire I Was Against Other People", sorti fin mars 2011. L'introduction se fait presque en douceur, si je puis me permettre cette formulation un peu limite, avec "Space Arabs", dont l'ambiance ressemble pas mal au titre (des mélodies aux sonorités orientales sur une musique électronique mid-tempo), mais avec une certaine sombreur pleine de basses en guise de valeur ajoutée. "Nowhere to Hide", qui prend la suite, semble presque jouer dans la facilité avec son mélange beats électroniques/dub un peu trop entendu, dans le drum'n'bass comme dans la dubstep.

"Space Arabs", un décollage tout en douceur.

Le terrain est déblayé, mais les choses sérieuses commencent sur la troisième piste, "Transport", énorme track de drum'n'bass efficace, inspirée, au travail rythmique et mélodique indéniable, une petite tuerie qui parvient à poser une ambiance presque post-apocalyptique sans en faire des tonnes. Cette culture des ténèbres comme refuge sera mise à profit dans les tracks suivantes, à commencer par "No One" qui, à grands coups de caisse claire cradingue et de sons de basses gluants, transforme le plus anodin des riffs de guitare électrique en une machine à tuer nos nerfs, y rajoutant quelques cris, du breakbeat et des boucles de sons pour nous éprouver encore plus.

"Transport"... Première zone de turbulences.

Submerged ne veut pas nous épargner. Maintenant, on le sait. On ne pourra pas prétendre qu'on n'a pas été prévenu. Mais, alors que l'intro de "Death Sentence" -- ce genre de voix parlées, lentes et graves, que Wormskull nous a collées au début d'une track sur deux -- nous fait déjà craindre la déferlante sonore, elle ouvre en fait sur un mid-tempo poisseux et électrisant, qui nous fait sombrer encore plus dans cet univers post-apocalyptique presque angoissant qui s'était présenté dix minutes avant. Au milieu d'un album étiqueté "drum'n'bass", on est en fait plutôt dans l'indus ambient, quelque part entre le Sulphuric Saliva des débuts et la noirceur à la Camanecroszcope (froide et terrifiante coopération entre Ah-Cama Sotz et Iszoloscope). "Borderguard" en prolonge l'expérience en y ramenant des sonorités de la première track de l'album "Space Arabs", intégrant cette sorte de "parenthèse" dans une véritable continuité conceptuelle et artistique.

"Death Sentence". Il fait froid, dans le coin, non ?

Tels une fusion entre la noirceur péri-industrielle décrite ci-dessus et une violence drum'n'bass déchaînée, les titres suivants viennent déclencher cette acmé tant attendue, comme rompant la tension que les six premières tracks ont créé : "Rorschach", "Before Fire" et "Alive" donnent a posteriori tout son sens au début de l'album. Cru, tour à tour épileptique et crissant, tout en prenant le temps d'instaurer des ambiances terriblement sombres, ce trio de morceaux est un enchaînement de titres tout simplement parfaits. Alors que "Before Fire" nous offre ce qu'on pourrait presque qualifier de "repos" après l'éprouvante "Rorschach", "Alive" remet le couvert avec une joie sans limites : caisses claires qui claquent, basses pénétrantes et sons d'Outre-Espace sont combinés par un producer dont la démence est désormais indéniable, et cette folle noirceur a quelque chose de terriblement jouissif.

Et de bien "tiens-prends-ça-dans-ta-gueule", voir figure 1.

Figure 1 : tiens, prends ça dans ta gueule.

La dernière track, "Dead", et ses huit minutes quinze ne nous laisseront cependant pas le moindre ersatz de mauvaise impression : inspirée et variée, cette conclusion surréaliste développe encore un autre aspect du talent de Submerged, à savoir une façon de créer une ambiance un peu moins étouffante mais qui semble chargée d'une sorte de spleen poisseux -- et ce type qui hurle "You're dead !" n'aide pas à faire sentir une quelconque joie de vivre. On ressort de cet album éprouvé, heurté, surpris, et malgré tout avec une énorme envie de le retrouver au plus vite, preuve que "Before Fire I Was Against Other People" est une immense réussite, et sans aucun doute l'album de drum'n'bass le plus excitant de l'année 2011 -- et probablement un des seuls opus véritablement intéressants et nouveaux dans ce style déjà énormément exploité et qu'on retrouve plus souvent dilué que, comme ici, concentré.

Extraits de toutes les tracks sur Soundcloud :

http://soundcloud.com/ohm-resistance/sets/submerged-before-fire-i-was/

Site du label de Sumberged (Ohm Resistance) : http://www.ohmresistance.com/

Techdiff

2011-12-23T05:27:00.000-08:00

En 2007, à la sortie du mini-album "Coronation of a Cursed King", l'artiste breakcore londonien Techdiff avait déjà eu droit à quelques critiques élogieuses, l'annonçant comme "un artiste Venetian Snares-like qui ira loin". S'en sont suivies de trop longues années d'absence partielle, une participation à une compilation par-ci (dont la joliment nommée "Girls <3 Breakcore"), une collaboration avec Rotator par-là... Il faut attendre fin 2011 pour avoir droit, sur le label de Rotator d'ailleurs -- l'excellent label Peace Off à qui l'on doit également deux EPs du grandiose Ruby My Dear -- à un album de quarante minutes, "The Black Dog Released".

He will eat your fucking soul.

Le début ragga/electronica de "The Black Dog Released", efficace et surprenant (efficace car surprenant, en fin de compte), laisse très rapidement place à l'excellent breakcore que Techdiff nous offre au long de ces quarante minutes, dans laquelle des rythmiques hardcore tantôt simples et efficaces ("Vat Grown Top Knot"), tantôt rigoureusement hachées et saccadées ("Metro Holografix"), avec parfois une "saleté" proche du gabber ("Blister"), sont contrebalancées par un sens mélodique certain.

Début d'album en fanfare ("Vat Grown Top Knot").

Au-delà des emprunts à d'autres styles, notamment à l'IDM ("Metro Holografix" encore, "Ono Sendai"), pour sa construction mélodique, Techdiff sait nous surprendre grâce à des ambiances surréalistes et spatiales ("Infinite Corner", "Sim Stim", "Blister") qui s'intègrent à merveille dans l'aspect rythmique "harsh", pour résulter en un rendu global étonnamment chaleureux, compact tout en nous laissant quelques moments de répit (la déjà citée "Ono Sendai").

OMG. ("Infinite Corner")

Quelque chose de très particulier ressort au final de ce puzzle électronique, une finesse mélodique prenante, loin de ces artistes breakcore qui se contentent du "bruit pour le bruit", et qui place clairement cet album au-dessus de la plus grande partie de la production actuelle. Les remixes qui concluent l'album ("Sim Stim" sous "d'autres influences" -- from oriental/mid-tempo to harsh-breakcore -- par Eraserhead, et "Infinite Corner" version abstract-dubstep par Encanti) sont loin d'en briser l'ambiance, comme c'est hélas trop souvent le cas avec les bonus tracks : elles l'appuient et le concluent en point d'orgue, fermant la page en beauté sur quarante minutes qui passent terriblement vite.

Que dire de plus ? Techdiff, aux côtés de Ruby My Dear, Lingouf et Clotaire Premier, est une de mes révélations breakcore de l'année. Une musique douce et mignonne pour les fêtes de Noël, en somme.

Bandcamp (album en écoute intégrale) :
http://peaceoff.bandcamp.com/album/the-black-dog-released

Soundcloud : http://soundcloud.com/techdiff

MySpace : http://www.myspace.com/techdiff1

Album en mousse / album en or : KoRn, "The Path of Totality"

2011-12-12T09:24:00.000-08:00

Apparemment, la moitié des gens qui ont écouté cet album le trouve très bon, et l'autre moitié le trouve à chier. Clairement, cet album innove, mais dans le même temps il n'a plus l'empreinte du KoRn des débuts, étant donné qu'on n'arrive même plus à y entendre la guitare basse, couverte par les bruitages dubstep, et que les riffs de guitare ont tendance à y être réduits à leur plus simple expression. Etant moi-même totalement indécis, j'ai décidé de me livrer à un grand exercice de malhonnêteté journalistique, en le chroniquant à la fois comme un albu m e n mo usse et comme un albu m en or, et en voyant en lequel des deux torchons je croirais finalement le plus. Thèse, antithèse, synthèse, mais en plus débile.

PRO-THÈSE : "The Path of Totality", album en mousse

Du haut d'une bonne vingtaine d'années d'existence, KoRn fait partie de ces "groupes que l'on ne présente plus", dénomination pompeuse qui permet à la fois au journaliste flemmard et malhonnête de s'épargner le travail de rédaction d'une courte biographie et de passer sous silence, en mettant en avant par cette ellipse vue et revue l'aspect "fondateur" et "culte" du groupe, le fait qu'il aura fait bien des écarts. En effet, "début de la fin", un nombre incroyable de fans se sont sentis trahis après que le groupe, faisant suite à trois albums dont la qualité a semblé aller décroissante, a sombré définitivement dans les mélopées commerciales avec le fadasse "Issues" en 1999, ouhlàlà ça nous rajeunit pas ma bonne dame.

*soupir* Qu'est-ce que c'est que ce... truc ?

Le "retour aux sources" partiel effectué ensuite par le groupe, et la fausse auto-dérision qu'il expose (notamment en faisant semblant de se contrefoutre de sa notoriété et de faire un grand bras d'honneur aux "fans de la deuxième heure" avec "Y'All Want A Single", sur le mitigé "Take a Look in the Mirror" en 2003), ne fera pas oublier aux vétérans des légions du KlAxOn De TaNk son amour du billet vert, né sans aucun doute en 1996 quand le deuxième skeud "Life is Peachy" décoiffe les hit-parades américains avec son "A.D.I.D.A.S" aux paroles consensuellement provocantes. ("Hey kid, écoute ça, c'est bippé sur MTV, achète le disque et tu entendras le "let's fuck" comme si Jon Davis était en train de te cracher dans l'oreille !").

Maintenant, pour ne pas se faire oublier, KoRn s'acoquine périodiquement avec "les gens qui en jettent". Malheureusement, les tables ont tourné : à la place d'Xzibit et Snoop Dogg (deux des quatre rappeurs qui apparaissent à la place des quatre membres du groupe dans le clip de "Twisted Transistor" en 2005) sur le podium des "musiciens" encensés par la jeunesse 2.0 se trouvent désormais des gens comme Skrillex, ce jeune post-émo ridiculement imbu de sa personne par qui passerait soi-disant le renouveau de l'électro. La bonne nouvelle, c'est que KoRn a aussi fait appel à d'autres "personnalités" de la dubstep, à savoir les redoutables Excision, Datsik, Downlink, 12th Planet, Kill The Noise, Feed Me et Noisia.

Parlons-en, tiens, des collaborations avec Noisia... SNOOOOORE ! ("Kill Mercy Within".)

Le problème, c'est que la mayonnaise ne prend pas. Dans un énième élan de jeunisme feint, KoRn a encore voulu montrer qu'il en a dans la paillasse, qu'il n'est pas "le groupe que ton père écoutait en buvant de la vodka pendant les soirées de sa promo à la fac" mais un groupe actuel et qui en jette ; il racole donc parmi les amateurs de dubstep, profitant du fait que le milieu de la dubstep et celui du metal sont plus proches qu'ils n'y paraissent (il suffit d'écouter les constructions de morceaux d'un Broken Note ou d'un Niveau Zero pour s'en convaincre), mais à force de dilutions, KoRn s'éloigne toujours plus de son énergie des débuts.

La pitoyable déclaration du chanteur et meneur d'hommes Jonathan Davis selon laquelle le groupe "faisait de la dubstep avant que la dubstep n'existe" est à la fois fausse et ridicule. KoRn veut toujours se croire précurseur, mais la façon qu'il a de se renouveler tombe à plat, parce qu'il interprète toujours la même chanson, parce qu'il construit toujours ses titres de la même façon, parce que les parties de chant sont toujours aussi ennuyeuses, parce que sa rage des débuts ne reviendra jamais.

FOU-THÈSE : "The Path of Totality", album en or

Du haut d'une bonne vingtaine d'années d'existence, KoRn fait partie de ces "groupes que l'on ne présente plus", dénomination pompeuse qui permet à la fois au journaliste flemmard et malhonnête de s'épargner le travail de rédaction d'une courte biographie et de passer sous silence, en mettant en avant par cette ellipse vue et revue l'aspect "fondateur" et "culte" du groupe, le fait qu'il lui aura beaucoup été reproché d'être "mort trop tôt", et ce dès son quatrième album "Issues" en 1999 (voire même avant selon les sources, puisque certains fans jusqu'au-boutistes affirment que "le vrai KoRn" était déjà mort quand "Got the Life" est venu nous secouer les oreilles l'année précédente).

Pas forcément "mort", mais... en pause, peut-être ?

KoRn, groupe "vendu" ? Ne sombrons pas trop vite dans ce genre de conclusions. Dans un sens, le groupe a toujours su suivre les mouvements de l'époque, mais peut-être est-ce parce qu'il se reconnaissait dedans, tout simplement. En 1998, Fred Durst (chanteur de Limp Bizkit), Ice Cube (encore un "qu'on ne présente plus"), Cheech Marin (la moitié du duo comique Cheech & Chong) et Tre Hardson (du groupe de hip-hop/alternatif The Pharcyde) sont invités sur quatre chansons distinctes du troisième album du groupe, "Follow the Leader". Sur cet album, cinq des quatorze chansons sortiront comme single, dont deux "seulement" des quatre chansons "with guests".

Dont celle avec le guest le plus énervant et trou-du-cul-pompeux, of course.

Et n'oublions pas que, lors des diverses éditions du "Family Values", KoRn invite des artistes comme, dans le désordre le plus total, Method Man et Redman, Rammstein, Dir En Grey, Lamb of God ou encore The Crystal Method (oh tiens, déjà du breakbeat... la dubstep n'est pas loin). Sans même parler de la continuité dans la recherche mélodique... Et si le groupe se contentait de faire ce qui lui plait, en fin de compte ?

Et il y arrive bien, à en croire les ambiances de ce morceau. ("My Wall", avec Excision et Downlink.)

De toute façon, juger un album à l'aune de ce que l'on pense du groupe ne peut qu'être une mauvaise idée. Un peu d'objectivité permettra de mieux découvrir cet album, qui est une petite pépite d'inventivité. Le mariage des styles fonctionne extrêmement bien, grâce à une production léchée entre autres, mais également grâce à une inspiration très riche, mêlant richesse mélodique et puissance rentre-dedans comme KoRn savait déjà le faire il y a des années, mais en y intégrant un élément nouveau qui apporte une fraîcheur incontestable.

Prendre son public par surprise a toujours été une grande spécialité du groupe. En 2011, plus de vingt ans après sa création, il montre qu'il en est toujours capable, qu'il est toujours ouvert d'esprit et friand d'évolution et d'expérimentations musicales. "Pour le meilleur et le pire", disent les mauvaises langues à chaque sortie d'album, mais force est de reconnaître que c'est très souvent pour le meilleur.

CORTO MAL-THÈSE : "Et en vrai, tu en penses quoi ?"

Du haut d'une bonne vingtaine d'années d'existence, KoRn fait partie de ces "groupes que l'on ne présente plus", dénomination pompeuse qui permet à la fois au journaliste flemmard et malhonnête de s'épargner le travail de rédaction d'une courte biographie et de passer sous silence, en mettant en avant par cette ellipse vue et revue l'aspect "fondateur" et "culte" du groupe, la façon qu'il a de ravir une partie du public et de totalement débecter l'autre partie. Ce dernier album, "The Path of Totality", ne fera pas exception à cette règle.

Sur certains albums, les opinions ont été moins mitigées, mais bon. Laissons-leur une chance.

A vrai dire, je suis très mitigé sur cet album. Clairement, le mélange metal/dubstep est une bonne idée, qui semble presque logique après tous les précédents projets de fusion metal/électro (The Kovenant par exemple), metal/breakbeat (l'ultra-bourrin Drumcorps), metal/tout-et-n'importe-quoi (depuis l'excellent The Algorithm, jusqu'à Attack Attack! ou Design the Skyline... erk). D'ailleurs, le concept a également été adopté par un jeune groupe américain nommé Here We Divide, plutôt influencé par le metalcore moderne à la Asking Alexandria... à vous d'en juger. Un simple "meh" sera mon opinion pour l'instant, mais j'y retournerai lorsque le projet aura mûri.

Quand même un peu lopette-metalcore à mon goût... Pourquoi a-t-on le choix seulement entre ça et le chant néo-pop de KoRn ?

Certaines chansons de l'album sont des hymnes surpuissants, à commencer par "Get Up!", qui nous avait mis l'eau à la bouche des mois avant la sortie de "The Path of Totality", ainsi que "My Wall", aux ambiances prenantes et au son dense (enrichi par les immenses Excision et Downlink), qui trouve un superbe équilibre entre les différents aspects du groupe vingtenaire ; "Narcissistic Cannibal", où l'on découvre encore une fois que Skrillex, très décevant tout seul, complète extrêmement bien KoRn. L'efficacité et la puissance du groupe se retrouvent également dans des tracks mouvantes et agréablement mid-tempo comme "Illuminati", la très mansonienne "Sanctuary", ainsi que la post-furieuse "Way Too Far" qui nous balade allègrement entre mélodies aériennes et basses impitoyables.

Ne lisez pas trop les paroles, très basiques -- les paroles de KoRn sont rarement excellentes -- mais appréciez le ramonage auriculaire de ce titre avec Skrillex, "Get Up!".

D'autres morceaux, entraînants et bien construits, peuvent par contre lasser par leurs parties de chant finalement très convenues ("Chaos Lives In Everything", "Let's Go") ou par leur construction très basique ("Burn The Obedient" ou "Bleeding Out" par exemple, mais, au final, la construction de tous les morceaux se ressemble), et d'autres encore sont surprenants à première écoute, mais ont ce côté pop sucrée exagérée que j'aime finalement assez peu chez KoRn ("Kill Mercy Within" en particulier).

Au final, que dire de cet album ? Son concept de départ est excellent, et il y a clairement du savoir-faire mis en œuvre, du côté du groupe comme de celui des producers qui y ont collaboré. En revanche, en tant qu'objet "expérimental" d'une part, et en tant que "encore un album de KoRn" d'autre part, cette galette à double tranchant a quelques défauts. Le côté mélodique-premium-plus de certains titres (ceux en collaboration avec les Noisia, notamment) m'irrite autant que m'excite le bruitisme rentre-dedans de certains autres (à commencer par ceux avec Downlink ou Skrillex, et ça me fait vraiment tout drôle d'avouer en public que Skrillex a produit quelque chose qui me plaît vraiment).

En temps normal, je serais plutôt du genre à hurler "AHMONDIEEEEUUUUUTUEZCETRUC !"

"The Path of Totality" est un album qui s'écoute bien, qui fait des petites vibrations là où qu'c'est que c'est bon, mais qui est terriblement mal représenté par son premier single "Get Up!", une bombe absolue à côté de laquelle la galette ne tient pas exactement la route. Certains y trouveront clairement leur compte, beaucoup plus du côté des fans du groupe que des amateurs de dubstep, qui critiqueront la "propreté" du son, les mélodies de chant, enfin, tous les "trucs de pédé qui ont été rajoutés par-dessus les wobbles", et qui, de toute façon, ont souvent arrêté d'écouter KoRn juste après le premier album, comme par hasard. Pour ma part, d'ici quelques écoutes, j'en aurai sans doute jeté la moitié, mais je continuerai à écouter ce que j'en aurai gardé avec un plaisir, limité certes, mais coupable.

Site officiel : http://www.korn.com/

Vildhjarta

2011-12-10T10:04:00.001-08:00

Le combo suédois Vildhjarta, "un parmi d'autres" dans la vague prog-metal/djent qui nous submerge ces derniers temps, aura mis six ans à définir le style qu'il voulait avoir. Quelques démos ont beaucoup circulé sur le Web, les compteurs de lecture MySpace (ah, la bonne époque où le lecteur MySpace marchait, nom de Dieu de bordel de merde !) ont tranquillement atteint des nombres à plusieurs chiffres sur les versions instrumentales de "Shiver", "Traces" ou "Deceit", qui ne laissaient présager que le meilleur, et leur cri de guerre "Thall !" s'est répandu comme une traînée de poudre. Autant dire que ce premier album, distribué par le respectable Century Media, était attendu de pied ferme.

Dès le début de "Måsstaden" (sorti le 28 novembre 2011), après une courte introduction ambiante, Vildhjarta nous plonge dans son univers sombre et inquiétant avec la bien nommée "Shadow", qui reflète déjà cette rencontre étrange, et qui se prolongera durant cinquante minutes, de mélodies étrangement sereines (la fin de "All These Feelings", la superbe "The Lone Deranger" qui conclut l'album), de palm-mutes bas et profonds (toutes les chansons...), de hurlements vibrants, de dissonances presque black (qui reviennent en force dans le passage le plus désaxé de "Benblast") et de couinements angoissés (la fin magistrale de "Eternal Golden Monk").

"Benblast". Je suppose que "blast" veut dire la même chose qu'en anglais... Non ?

Cette étrange harmonie des contraires annoncée par les quatre minutes de ce titre donne déjà un aperçu significatif de l'album, de sa grande qualité, et de son implacable originalité : jouant sur les dysrythmies et les syncopes en tout genre, autant que sur l'incroyable gamme vocale de chacun des deux chanteurs -- qui donne lieu à des duos de screams parfois proches du grunt, puis à des doubles chants hypnotiques péri-Texturiens ("Traces") maîtrisés avec la même insolente facilité -- Vildhjarta confirme ce mélange d'inventivité et de technicité irréprochable dont il fait preuve, en mettant le tout au service d'une musique totalement nouvelle, aussi glauque que du Meshuggah mais pas avec les mêmes recettes.

Ce qui est clair, c'est que les origines suédoises du groupe (comme, oui, exactement, comme les déjà cités Meshuggah) ne trompent pas : la froideur du son, ses ambiances claires-obscures qui nous font des clins d'œil, cette surprenante douceur occasionnelle, cette mélodicité en demi-teinte, tout dans cet album nous fait sentir ce pays. Cet album est plein de légendes, d'esprits cachés, de sérénité autant que de colère, de sensibilité et d'envie de tout renverser, finalement à l'image de sa surprenante pochette : l'écoute des cinquante-et-une minutes sans temps mort de "Måsstaden" est la traversée d'une forêt nordique, une terre totalement inconnue, effrayante et magique, plus puissante que nous n'aurions pu le concevoir avant de nous lancer à l'aventure, peuplée d'une faune surréaliste ; c'est le passage de l'autre côté du miroir.

Le côté plus mélodique de Vildhjarta ("All these Feelings", à écouter impérativement jusqu'au bout).

Les sonorités de cet album sont radicalement nouvelles, au sein d'un style "djent" qui semblait pourtant condamné à se mordre la queue -- certains de ses représentants les plus renommés, comme Chimp Spanner, se sont d'ailleurs laissés prendre à ce piège du péché par manque de renouveau. C'est sans doute pour cela, et probablement par humour, voire carrément par sarcasme, que le groupe préfère définir son style comme du "thall". Bonne démarche, d'ailleurs ; tout d'abord parce que le fameux son dénommé "djent", ce palm-mute supra-grave et pesant, ressemble à tout sauf à l'onomatopée "djent" -- mais bon, ça sonnait mieux que "blom" ; ensuite, parce que ce trait d'humour est devenu une sorte de micro-meme au sein de la communauté djent, qui emploie maintenant "thall" à peu de choses près pour dire "ce truc est surpuissant" ; enfin, parce que ce n'est pas prétentieux de la part de Vildhjarta que de prétendre avoir défini un nouveau style qui n'appartient qu'à lui.

Le clip officiel de "Dagger", tout à fait dans l'esprit dicté par la pochette de l'album. Et, ah oui : un morceau putain d'énorme, qui nous a envoyé la première claque deux semaines avant la sortie de l'album.

Je ne dis pas cela pour le plaisir d'être dithyrambique (d'ailleurs, je n'aurais pas pu dire ce genre de choses pour, par exemple, Volumes -- ni même pour Aliases, c'est vous dire !), mais parce que c'est, en toute honnêteté, ce que j'en pense. Vildhjarta est une des meilleures choses qui soient jamais arrivées à un style djent qui prenait, dès le départ, par sa définition même, le risque d'être "mort-né". Créatif, irrévérencieux, mais surtout terriblement inspiré et puissamment vibrant, "Måsstaden" a instantanément accédé au statut d'album immortel en proposant à une branche entière de la musique de nouveaux standards. Autant dire qu'on ne peut que croiser les doigts pour que le groupe ait la plus longue et la plus prolifique des vies... et qu'il soit reconnu à sa juste valeur, c'est-à-dire encore plus qu'il ne l'est d'ores et déjà.

Site officiel : http://www.vildhjarta.com/masstaden/

Facebook : http://www.facebook.com/vildhjartaofficial

Drinkify : http://www.drinkify.org/Vildhjarta

MySpace : http://www.myspace.com/vildhjarta

Thy Catafalque

2011-12-02T08:51:00.001-08:00

L’attention des lecteurs aux goûts éclectiques et avides de grosses baffes dans la tronche est expressément réquisitionnée, pour votre propre bien mental et, accessoirement, pour ne pas mourir idiot. Effectivement, aborder un groupe de metal avant-gardiste hongrois instigateur de machines à mandales qui s’étalent parfois sur une vingtaine de minutes, ce n’est pas à la portée du premier fan de David Guetta.

On a vraiment quelque chose contre lui, par ici.

Thy Catafalque nous vient donc de Hongrie, fondé en 1998 par Kátai Tamás et János Juhász sur les cendres de Gire, groupe d’avant-garde metal (tiens tiens) auteur d’un unique album. Le groupe sort une démo puis deux albums de black-metal atmosphérique où les envies d’extravagances de ses auteurs pointent déjà le bout de leur nez. C’est en 2004, avec "Tûnõ Idõ Tárlat", que Thy Catafalque pose la première pierre de son édifice, qui deviendra plus tard l’un des meilleurs représentantz de la scène avant-garde mondiale. Rien que cela, oui. Viennent ensuite en 2009 "Róka Hasa Rádió" et plus récemment, le 11/11/11, le petit dernier "Rengeteg".

Des débuts black/atmo, avant de sombrer dans l'avantgarde... Ca me rappelle quelqu'un, tiens. Un groupe dont MZ a parlé il y a un an déjà, et dont l'album "Fables of the Sleepless Empire", sorti entre-temps, est un chef-d'œuvre absolu.

La musique de Thy Catafalque n’est pas aisée à décrire ; elle possède en effet plusieurs visages, plusieurs empreintes, des masques qui s’échangent et s’interchangent en permanence sous nos yeux ébahis.

Sur "Tûnõ Idõ Tárlat" ainsi que "Róka Hasa Rádió", le groupe suit un schéma assez similaire, commençant à chaque fois par deux longs morceaux, le premier d’une dizaine de minutes habituellement dantesques "dans ta face", et le second d’une vingtaine de minutes, entre cavalcades épiques et passages ambient. Le dernier album en date, "Rengeteg", déroge un peu à la règle tout en respectant le schéma, la seule différence étant que le morceaux le plus long ne vient pas en deuxième position mais en cinquième et qu’il ne fait "que" quatorze minutes.

Le premier pas du groupe dans l’avant-garde assumée et revendiquée est donc l’album "Tûnõ Idõ Tárlat", sorti en 2004. Cet album est sans conteste le plus "froid" du groupe, l’utilisation de l’électronique œuvrant pour beaucoup pour ce ressenti. L’album démarre en trombe avec "Csillagkoho" et son riff ravageur qui met les pendules à l’heure. Ce morceaux accrocheur en début d’album est une bénédiction et ne donne qu’une envie : se jeter sur le reste de l’album. Comme nous l’évoquions, le groupe est également expert en longs morceaux épiques qui font passer une vingtaine de minutes pour quelques secondes.

Sérieusement, ça donne envie d'écouter la suite, non ?

"Neath Waters", par exemple, une pièce incroyable de 18 minutes totalement épique et monumentale : cette touche électronique incroyablement bien distillée nous transporte dans cette scène hallucinée de "2001, L’Odyssée de l’Espace", un tunnel intergalactique coloré au milieu d’un espace noir sans fond ni matière nous projetant d’une dimension à l’autre, à la croisée de l’univers et du temps. On ne comprend pas forcément ce qui se déroule, mais on est là, pantois devant tant de créativité, d’originalité, voire de génie. L’aspect épique du morceau est gargarisant et vous donnera envie de brandir votre poing en rythme jusqu’à vous donner des crampes insoutenables. Il va sans dire qu’il s’agit ici de mon morceau favori du groupe, et de l’un de mes morceaux favoris tout court.

Le reste de l’album poursuit sur la même lancée grandiloquente : "Bolygó, Bolyongó" et son début technoïde complètement fou, "Kek Eg Karavan" et sa texture ambient réjouissante, ou encore "Zapor" et sa voix féminine pénétrante, qui repose les esprits entre deux bombardements. Ce premier album quelque part entre envolées lyriques, rythmes tribaux et black-metal électronique de haute volée, fait donc entrer Thy Catafalque dans la cour des grands et démontre avec brio ce que les gaillards ont dans le ventre.

L'accouchement a cependant dû être douloureux.

Seulement, le génie créatif du groupe ne s’arrête pas là, et leur permet de naviguer sur tous les flots, ; nous nous retrouvons ainsi, tantôt errant dans une forêt hongroise humide, relique du passé black-metal du groupe, tantôt dans un univers post-apocalyptique où tout n’est que noirceur moderne et décrépitude.

"Róka Hasa Rádió", sorti en 2009, explicite encore plus ce génie créatif en délivrant une fraicheur folklorique, grâce à l’apport de mélodies à la flûte imparables, mélange de promenade matinale en forêt et de découverte d’un campement elfique dansant autour d’un feu de joie. Ce n’est pas le morceau le plus long de l’album (et de leur discographie), du haut de ses dix-neuf minutes, qui me contredira. Bien au contraire, "Molekuláris Gépezetek" est la définition même de la musique du groupe, ou comment devenir observateur privilégié d’une forêt tout droit sortie de chez Tolkien, en ébullition, sur Neptune. L’aspect planant du groupe est ici à son summum, avec ses mélodies guillerettes et ses nappes de claviers hypnotiques qui rendent le LSD obsolète sur plusieurs minutes, avant de déclencher la machine à riff et de nous finir à la moissonneuse-batteuse.

Thy Combine Harvester.

Le groupe a donc décidé d’opter sur cet album pour une direction plus "folk", toutes proportions gardées bien évidemment. La déferlante de riffs assassins est toujours présente, ainsi que les morceaux de bravoure électro-black-metallisés. Seulement, les mélodies imparables sont bien plus récurrentes, et apportent un côté folklorique non négligeable à la musique de Thy Catafalque. L’utilisation des claviers est sensationnelle, comme toujours, à l’origine de la fraicheur et de la diversité au milieu de cette déflagration sonore. Ils sont également instigateurs de mélodies imparables qui donnent cette touche accessible si particulière, moins présente sur l’album précédent; car, même s’il s’agit de metal avant-gardiste, classification effrayante pour les non-initiés, le groupe reste malgré tout à la portée de n’importe quel amateur de metal un tant soit peu ouvert d’esprit.

Le "hit en puissance" de l'album.

"Köd Utánam", un hit en puissance, en est le parfait exemple, et démontre tout le savoir-faire du groupe. Ce côté "tubesque" représente donc une nouveauté pour Thy Catafalque, toutefois sans jamais tomber dans la facilité qui donne des crampes d’estomac. "Ûrhajók Makón", quant à lui, se montre doux et docile, fragile montée en puissance jusqu'à l’abandon total aux claviers lancinants martelant l’empreinte électro toujours présente du groupe. "Õszi Varázslók" est également un merveilleux exemple de retour au black atmosphérique, avec ces nappes de claviers couplés à un chant clair incroyablement maitrisé et un chant black terrassant. Des exemples comme celui-ci se retrouvent sur la majorité des morceaux, le groupe nous invitant au voyage dans des tracks plus aérées que celles de son prédécesseur, mais toujours aptes à nous faire bouger la tête et taper du pied sans relâche.

Comme ça. (Crédit photo : Headbanging Beauties.)

Sur "Regneteg", le petit nouveau, le groupe devient one-man-band. En effet, Kátai Tamás prend seul les commandes du navire tout en faisant appel à des invités, Attila Bakos (Woodland Choir) qui s’occupe de ce magnifique chant clair, et Ágnes Tóth (The Moon and the Nightspirit) qui est à l’origine du chant féminin. Kátai a décidé d’opter pour un son plus direct, sans pour autant perdre la qualité inhérente des compositions. La différence la plus notable étant la durée des morceaux, drastiquement réduite puisque, contrairement aux albums précédents sur lesquels la durée moyenne était d’environ six ou sept minutes, plusieurs morceaux ne dépassent pas les trois minutes.

Le groupe souhaite donc se montrer sous un nouveau jour, plus efficace, tout en gardant sa singularité. En effet, rassurez-vous, les mélodies sont toujours aussi efficaces et les riffs toujours plus ravageurs. La marque de fabrique du groupe reste intacte et deux morceaux fleuves parcourent toujours l’album. Le premier morceaux tout d’abord, "Fekete Mezők", véritable monstre épique et hymne au headbanging, un des morceaux les plus entrainants qu’il m’ait été donné d’écouter. Ce premier riff donne simplement envie de se lever et de tout saccager autour de soi avec un gros sourire débile, neuf minutes de bonheur à l’état pur.

La preuve en musique.

Sur cet album, Thy Catafalque a décidé de se séparer de l’omniprésence du côté folk de l’album précédent pour se concentrer sur l’efficacité. Les claviers, discrets mais bien présents, remplissent toujours leur rôle à la perfection, donnant à cette avalanche de riffs et de brutalité une fraicheur nécessaire, pour ne nous donner envie que d’une chose : appuyer sur Repeat. Des morceaux tels que "Kel Keleti Szél" ou "Trilobita" sont de véritables petites bombes d’énergie et d’efficacité qui raviront petits et grands.

Le groupe n’oublie pas pour autant complètement son côté folk lunaire/ambient, en nous distillant des mélodies imparables et magnifiques ; "Kő Koppan" peut en témoigner, ainsi qu’une partie du morceau de bravoure "Vashegyek", où la voix d’Ágnes Tóth résonne entre deux riffs de mammouth. Relevons également le dernier morceau de l’album, "Minden Test Fű", où la batterie devient complètement folle et vous laboure le crâne sans aucune compromission. Il s’agit certainement d’un des morceaux les plus violents du groupe, digne représentant de ses racines black-metal et monstre d’efficacité.

Quelque chose comme ça, mais en musique. (If you know your hentai, I think you have guessed that this is going to end in the most graphic ear-rape ever.)

Thy Catafalque est un voyage hypnotique aux confins d’un psychédélisme brutal et épique, véritable vaisseau conquérant le monde des émotions et des rêves hallucinogènes. Le groupe nous mène par le bout du nez dans son univers de noirceur et de couleurs. Maelstrom des Cavaliers de l’Apocalypse et de Tolkien, le parcours du groupe est un sans-faute insolent qui n’attend qu’une chose désormais : vous.

Site officiel : http://www.thycatafalque.hu/

MySpace : http://www.myspace.com/thycatafalque

Chronique par Alex, aka A.A

Superscream

2011-11-22T04:50:00.001-08:00

Il me semble plutôt normal que je parle beaucoup de groupes locaux, non ? Celui qui est l'objet de cette chronique va à la fois renouer avec cette tradition de mise en valeur de la création péri-rouennaise et renier mon désamour flagrant du metal progressif. Parce que Superscream, ce n'est pas un groupe de progressif comme les autres.

...car je ne m'amuserai pas à vous ennuyer avec n'importe quoi non plus.

Que je m'explique : le metal progressif fut mon point d'entrée dans le metal, parce qu'il en faut bien un. J'ai passé plusieurs années de ma prime adolescence à glouglouter dans un bain de nappes de synthés, de grosse caisse sous-mixée et de chants aux trémolos exagérés, des caricaturaux Pendragon aux plus fins Angra en passant par Symphony X, Stratovarius et tout un tas de groupes plus ou moins moyens dont l'évocation me grattouille maintenant la gorge. Soyons clairs, je n'arrive plus à montrer la moindre objectivité en parlant du heavy progressif, parce que malgré de longues années passées à en écouter et à m'affûter l'oreille dessus, je ne trouve une véritable subtilité dans la façon de faire que chez de très rares groupes : le Angra d'entre "Holy Land" et "Fireworks", Pain Of Salvation et son sublime "The Perfect Element Part I", et probablement deux/trois autres.

En sciences, la preuve par l'exemple n'est pas tolérée. En musique, elle marche très bien : voici "Ashes" de Pain Of Salvation, sur leur chef-d'œuvre "The Perfect Element Part I".

Remarquons que les albums que je viens de citer ont en commun d'intégrer des influences autres que celles du progressif orthodoxe lancé par les excellents mais, disons-le, désormais âgés Dream Theater. On peut dire qu'un groupe n'est plus actuel sans totalement le dénigrer ; de même, j'affirmerai qu'une musique a vite fait de devenir ennuyeuse dès lors qu'elle ne fait aucune irrévérence à ses aïeux. Tenter de reproduire la "pureté" d'un style, si tant est que cela veuille déjà dire quelque chose, mène à un inexorable appauvrissement culturel, parce que la culture passe par la création, le renouveau, l'hétérodoxie. C'est pourquoi l'immense majorité des groupes vantés en ces pages se caractérise par le mélange d'influences, l'exploration, voire même le je-m'en-foutisme formel (qui n'exclut pas forcément le savoir-faire, ne me faites pas dire ce que je n'ai pas dit).

Un exemple parfait de ce mélange d'innovation, de précision technique et de rien-à-branler conceptuel que j'affectionne tant.

Superscream est un groupe de metal progressif. Au sens premier du terme : une musique non figée, mouvante. Quelque chose d'évolutif. Quelque chose qui sort des sentiers battus. Ce ne sont pas des défenseurs du "truemetalprog", Dieu nous en garde : ce prog-là est né il y a plus de quarante ans, alors ce serait ridicule de ne pas en faire quelque chose de neuf. Au contraire, cette jeune formation (âgée de deux ans à peine) se montre à la fois révérencieuse et hérésiarque en fusionnant avec la plus grande précision technique, dans son premier album, le bien nommé "Some Strange Heavy Sound", le heavy progressif et différentes branches de la world-music.

"Blind Justice". Une grosse, grosse réussite.

Cette simple idée est plutôt géniale : après tout, quoi de mieux que la chaleur du flamenco ("Blind Justice"), des percussions d'inspiration nord-africaine (qui débarquent dès le premier titre "Combattant" et reviennent notamment dans "Past the Shore") et autres pour raviver et enrichir un style parfois si technique qu'il en devient froid aux oreilles non habituées ? Mais au-delà de l'idée, il y a la façon dont elle est appliquée, et à ce niveau, la critique est très difficile. On sent que les musiciens sont expérimentés, et ils le montrent autant dans le progressif standard (les rythmiques et arrangements de "Point of No Return", le double solo de guitare et les chants trou-métôhl de "Star of Venus") que dans les fusions diverses (même les inspirations smooth jazz de "Flaw in the Plan" sont bien gaulées).

Clip officiel de "Metal Sickness", prix du meilleur clip vidéo au festival 2011 de l'horreur et du fantastique de Rouen. La chanson, en revanche, est une des moins métissées, donc pas forcément la plus intéressante.

Les arrangements sont fins, surprenants sans sombrer dans l'incohérence ; les morceaux sont variés mais conservent une inspiration et une ligne directrice ; je me suis même surpris à apprécier quelques minutes de progressif pur, les quatre premières de "Fool Souls", coincées quelque part entre la finesse mélodique et la richesse émotionnelle d'un Pain Of Salvation et les constructions d'un Dream Theater, et si les deux premières minutes de l'album, à première écoute, m'avaient un peu fait peur, les dix dernières m'ont profondément touché. Superscream fait mieux que se tenir droit et fier sur le fin filin de fer suspendu entre les deux terres a priori lointaines du heavy et de la world music (ce qui, en soi, est déjà un exploit) : il rend hommage à chacun de ces styles, en créant une musique qui n'appartient à aucun genre et, j'allais oublier, dans un album au mixage et au mastering qui sortent vraiment du lot -- difficile de sentir que ce premier album autoproduit est, justement, un premier album autoproduit.

Bon, qu'est-ce que vous attendez pour effrayer vos chats ?

Site officiel (en préparation) : http://superscream.com/

MySpace : http://www.myspace.com/superscreammusic

Facebook : http://www.facebook.com/superscream

Live review : 8bit'em'all (05/11/11, Le 6B, Saint-Denis)

2011-11-18T05:56:00.000-08:00

Toutes les photos de cet article ont été gracieusement fournies par Odea, Uglybutter et Xander.

(Pas de photos de Bacalao, Spintronic et Dr Von Pnok disponibles. Sincèrement désolé.)

Mon Dieu, quel programme ! Atelier circuit-bending et apéro en musique gratuit, puis neuf heures de concert pour la monstrueuse somme de... cinq euros. Goddammit. Le plus cher pour la plupart des participants aura été le trajet vers la région parisienne -- par exemple pour les trois Troyens avec qui j'ai passé une grande partie de ce festival, depuis la première bière de 16h30 jusqu'à l'ennui péri-ferroviaire de 7h30, le lendemain matin, épuisés et affamés comme des guerriers après la bataille. Mais ne brûlons pas d'étapes.

Mon arrivée sur place sera périlleuse : je me lève tard, trop à mon goût, les trains sont rares, mais c'est une fois arrivé à Saint-Denis que l'aventure commence. Samedi, milieu d'après-midi : le marché rend les rues animées, vivantes, la ville a un cœur, je me remémore ce que Grand Corps Malade, au détour d'une des chansons de son premier album "Midi 20", déclamait sur cette cité à laquelle il voue un attachement sans défaut. En revanche, demandez où est le 6B, et même les vendeurs de magasins de jeux vidéo vous regarderont d'un air abruti, l'un d'eux osant même affirmer que si un grand concert 8-bit avait lieu quelque part dans sa ville, "il le saurait", et "qu'on avait dû mal me renseigner". Si tu lis ces quelques lignes, petit commerçant sympathique mais sans doute trop imbu de ta personne du bout de la rue Gabriel Péri, sache qu'il est temps que tu jettes un œil sur le 6B, comme ça, pour voir. Ce n'est pas bien loin de ta modeste échoppe, en plus.

C'est finalement un ami à moi, Killian, qui me tirera de ce mauvais pas en jouant le rôle de Kit. [Pour information, Killian est un jeune dreadeux rencontré lors de la soirée/nuit électro "Casse Ton Singe !" chroniquée en ces pages, et une sorte de mini-star puisqu'on le voit agiter ses dreadlocks dans le clip de "La Menuiserie" de Stupeflip.] J'arrive à 16h30, ce qui me semble déjà terriblement tard, au 6B, un immeuble de bureau désaffecté reconverti en lieu de rencontres artistiques. La salle de danse est occupée par une petite poignée de soudeurs/bidouilleurs chevronnés en train de massacrer des jouets pour enfants pour leur faire tirer des sons étranges (pas de Furby, étonnamment, alors que ce jouet est réputé comme étant un très bon point de départ pour le circuit-bending, une sorte d'artisanat du bidouillage et de la torture électronique). Parmi eux, je retrouve Youenn, alias Schematic Wizard, qui, après avoir travaillé sur une nouvelle track qui semble tout à fait alléchante, et sur la demande générale d'au moins deux personnes -- je n'ai pas eu le temps de compter, tout s'est passé tellement vite -- reprendra sous nos yeux du Nine Inch Nails [NdR : "The Great Destroyer" de l'album "Year Zero", merci à Morgane pour la précision] en version chiptune, grâce au séquenceur LSDJ pour Game Boy si ma mémoire est bonne.

Il y a aussi cette jeune fille qui, avec trois rouleaux de chatterton, fait un petit miracle sous nos yeux.

L'apéritif tant promis est en fait plus une sorte d'accueil tranquille pour ceux des participants qui n'ont pas pu ou voulu être présents dans l'après-midi (c'est-à-dire la grande majorité) et l'occasion pour plusieurs labels indépendants et artistes divers de présenter leurs œuvres. Deux d'entre eux auront particulièrement retenu mon attention.

...cachés quelque part entre un drapeau bizarre et une NES bendée.

D'un côté, Arrache-Toi Un Œil, à qui l'on doit entre autres un certain nombre de superbes affiches de concert dans des styles comme le punk, le hardcore, le sludge ou le postcore (je découvrirai quelques jours après les avoir rencontrés le superbe travail que l'un d'entre eux a récemment effectué pour le concert de Neurosis et Amenra à la Machine du Moulin Rouge)...

What the fffff-shhhh-d-d-d-ohmagaditsawesome.

...mais qui profitent également de leur atelier de sérigraphie pour tirer de très beaux bouquins d'art, allant du portfolio d'une jeune artiste étrangère (asiatique, si ma mémoire est bonne... ah, si seulement leur site était déjà en ligne, j'aurais des antisèches) à la compilation de dessins d'artistes "décalés" dont le très talentueux et très sale dessinateur ~~parisien~~ rouennais [NdR : OMG !] Crao.

Et en plus, ils sont beaux.

De l'autre côté, le label indépendant Darling Dada qui, en plus d'avoir un nom improbable et un logo totalement fumé, propose dans la gratuité la plus totale les œuvres d'artistes... intéressants, allons-nous dire. J'y reviendrai bientôt.

Picture is unrelated.

C'est un peu fébriles que nous avons enfin accès à la salle de concert, avec un petit retard, pour le set de Rachitik Data qui ouvre le grand bal des englitchés. La musique de ce Black Knight parvient à superposer très naturellement des expérimentations très noisy à des rythmiques sales et soutenues, dans un style hardcore tendant parfois franchement vers le speedcore, et la participation de Computer Truck au chant (à vrai dire, plutôt des sortes d'incantations hurlées dans les restes court-circuités d'un mégaphone-jouet lui servant aussi à produire d'agréables larsens) est loin d'appauvrir son set, qui en devient une micro-performance très décalée et noisy.

Cette entrée en matière royale ouvre sur un artiste meilleur encore (à mon sens, tout du moins) nommé Klaten. Je vous avais promis que je reparlerais du label Darling Dada : Klaten en est l'artiste le plus prolifique pour l'instant, avec deux albums complets sortis en février et octobre 2011. La montée sur scène de ce jeune homme très hipster (petite moustache et chemise à carreaux d'origine) ne me rassure pourtant pas...

...mais son set, malheureusement trop court et visiblement perturbé par quelques nuisances d'ordre technique, fut une excellente introduction à son univers musical, un mélange ambitieux-sans-faire-exprès de drum'n'bass, breakcore et IDM, sur fond d'un amour éloquent des grosses basses post-dubstep et des sonorités électroniques des enfants de la génération NES. Autant dire que lui, son masque délirant et son énergie communicative se verront sans doute réserver un peu de place dans la Zeuhlerie un de ces quatre...

You rock, dude.

C'est le duo The Cheat Code qui prend la suite, que certains avaient apparemment déjà beaucoup apprécié en concert. Contrairement aux autres artistes de la nuit, ces deux-là sont au milieu de la foule, l'un frisé aux cheveux longs, barbu, bref : poilu de partout, l'autre avec un boitier d'écran cathodique autour de la tête, s'affairant autour d'une sorte d'arbre à câbles de deux mètres de haut où se mêlent accessoires pour NES (dont ce fusil pour jouer à Duck Hunt qui ne m'a jamais permis de tuer ce putain de chien !), jouets pour enfants, sèche-cheveux, et au pied duquel est posé un vieil aspirateur pas très joli.

Les amateurs de 8-bit "à l'ancienne" retrouvent facilement leurs petits dans ce set révérencieux envers les musiques de jeux rétro sans se limiter à la simple tentative de copie, et les curieux toucheront "l'arbre" avec curiosité et amusement, et assisteront hébétés à un superbe jeu d'aspirateur... lequel semble en fait contenir un ou plusieurs accessoires circuit-bendés pilotés grâce à quelques boutons et potentiomètres. L'aspirateur circuit-bendé... Grande invention du XXI° siècle.

Un metalleux qui chante/rappe sur du 8-bit influencé par le breakcore, c'est forcément étrange. On a envie d'être curieux, de voir ce que ça peut donner. C'est que nous propose Divag, un chevelu à l'air... comment dire ?.. facétieux ! C'est une grande joie de le voir se faire plaisir, danser (mal), jouer (bien), se galérer un peu avec le matériel, reprendre quand même, avec toujours la même décontraction et le même naturel. C'est sur le plan musical que j'accroche moins, d'autant que son chant n'est pas toujours parfait et qu'on a parfois du mal à entendre ce qu'il raconte -- la faute, également, à une balance pas évidente à faire sur ce genre de musique. Mes jambes m'ont déjà abandonné, mais je suis la prestation avec une curiosité mêlée d'engouement.

Le suédois Goto80, qui prend la suite, m'interpelle rien que par son pseudo d'artiste. Déformation professionnelle : quand on code en Fortran, il y a des noms comme celui-ci qui nous parlent. Les ambiances qu'il pose en début de set, sur une 8-bit mid-tempo enrichie de sonorités sorties tout droit de chez Commodore, ont quelque chose de très particulier, un ressenti rare, difficile à décrire. Et puis, le monsieur s'amuse à divaguer, un peu de lounge par-ci, quelques sonorités iliennes par-là, du chant disto qu'on dirait sorti tout droit du "Fat of the Land" de Prodigy, pour revenir ensuite sur des rythmiques plus appuyées, avec quelques sons volontairement désaxés (comme peuvent le faire des Flying Lotus ou des artisans de la techno française -- non, je n'ai pas pensé à Mr Oizo, c'est faux), et conclure sur une sorte d'orgie 8-bit/speedcore totalement jouissive. Ce mec ne s'interdit rien, passe d'un genre à un autre avec une aisance insolente, et une heure en sa compagnie passe terriblement vite...

La fatigue s'emparant de moi (le milieu de nuit est sans doute le cap le plus difficile à passer), je regarde d'un peu plus loin le set de Bacalao, aux inspirations résolument house, presque "clubbing". Contrairement à quelques personnes passablement éméchées qui se mettent torse nu et se trémoussent sur ces sonorités plus easy-listening (et contre qui je râlerai ouvertement parce qu'en montant sur la sorte d'estrade à l'avant de la scène elles m'empêchent de voir les artistes, mais c'est surtout parce que j'aime bien râler), je n'apprécie pas particulièrement le style que joue le jeune homme ; je suis en revanche forcé de reconnaitre que la construction irréprochable de ses morceaux donne aussi à déguster de très agréables lignes de basses.

Picture is unrelated, épisode 2.

Eat Rabbit vient secouer le public encore plus fort, avec une sorte de live mix hardtek-to-hardcore enrichi de sonorités chiptune. Ce "son de teuf rétro" semble fortement apprécié par les beat-addicts venus nombreux, mais mes jambes en miettes m'empêchent de les rejoindre. Il me faut du repos, et un peu d'air frais. J'apprécie néanmoins le son, malgré une "orthodoxie" hélas symptomatique de presque tout ce qui se rapproche de la hardtek.

C'est un peu reposé que je me relève pour voir celui que j'attendais le plus, Dr Von Pnok. D'autres ne le verront pas de cet œil, mais malgré la très grande qualité du reste des artistes, il fut ma claque de la soirée, ni plus ni moins. Son sens de la mélodie est terriblement affûté, ses rythmiques de drum'n'bass minimalistes visent juste, tout en finesse, mais une finesse recouverte d'une agréable manipulation du bruit (que vous pouvez déjà apprécier dans le puissant "21122012", qui figure dans les vidéos du Zeuhl, et avec lequel le Docteur nous a régalé). Il y a véritablement de la création dans la musique 8-bit, et ce même dans la chiptune pure : Von Pnok ne joue qu'avec deux Gameboy reliées l'une à l'autre, qu'il fait chauffer en fin de set dans une déferlante poussant presque jusqu'au speedcore et se concluant dans un noise ravageur. On en aurait voulu plus...

Oh, Goddammit, je la remets : mesdames et messieurs, "21122012" de Dr Von Pnok, avec une visu audio-réactive en temps réel préparée par RealMyop. D'autres musiques très miam-miam sur son Soundcloud.

Difficile de ne pas être fine gueule après un tel concert ; c'est pourquoi je ne peux qu'être sceptique concernant Spintronic, qui est parvenu à trouver un équilibre totalement mystique. Je m'explique : ses mélodies sont simples, à la limite du putassier ; ses rythmiques sont standard ; ses arrangements sont classiques ; bref, sa musique est une sorte d'archétype de la musique chiptune. Et pourtant, ça marche, nom de Dieu ! En exploitant jusqu'au bout les possibilités de sa machine, et en contrôlant ses magouilles dans le cadre d'une musique bien ficelée, misant toujours sur l'efficacité, il nous offre un set d'une efficacité redoutable.

...et pendant ce temps, Rachitik Data s'amuse à faire peur à des gens dans le public.

Bravo, belle mentalité.

Je ne peux pas dire la même chose de Culomono, qui ne parvient pas, à mon sens, à retrouver cette efficacité. J'aurais probablement mieux apprécié sa musique en début de soirée, mais là, il est quatre heures passées ; la fatigue s'installe, et la lassitude avec ; le corps et l'esprit cherchent à être surpris, voire même brusqués, et le jeune espagnol ne va pas dans ce sens. Ne parlons pas d'ailleurs de sa reprise, bien trop convenue, de la fameuse musique du film "Requiem for a Dream" version hardtek/chiptune... Non, je n'accroche vraiment pas, malgré son savoir-faire évident.

La nuit se conclut par un concert plus rentre-dedans, provocateur, anticonformiste : celui de Computer Truck, qui reprend son haut-parleur diabolique pour accompagner, par des hurlements très "indus old-school" à l'allemande (bonjour Synapscape !), des instrus chiptune mouvantes, très variées -- donc très agréables à une heure si tardive -- et toujours très Do It Yourself, avec des gros morceaux d'expérimentations noisy et un côté punk indéniable. Un bricoleur de son, qui adopte volontairement une attitude musicale sale et jusqu'au-boutiste. Un régal à la limite de l'inconfortable. Bref, une fin de nuitée parfaite, et un artiste à revoir pour apprécier la performance. Initialement prévu à la soirée Casse Ton Singe !, il y aurait fait tâche... et ça aurait été génial.

A six heures du matin, nos oreilles tentent de se remettre de tous ces viols successifs... avec une certaine difficulté. On dit "au revoir" au lieu, parce qu'on sait qu'on y reviendra quoi qu'il arrive, et on attend le premier train du dimanche, à sept heures et demie, fourbus et soupirants, épuisés et affamés comme des guerriers après la bataille, nous en étions donc là. On sait que le dimanche sera difficile, entre siestes et ennui, et le lundi déprimant, avec sa normalité et ses sons ambiants trop propres, mais Dieu que ça valait le coup.

Live review : Shining + Bass Drum Of Death (10/11/11, Le Point Ephémère, Paris)

2011-11-13T09:49:00.001-08:00

Les photos live de cet article sont de Thomas "Follow The Way" Seropian.

Lorsque j'ai découvert "Blackjazz", à la fin de l'année 2010, j'ai rapidement compris que cet album allait m'accompagner pendant un bon bout de temps. Plus d'un an après, je l'écoute encore énormément avec une joie sans cesse renouvelée.

Comme souvent avec des musiques aussi audacieuses, l'épreuve du live est décisive. C'est avec une certaine excitation que je les avais vus le 25 octobre 2010 à La Maroquinerie. Dès les premières secondes, cette furieuse explosion sonore avait provoqué chez moi un méchant cri de jouissance accompagné d'un puissant "Ces mecs-là ! Ils sont tellement bons !".

Et pour cause... ("Healter Skelter", ce soir-là.)

Leur second passage à Paris, au Point Ephémère cette fois-ci, se produit à l'occasion du festival Musiques Volantes. Les hasards du line-up ont fait que, ce soir-là, la première partie est assurée par les anecdotiques Bass Drum Of Death : du rock guitare/chant + drums aux cheveux longs.

Parlons plutôt des blackjazzers norvégiens : le groupe arrive sur scène pour faire quelques réglages. Ils sont souriants, mais concentrés. Et d'un coup : BLAM ! Sans prévenir, le maelström sonore est lancé à pleine vitesse et c'est la furieuse introduction de "Healter Skelter" qui ouvre les hostilités. Ce son ! Cette énergie ! Cette intensité ! Les mots me manquent pour décrire la sensation de jouissance malsaine qui se dégage. Malgré la complexité et la noirceur de leur musique, et le côté "free" jusqu'à l'os de leur son ultra-saturé, le groupe dégage une incroyable énergie positive, Jurgen Munkeby en tête, s'éclatant comme un gamin découvrant les joies de la distorsion avec sa guitare électrique offerte à Noël. Les titres s’enchaînent ensuite en mêlant beaucoup de tracks de leur dernier album, avec quelques perles dénichées dans leurs anciens albums et remises à la sauce Blackjazz. Robert Fripp disait à propos de King Crimson qu'il s'agissait plus d'une manière de faire de la musique que d'un groupe : de la même manière, Shining a trouvé sa voie, son propre son, sa manière de faire groover les instruments du rock.

Clip officiel de "The Madness and the Damage Done", qui ouvre l'album "Blackjazz" (2010).

Chaque instrumentiste est effrayant de maîtrise et de précision. Le batteur, c'est la force tranquille ; ce norvégien que l'on imagine facilement bon compagnon de route et père aimant impose une étrange sérénité malgré un jeu extrêmement rapide, technique et syncopé. Le guitariste est un enchantement à lui tout seul, headbangant comme un beau diable : c'est la caution "rock'n'roll" du son du groupe. Le clavier se démène comme un diable et amène un coté malsain et jubilatoire. Le bassiste est le dandy du groupe ; il en impose sévère, avec un son de basse puissamment distordu. Finalement, le frontman Munkeby est en quelque sorte le chef d'orchestre de cette joyeuse troupe, au chant et maniant aussi bien sa belle Gibson noire qu'un saxophone sorti tout droit du pandémonium coltranien.

En-dehors des qualités personnelles des musiciens, le groupe dégage une énergie renversante. Cette musique est très exigeante et ne laisse aucun répit ; Miles Davis a rencontré Satan et ils ont fait des enfants qui groovent. Le Blackjazz Show se termine par une reprise de l'incroyable "21st Century Schizoid Man", écrite en 1969 par King Crimson, et Shining rend un magnifique hommage à ce monument : grandiloquence, esprit d'improvisation, liberté rythmique et audace, tout y est !

Shining est un précurseur ; et, de même que l'album "Chaosphere" de Meshuggah a tout chamboulé en inventant une nouvelle façon de faire sonner des guitares électriques (et dont l'aboutissement est la déferlante djent et math-truc-"à-la-Meshug" que nous connaissons aujourd'hui), j'ai la conviction que "Blackjazz" est le début de quelque chose. Pas tant dans le son que dans la démarche.

Au sortir de cette grande expérience, mes cervicales ont besoin de repos, et j'ai envie de me réécouter le merveilleux double DVD/CD "Live Blackjazz", que je recommande très chaudement pour rendre plus agréables les longues soirées d'hiver qui s'annoncent.

Review par Rafi2600

Live review : Zone Libre vs Casey & B. James + Vîrus (04/11/11, Le 106, Rouen)

2011-11-12T07:09:00.000-08:00

Pour fêter en grande pompe le premier anniversaire de Modern Zeuhl (eh oui, déjà : la première chronique de la Zeuhlerie, consacrée au jeune français The Algorithm, date du 12 novembre dernier), votre serviteur ému de voir passer inexorablement le peu de temps qui le sépare de la mort vous propose une nouvelle chronique dont la rédaction lui aura permis de se divertir de sa tout aussi inexorable terreur de l'annulation. J'avais pensé à une petite fête privée avec de la coke et des putes ; mais mon banquier, qui a perdu toute confiance en moi le jour où il m'a accepté un découvert à quatre chiffres, mon juriste personnel, dont le soutien indéfectible m'a permis de retenir plusieurs envies de meurtre, et ma mère, qui a toujours accepté de m'aider à cacher les quelques cadavres résultant de mes rares passages à l'acte à condition que je continue à moucher mon nez et à dire bonjour à la dame, m'ont interdit de concert de toucher à la drogue en public et de copuler avec toute viande non-AOC.

Pourtant, les tentations ne manquent pas...

À la place de cette petite sauterie, il y aura donc le premier article de ce site parlant de rap. Attention, je précise trois choses : primo, le hip-hop, qui a déjà fait quelques clins d'œil via des Tha Trickaz ou Dope D.O.D, n'est pas le rap ; secundo, Le Général Midi et Stupeflip ne rentrent dans aucune catégorie, point à la ligne ; et tertio, je ne veux pas parler de ce rap décérébré minable qui envahit nos ondes depuis trop longtemps, mais de deux groupes, passés la semaine dernière en concert au 106, qui représentent de deux façons différentes ce qui se fait de mieux dans le rap hexagonal. Et si j'en parle, ce n'est pas seulement parce que j'ai eu le privilège de participer à leurs interviews... mais parce que j'ai demandé à en être.

Mon cas ne s'arrange pas.

On prend déjà un grand plaisir à écouter Vîrus, l'artiste qui assurait la première partie du concert, depuis chez soi. Ses textes sont affûtés, travaillés avec une finesse et une précision d'orfèvre, mélangeant petites réflexions sur la société actuelle et calembours sortis de nulle part, racontant avec un humour foncièrement noir diverses tranches de vie plus ou moins malheureuses et pathétiques. Il est cet homme un peu trop lucide, qui a pris pleinement conscience de l'impermanence fondamentale de chaque aspect de nos existences, et qui le rappe avec une dérision aux vagues relents tragiques.

"L'Ère Adulte", sur "14 février". On remarquera le travail visuel qui accompagne magnifiquement la musique.

A quoi bon tenter de sauver le monde, puisqu'il va péter ? Et à quoi bon vouloir "réussir", puisque le destin tirera un trait sur nos succès de pacotille ? Vîrus est résolument fataliste -- ce qui lui permet, paradoxalement, d'atteindre un détachement proche du cynisme (au sens premier du terme) qui le fait tenir debout, se plaire dans ce qu'il fait, et partager ce plaisir sur ses trois EP "15 août", "31 décembre" et "14 février", récemment compilés en un album poétiquement nommé "Le Choix dans la Date".

Je sais que certains n'excellent pas dans l'art de "décaler les sons que débite notre bouche"... Google est là pour eux.

En interview, le jeune homme est loin de "l'ego-trip dépressif" de son alter-ego ; sans prise de tête, sans prétention, il évoque posément ses points de vue sur la vie, semblant ressentir la fatalité sans jamais se laisser écraser par elle, et montrant le même humour sous-jacent que dans ses lyrics.

Sur scène, en revanche, le masque de l'humour tombe ; les mêmes paroles que l'on trouvait désopilantes quelques heures plus tôt sont soudain horriblement tragiques. Vîrus les déclame avec une rythmique irréprochable, et sa voix porte une étrange mélodicité, plus franche et sèche qu'en studio ; sous les projecteurs, devant le public voyeur, il se met à nu. Portée par l'excellent travail de DJ de son comparse Bachir, que les habitués de la scène rouennaise auront forcément déjà vu quelque part derrière des platines, sa voix décharnée ne nous fait plus rire. Etrange travail d'ombre et de lumière que nous présente cet artiste, dans des tracks radicalement intelligentes et acides ; il s'est créé un style propre, et il y excelle.

"Beware the average man, the average woman", comme disait l'autre. ("Faites Entrer L'Accusé". Les quatre clips de Vîrus ont été réalisés par Tcho/Antidote.)

Cette excellente première partie semble en revanche une étrange ouverture pour Zone Libre vs Casey & B. James, la rencontre presque improbable à première vue entre rock et rap. D'un côté, Zone Libre, trio de rock avec des penchants noise, comptant en ses rangs Serge Tayssot-Gay, ancien guitariste de Noir Désir, et les deux petits génies Marc Sens et Cyril Bilbeaud ; de l'autre, Casey, l'impressionnante androgyne enragée du collectif péri-parisien de "rap de fils d'immigrés" Anfalsh, et dans un premier temps Hamé, son acolyte de La Rumeur, définitivement relaxé l'an dernier d'une accusation de diffamation publique envers la police nationale vieille de huit ans (pour la petite histoire).

La fabuleuse "Purger Ma Peine", tirée du premier album de Zone Libre avec Casey, "L'Angle Mort".

Hamé ayant dû partir aux États-Unis peu après la sortie de l'album "L'Angle Mort" (2009), c'est B. James, lui aussi d'Anfalsh, qui prendra sa place au sein du quintette d'outre-espace. Le deuxième album de ce projet à géométrie variable, "Contes du Chaos", sort en 2011, poussant cette rencontre d'univers plus loin encore que dans le premier album. Le son noisy des instruments, une batterie sèche mais groovy, et deux guitares (dont une baryton) torturées jusqu'à en hurler, rencontre le flow précis et intelligent des deux fils d'immigrés, qui posent des lyrics enragés mais jamais tape-à-l'œil, noirs mais jamais désespérés, plein de lucidité et de subtilité en abordant les nouvelles formes de l'esclavage, du contrôle et de l'intolérance -- sur lesquelles Casey revient inévitablement en interview, alors qu'elle dit naturellement éviter les sujets sur la place de la femme pour ne pas surjouer.

Photo live datant de juin dernier. (Crédit photo : AdnSound.)

Le deuxième album, notamment grâce à une très bonne production et une fusion plus accomplie entre les deux styles, est sans aucun doute meilleur que le premier, malgré la voix "grasse" de B. James à laquelle je préférais pour ma part celle, plus incisive, de Hamé. C'est pourtant sur scène que ce projet prend toute sa dimension : la colère, ou plutôt la folie furieuse, de Casey y est tout simplement jouissive. Il m'est difficile de décrire avec de simples mots le plaisir extrême que l'ensemble du public a pris lors de ce cérémonial révolté et puissant -- lequel public, comme très souvent par ici, s'est montré étonnamment peu hystérique, et c'est dommage. La résonance des basses a hélas rendu deux ou trois chansons à la limite du physiologiquement insupportable, mais le groupe lui-même fut tout simplement parfait, instrumentalement rôdé, avec des alternances de voix naturelles, une véritable entente entre les cinq membres du projet, et une frontwoman dont la rage porte quelque chose de si profondément positif qu'on se laisse prendre au jeu avec un plaisir non feint.

Aiguisez-moi ça, les mecs.

Ce concert "à la maison" (Vîrus et Casey venant tous deux de la périphérie rouennaise) fut incontestablement une grande réussite, un show étonnant de ce rap intelligent, varié et ouvert qui va à l'encontre des stéréotypes que la minable soupe R'n'B radiophonique trichromosomique [NdR : pardon pour cette métaphore qui constitue une grave insulte aux mongoliens] nous assène à longueur d'antenne sur toutes ces "radios libres" [NdR : pardon pour cette métaphore qui constitue une grave insulte à la liberté] qui font leur beurre sur la médiocrité et l'indigence spirituelle du populo crétin. Rage et humour noir dans les paroles, efficacité et saleté dans les instrus : ça, c'est l'esprit.

Vîrus : Bandcamp / Facebook
Zone Libre vs Casey & B. James : MySpace / Facebook

Cellscape

2011-11-08T07:57:00.000-08:00

Ressorti du placard, le hasard aidant (un petit coup de pub sur la page Facebook de l'artiste breakcore Ruby My Dear), je tombe sur le groupe Cellscape, originaire de Cahors, et leur premier album sans titre en écoute gratuite sur le Net. Mon oreille est curieuse : elle se jette sur l'objet.

Et soudain, c'est la beigne.

Le premier album de Cellscape est un chef-d'œuvre. Tout simplement. Mélangeant allègrement les styles, cet opus sans titre est capable de faire copuler les styles et de les fondre dans un tout dégoulinant de rage, de questionnements, de désirs brûlants et de colère irrépressible. Faisant évoluer des ambiances postcore/sludge saisissantes (la grandiose "216 Lines", la conclusion de l'album "LSB") vers un dénouement électro/rock poisseux ("Restroom Sunburnt", "Unfailing Program" et ses électros gluantes) poussant parfois jusqu'au grind épileptique ("Backwards", la furibonde "Worse"), recréant sa propre version d'un metal industriel à la Ministry enrichi d'éléments électro et, parfois, presque mathcore ("Somewhere Else") ou noise (l'introduction de l'album, le beat sale qui introduit "Unfailing Program"), cette galette n'est pas un objet facile d'accès.

"Unfailing Program".

Sautant de la violence la plus pure aux ambiances les plus épurées sans vraiment prévenir, brassant des influences dont un listing, forcément non-exhaustif, aurait néanmoins pu remplir un plein écran de ce site, le premier album de Cellscape est une création originale et radicale, un immense coup de pied dans la fourmilière. Toutes les émotions les mieux enfouies ressortent et convulsent dans ces trois quarts d'heure d'une sensibilité et, forcément, d'une sombreur rarement égalées.

"Somewhere Else".

Autant dire que le deuxième album, dont on nous promet qu'il est en préparation, est attendu de pied ferme. En attendant, il faudra encore beaucoup d'écoutes avant de se rassasier du premier, gratuit sur leur Bandcamp.

Bandcamp : http://cellscape.bandcamp.com/album/s-t

Facebook : https://www.facebook.com/pages/CELLSCAPE/265458253487798

Live review : Bougrac, soir 1 (Deux Tiers de Sextet + Parade + Le Général Midi, 28/10/11, Emporium Galorium, Rouen)

2011-11-04T06:33:00.000-07:00

Toutes les photographies de cet article sont de Josselin Passepont, que je remercie. Visitez donc son DeviantArt.

Bougrac. Drôle de nom pour un petit festival… D'autant plus que je l'aurai surtout vu orthographié "BOUGRRAAAAAAAAAAC !", ce qui n'arrange rien. C'est en fait le nom d'un studio indépendant de la rive gauche. L'Emporium Galorium leur a ouvert sa cave le week-end dernier, pour deux soirées de trois concerts chacune ; je n'ai pu hélas être présent qu'à la première, mon samedi étant occupé à, euh… des choses que la morale réprouve. On était nombreux, ça sentait fort, un peu comme dans un concert… sauf qu'on était en cravate-chaussettes, et que… bref. Je m'égare. Bougrac, donc. Trois concerts le vendredi soir, trois concerts le samedi. Je suis allé voir ceux du vendredi. Comme ça. Pour voir.

La soirée s'ouvre avec le groupe Deux Tiers De Sextet, dont le nom est trompeur puisque ce n'est pas un quatuor qui arrive sur la minuscule scène de l'Emporium Galorium mais un quintette. La joyeuse troupe, qui a déjà eu le temps de se montrer sur la scène rouennaise, compte parmi ses rangs Thibault, qui officie en solo sous le nom de Général Midi, et, à la guitare, Nicolas, celui-là même qui torturait sa contrebasse aux côtés du dit Général devant une poignée de curieux il y a quelques mois. La scène musicale de Rouen est une grande famille…

Ce concert fut une de mes grandes découvertes musicales de l'année. Non, ce n'est pas du copinage : avec ses dysrythmies et polyphonies instrumentales en tout sens, Deux Tiers De Sextet est l'enfant difforme que Frank Zappa aurait eu avec la femme de Christian Vander, posant sur des ambiances plus ou moins lourdes, parfois presqu'enfantines, étouffantes à d'autres moments, des paroles dont le discret sens de l'absurde post-dadaïste se faufile jusque dans les douloureuses descriptions de l'ennui des salles d'attente. Une organisation couplet/refrain empêche leur mathrock d'être structurellement incompréhensible, pour plus s'attarder sur les polyrythmies et les superpositions mélodiques (parfois à la limite de la dissonance) des guitares et de la basse, jouant ainsi sur un terrain de composition finalement proche de celui d'un Meshuggah, mais pour un rendu radicalement différent.

La simili-normalité qu'apporte à leur suite le groupe Parade ressemble autant à une bouffée d'air qu'à une douloureuse rupture, tant il est à la fois reposant et ennuyeux de ne plus compter que jusqu'à quatre ; mais l'accroche est surtout rendue difficile au départ par la voix de la guitariste-chanteuse, hésitante et criarde lors des deux premières chansons, venant faire claudiquer un rock pourtant très bon, énergique et sans concessions. Et puis, sans crier gare, la voici qui redresse la barre [NdR : la rime est involontaire], transformant ses hurlements craintifs en rugissements chauds et envoûtants, insufflant à la gouaille graisseuse de Parade la force mélodique qui vient la compléter ; et c'est le groupe entier qui vocifère en chœur et nous invite à le suivre. Le faux départ aura été très rapidement rattrapé, et c'est globalement un set enragé que Parade nous offre. Si le public leur avait renvoyé ce que le groupe lui a offert, les murs de l'Empo se seraient fissurés.

Le Général Midi vient conclure cette agréable soirée, comme un cheveu sur la soupe, comme toujours. Il cherche désespérément le verre de calvados qu'il a égaré il-ne-sait-où (je crois qu'il croit que je le lui ai volé). C'est cette fois un duo batterie-guitare qui lui tient compagnie lors de la première moitié de son set, foutraque, forcément foutraque.

Je l'ai déjà dit, je le répète : Le Général Midi est l'incarnation du foireux grandiloquent, de l'imperfection érigée en qualité, de la majestueuse indolence. Il n'est pas professionnel, il ne se rappelle plus ses paroles, il a bu, il a mis sa plus moche casquette pour faire plaisir à ses fans : c'est un personnage, un Didier Super sans-trop-faire-exprès (il lui rend d'ailleurs un hommage explicite dans la chanson "Petit Leucémique") ; cependant, ses paroles sont travaillées, lissées, précises, drôles, et l'absurde de ses instrumentations est travaillé au millimètre -- curieux paradoxes... La setlist n'a quasiment pas changé depuis la dernière fois, mais comme le Général joue sans filet, le spectacle est forcément différent. Cet homme travaille son amateurisme avec professionalisme, et c'est pour ça qu'on l'aime.

Quelques semaines après l'excellent concert mathrock/8-bit qui avait regroupé en ces mêmes lieux les très bons groupes Syntax Error, Theusz Amstrad et O'o,° (je n'avais malheureusement pas chroniqué ce concert, mais je vous recommande de jeter une oreille), l'Empo accueille de nouveau une belle brochettes d'artistes à suivre. La scène rouennaise bouge, messieurs-dames.

Deux Tiers De Sextet : site officiel / MyOwnSpace

Parade : site officiel / MySpace / Facebook

Le Général Midi : site officiel / MySpace (défunt)

Ruby My Dear

2011-10-29T08:49:00.000-07:00

"Notre vocation, c'est de découvrir, en chacune des personnes que nous rencontrons, la Beauté, qui parfois est cachée, mais il y a une Beauté. Et notre vocation, c'est de découvrir cette Beauté, et de la mettre en valeur, de la faire fleurir." Démarche finalement proche de celle de l'artiste, ou même de l'amateur d'art, qui fait fleurir en lui la beauté parfois difficile à appréhender d'une œuvre. Pour cette raison, ce sample entendu dans la track "Vocation" de Ruby My Dear est autant une invitation à donner un nouvel éclairage à nos existences qu'une parfaite introduction à cet article, car la musique de ce jeune artiste français cache des trésors d'émotion, voire de douceur, sous une frénésie de beats hachés qui rend cette douceur difficile d'accès.

En 2010, sorti de nulle part, "La Mort Du Colibri" est déjà un grand EP. Certains vont hurler à la parodie de Venetian Snares, et ils auront à la fois raison et tort, parce que le spectre d'Aaron Funk est clairement présent dans la musique de Ruby My Dear -- plus que dans une grande partie de la production breakcore mondiale -- mais que la folie qui s'y développe n'est pas la même. Dès le début de l'EP, la track "If I Give My Heart", hachée, mélodique, glitchy, jazzy, rappée, surréaliste, pousse le délire breakcore/fouillis/multi-influences dans ses retranchements et apporte une mélodicité et un souffle d'air frais qui tendent à manquer au style. Les trois titres suivants continuent dans le brassage extrême, évoquant autant les symphonies artificiellement salies d'un Lingouf que la tambouille dada-core d'un Clotaire 1er, sautant avec une douceur étrange du beat hardcore sale au break langoureux et mélodique ("Fix Ii"), hésitant entre une hystérie presque bipolaire ("Where's the Music") et des envies d'ambiant post-romantique (le sublime début de "Vocation", qui ouvre ensuite sur un déluge breakcore tout simplement délicieux) et construisant une ambiance inouïe sans jamais nous laisser de point d'attache.

"If I Give My Heart", une incroyable entrée en matière.

La même année, "Midnight Twist" sort sur le label Peace Off, du Rennais Rotator. Il s'ouvre sur "Dahomey Dance", plus "carrée" que l'EP précédent mais sans non plus jouer dans le racoleur, et se permettant une fin hardcore sale, industrielle, violente... qui est ensuite contre-balancée par "Vocation", reprise directement de "La Mort Du Colibri", puis "Faya Bumbaka" et ses ambiances ragga (pour le compte presque trop proches de Venetian Snares en début de track, mais insérant ensuite une patte très particulière et une densité appétissante), et finalement "So What", plus de neuf minutes trente d'une odyssée expérimentale, un peu d'IDM par-ci, un peu de chants féminins par-là, foutraque mais jamais bordélique (ni jamais ennuyeuse ou longuette).

"Dahomey Dance", qui introduit "Midnight Twist" et conclut le suivant, "The Dreaming Tree".

Techniquement, tout est irréprochable : aucun son n'est "pas à sa place" alors que tous sont hors-contexte. Ruby My Dear est un petit magicien de la musique électronique désaxée, et "The Dreaming Tree", toujours la même année, vient le confirmer. Sa façon de poser ses ambiances (mélancolique et vibrante dans le titre "The Dreaming Tree", profonde et langoureuse dans "Ole" et ses inspirations IDM, vaporeuse dans la bien nommée "Slow Down") et de les faire évoluer tient presque du miracle ; la comparaison, trop facile, avec les caisses claires de Venise n'a plus de raison de tenir debout. Ruby My Dear explore, brisant les normes et les déjà-vus avec une facilité insolente, osant sortir du carcan breakcore pour nous emmener sur d'autres terres.

~~Machine~~ Arbre qui rêve.

Que dire de ses deux EPs de l'année 2011, "Ginkgo" (sur le label Acroplane, qui nous a aussi offert entre autres le nouveau LP de Somatic Responses) et "Dada Twist" (encore sur Peace Off), qui ne sonne pas comme une redite partielle ou totale ? Difficile exercice que celui qui consiste à vouloir décrire l'évolution d'un artiste dont la musique est si riche...

Le premier de ces deux EPs vous offre du mid-tempo slammé sur son lit de néo-classique ("Mashed Rope"), du break grésillant et enragé virant au hardcore/gabber et ses copeaux de ragga ("Gherkin to Chlorine" et "Inek", deux ambiances différentes à partir des mêmes éléments), une évolution logique incorporant des éléments ambiants, des parties de chants hip-hop (notamment ce qui a l'air d'être le "Clap your hands, everybody" de "The Breaks" de Kurtis Blow) et des basses vrombissantes ("Esik Iclik"), et retombe tout en douceur (hrem) avec un excellentissime mélange de breakbeat et de musique classique que je vous interdis de comparer avec "Rossz Csillag..." tant la façon de faire est différente :

"7C0". No comparison to VS, guys. I'm seriously, guys.

Le second brasse une palette d'influences plus large et la met au service d'une musique globalement plus enjouée : extraits de dub, de saxophones jazzy, de chants soul et classique venant apaiser partiellement la longue "Gjalle-Zog" ; longue fin perdue entre l'IDM et le smooth-jazz pour la belle "AL Stro-Bel" ; superbes nappes ambiantes en fond de la mid-tempo "Hello Auggie" ; et un mélange de quasiment toutes les influences déjà citées dans cet article pour le point d'orgue totalement déjanté "Blue" et son "diggity dum" à forte teneur lolesque.

Bonjour, Auguste ! (Euh, quoi ?)

Ce qui ressort encore de ces deux fois ving-cinq minutes, c'est une maturation flagrante, une ouverture musicale de plus en plus grande, et deux nouvelles preuves qu'il n'y a rien à jeter dans la production du prolifique Ruby My Dear dont les ambiances se démarquent toujours plus de celles de ses prédécesseurs. Mais où s'arrêtera-t-il ?..

MySpace : http://www.myspace.com/dearmyruby

Facebook : http://fr-fr.facebook.com/pages/Ruby-My-Dear/274747137274

Nicolas Jaar

2011-10-27T09:47:00.000-07:00

La musique électronique telle qu’elle est connue dans notre société TF1nisée reposerait donc sur les épaules d’un certain David Guetta, joyeux luron frenchy qui se pavane d’île en île, distribuant "amour" et "gaieté" sur des rythmes sucrés aux clameurs affligeantes. J’ai envie de dire non, surtout pas. Ne pourrions-nous pas déguster un album d’éléctro confortablement installé, au calme, sans avoir une tête de surfeur décérébré nous implorant d’observer à quel point la demoiselle bouge son arrière-train de façon incroyable ? La musique électronique, la vraie, celle qui saisit et qui sublime, se cache souvent là où on l’attend le moins. Par exemple chez un jeune homme New-Yorkais d’origine chilienne de 21 ans qui distille sa musique évangélique sous couvert de basses pernicieuses et camouflées. Un petit génie.

HUUUUURR DUUUUURR. (In French : "GNÉÉÉÉÉÉÉÉÉ FFFLBLBLBL.")

Quelle magnifique surprise en cette année 2011 que l’album de Nicolas Jaar. A l’heure où les beats affiliés discothèque côtoient les voix les plus sucrées imaginables dans la seule optique de vendre des palettes d’albums, Nicolas Jaar décide de nous prendre par la main dans un univers sombre et sans concession, sans pour autant perdre un sens du rythme hallucinant. Cet album est une boîte de chocolat que l’on découvre et ouvre avec hésitation, on regarde autour de nous, personne ne regarde, c’est bon. On aimerait pouvoir garder ce petit trésor pour soi, ne le partager avec personne, car s’inscrit sur ces pistes la bande originale de nos peines et de nos joies, sans pause publicitaire. L’enchainement des chansons est si pointilleux qu’il en est difficile de savoir quand l’on passe d’une chanson à l’autre, ce qui accentue cette sensation de vivre quarante-cinq minutes d’un véritable film musical. L’écoute de cet album nous plonge littéralement dans un univers de velours, une caresse molletonnée salvatrice. La production de l’album est excellente, les beats nous atteignent en plein cœur et les mélodies en sortent magnifiées.

"Too Many Kids Finding Rain In The Dust".

Les beats, justement, animent et bercent sans pour autant perdre leur authenticité rythmique. La vocation dansante de l’album n’est donc pas en reste, notamment sur plusieurs titres phares qui doivent s’avérer terriblement efficaces en live ("I Got a Woman", "Specters of the Future", "Variations"). Ces beats si particuliers sont véritablement un des points forts de l’album. Jamais exagérés ni surproduits, ils engagent et libèrent. De fait, l’écoute procure la même sensation que de pénétrer dans une pièce obscure et inconnue ; on avance à pas de loup, chaque seconde synonyme de découverte, on se perd puis on reconnaît, nos sens sont en exergue. "Space Is Only Noise" reflète cette plongée au cœur d’un environnement chaleureux et mélancolique par ce downtempo salutaire et à contre-courant des modes actuelles. Nous sommes invités à suivre l’artiste dans son spleen dansant au groove incroyable du haut ses vingt-et-un ans. En effet, ce jeune homme nous délivre ici un coup de maître de maturité et de maitrise avec, rappelons-le, ce qui n’est que son premier album.

"Specters Of The Future".

A la croisée du jazz, de la soul, de la pop ambient et de la minimal house, Mr Jaar envoie un pavé dans la mare qui marquera mon année 2011 à coup sûr. Des titres au tempo efficace tels que "Too Many Kids Finding Rain In The Dust", "Space Is Only Noise If You Can See" ou "Variations", d'autres plus obscurs et ambiants tels le magnifique "Être" qui reprend des répliques de Jean-Luc Godard et les mêle à un piano profond et jazzy, ou encore les bouleversants "Keep Me There" et "Balance Her In Between Your Eyes" : Nicolas Jaar joue avec sentiments et émotions, nous emmène là où il fait bon vivre. Ce disque est une introspection au cœur de l’inconnu et du bien-être, un spleen urbain qui comblera nos longues soirées d’hiver. Toujours avec une subtilité déconcertante, nous sommes ballotés des larmes au rire sans compromis ni temps mort.

"Keep Me There".

Alors, bien sûr, il pourrait lui être reproché un excès de zèle, peut-être une certaine prétention pour son jeune âge. Mais je ne suis pas de cet avis là, car Mr Jaar sait ce qu’il fait et il le fait (formidablement) bien. A l’image de ce terrain vague grisâtre et déserté, il délivre un son épuré et écorché, toujours dans une optique fatalement dansante pour l’auditeur. Plongez au cœur de cet album, baissez la garde, laissez Nicolas Jaar vous emmener dans son monde fait de sentiments merveilleusement humains, loin des mélopées house indigentes des plages de Miami ou de Saint Tropez.

Site officiel : http://www.nicolasjaar.net/

MySpace : http://www.myspace.com/nicolasjaar

Chronique par Alex, aka A.A

Unfold

2011-10-20T06:31:00.000-07:00

Le groupe suisse Unfold aurait eu plus de dix ans d'existence s'il n'avait pas subi un long break, de 2004 à 2009, au bout duquel le groupe semble s'être reformé plutôt naturellement et l'inspiration est revenue toute seule. Quand ils en parlent, les Unfold sont plutôt cabots, et bien entendu, l'exemplaire promo les présente comme une formation-phare du metal helvétique et autres qualificatifs dithyrambiques finalement fort convenus. J'ai voulu découvrir ce qu'il en était réellement, et je me suis pris une sacrée beigne.

Hein, quoi ? Où ça, une running-joke, où ça ?

Dès son premier album "Pure", sorti en 2000, le combo helvète donne quelques signes discrets de son style à venir. Se basant sur un son néo tirant sur le hardcore, Unfold parvient occasionnellement à y greffer des ambiances inhabituellement sombres, notamment le début du premier titre de l'album "Electra", qui donne envie d'entendre la suite. Hélas... Dix fois hélas, même, l'album comptant onze titres. Clairement, ce disque est loin d'être une réussite à mon sens. La jeunesse du groupe se ressent fortement dans la façon parfois maladroite avec laquelle il mélange des éléments neo trop forcés à des influences post-hardcore jamais assez mises en avant (les crissements de guitare et les riffs old-school de "Shovel", le chant clair sur "Coaxial" et "Vegas"), faisant sombrer "Pure" dans un marasme "in" mal maîtrisé. Au final, on ne sait trop quoi penser de ce premier opus qui navigue en eaux troubles, sinon que son post-neo est maladroit et arrive en retard, alors que de rares étincelles postcore révèlent le talent latent du groupe dans un style en plein boom. Pour ma part, l'écoute intégrale de "Pure" m'est très difficile, et pas pour les meilleures raisons.

Quelques années plus tard, fort heureusement, "Aeon Aony" (2003) redresse la barre avec brio, réorientant le projet en creusant et densifiant ses ambiances, épurant également le style musical d'Unfold, ou devrais-je plutôt dire l'épuçant, en disant adieu à des racines neo-metal souvent trop convenues. Le groupe ne s'appauvrit pas pour autant ; d'ailleurs, le post-hardcore gluant de "Aeon Aony" est occasionnellement ponctué de passages très intéressants et surprenants, comme l'introduction au piano de "Baron Rouge" qui ouvre progressivement la porte à une lourdeur musicale qu'on retrouvera, quelques années plus tard, chez des groupes comme Amenra, ou les violons étouffés de "Phantom Structures". Ces rares éclaircies mises à part, la musique d'Unfold est ténébreuse ("I Miss My Dallas"), et quelques incursions à la limite de l'ambiant ("Enter Sinus") ne font pas oublier la lourdeur presque étouffante de cet album, incroyablement bon après le maladroit et indécis "Pure".

L'étonnante et saisissante "Baron Rouge".

Quelques longues années de break plus tard, donc, Unfold revient enfin avec son troisième album fraîchement sorti à l'heure où j'écris ces lignes, "Cosmogon" (sorti le 27 septembre 2011), un objet rare, lumineux autant que sale. En début d'album, le groupe ne s'encombre pas d'une introduction semi-ambiante, d'une montée en puissance progressive, ou de quoi que ce soit d'autre : "Erere" rentre dans le lard, avec un son postcore tortueux. Cependant, cette saleté n'est pas le reflet d'une volonté de creuser toujours plus profond ; c'est ainsi qu'après quelques minutes lourdes et douloureuses, la première track se termine sur une note plus sensible et mélodique, concluant avec une certaine douceur une track que l'on pourrait autant rapprocher du plus "léger" de Neurosis que d'influences plus sludge (Down, Knut, Dirge...). Cet étrange et instable équilibre entre sludge suffocant (les deux minutes quarante de "Hemere", la splendide "Hexahedron") et mélodicité post-romantique s'acoquinant parfois avec le post-rock (la longue et envolée "Ethera") effectue quelques détours du côté d'un son plus post-punk, sec et direct (la première moitié de "Hystrion", la puissante et gluante "Eschaton" qui conclut l'album), sans jamais perdre le fil à force de vouloir trop en faire.

Et voici justement la longue et extraordinaire "Ethera", qui représente à elle seule quasiment la moitié de l'album.

Riche et aérien, "Cosmogon" est une œuvre balancée et puissante, qui montre qu'après un (trop) long break, Unfold a trouvé sa propre forme d'expression, mi-diamant mi-cambouis, à nous faire regretter que ce troisième album soit aussi court (38 minutes à peine). Tant pis, il faudra l'écouter plusieurs fois de suite. Avec un plaisir sans cesse renouvelé.

MySpace : http://www.myspace.com/aeonaony

Silencio

2011-10-12T07:25:00.000-07:00

Cinq ans d'existence, une étiquette très vague ("rock progressif avantgarde") et un seul album, sorti en 2004 : Silencio était un groupe américain dont on n'entend plus parler, une petite étincelle de passage, confidentielle, pour ne pas dire injustement méconnue. Car leur unique galette, "Dead Kings", déborde de cette folie impressioniste dont même les styles mathrock, fusion ou avantgarde manquent trop souvent.

Un premier titre qui est là pour nous emporter : "15ifteen" et son introduction planante, au piano mineur et profond, quelque part entre le psychédélisme des périodes les plus sombres de Pink Floyd et le renouveau d'un Mars Volta, qui enchaîne sur un étrange hybride de rock FM, jazz, mathrock, rythmiques afro-cubano-déjantées... Un truc profondément novateur, expérimental, débridé, qui ose les rencontres bizarres au risque de ne pas accrocher l'auditeur, ou de passer pour trop incohérent.

Huit minutes quinze de bonheur tordu.

De toute façon, avec une durée moyenne de sept minutes par track, "Dead Kings" ne peut pas être un album racoleur. De la fusion jazz/mathrock/électro très Mike-Pattonnienne aux ambiances psycho-acoustiques post-Tool, de la jonglerie avantgarde imbitable au smooth jazz vibrant, l'album refuse de se laisser écouter. Il est décalé, sautant d'un truc à l'autre sans jamais nous ménager, mais sans non plus tomber dans la parodie de ses maîtres (le déjà cité Patton en tête, bien entendu). Sans qu'on ne sache trop pourquoi, il donne envie de s'acharner, de le réécouter, en y faisant un peu plus attention peut-être...

On se doute qu'on ne comprendra pas tout, mais ce n'est pas pour ça qu'on n'essaiera pas...

On voudrait le disséquer, mais comme on ne sait pas trop différencier l'abdomen du pied droit ou le rectum des branchies, on ne voit pas où donner le premier coup de scalpel. Et puis, avant de disséquer un bestiau, il faut le tuer, et "Dead Kings" ne se laisse pas faire ; il bondit en tous sens, trépigne, exulte et se terre, grogne et se roule par terre. On sent bien, de toute façon, que ce serait un crime d'essayer de le priver de son souffle de vie. Aussi foutraque qu'il puisse paraître, il tient quand même debout ; on se doute donc bien qu'il y a une énergie qui lui donne sa cohérence, un lien entre toutes ces influences, une structure qui soude l'improbable.

On aime bien les drôles de bêtes, par ici.

Il n'est donc pas paradoxal que ce disque révèle sa véritable puissance lorsqu'on lâche prise, quand on décide de ne plus essayer de comprendre. La façon dont une track comme "11leven" nous soulève le cœur, triste et glauque comme la plus belle des histoires d'amour, à moins qu'elle ne soit lumineuse comme une fin du monde, je ne sais pas trop... La façon dont les ambiances, et leurs multiples chamboulements et renversements, nous invite à un parfait surréalisme émotionnel, sans base fixe, acéré mais aux contours flous et mouvants...

"14ourteen", le plus court titre de l'album, mais pas le moins bon.

La musique narre ici les circonvolutions incessantes d'une âme qui ne s'arrête jamais nulle part sur son chemin, qui s'agite de soubresauts, qui tient le cap même lorsqu'elle se perd en chemin. Le chant n'est pas présent, ou alors sans paroles, car l'émotion ne se raconte pas et ne supporte pas le mot. Les sonorités se mélangent et se répondent, avec la même gouaille bienveillante qu'ont nos propres voix intérieures qui débattent entre elles sans jamais qu'aucune n'emporte rien. "Dead Kings" en devient aussi déstabilisant que peut l'être un condensé de vie. Aussi fort également, mais de cette puissance discrète et raffinée qui ne se laisse pas sentir au premier contact.

MySpace (seule "11leven" y est à l'écoute) : http://www.myspace.com/silencio

Oh, en puis à quoi bon, après tout ? Le groupe est "en pause" depuis plus de cinq ans et leur label a été racheté. Téléchargez l'album, comme tout le monde. C'est ça, ou faire les brocantes. Je pense que vous ferez vite le choix le plus pratique !

Esoteric

2011-10-06T07:17:00.000-07:00

A la simple écoute de "The Maniacal Vale", dernier album en date de ce combo anglais (sorti en 2008), on réalise que le groupe Esoteric n'a pas volé son nom. Petite explication de texte : l'ésotérisme est caractérisé par une doctrine ou un mouvement spirituel réservé à des initiés, et que de rares personnes connaissent et/ou pratiquent. En ce sens, le doom metal est clairement un style ésotérique, d'une part car il est inaccessible au commun des mortels qui ne font pas l'effort de s'y plonger, presque hermétique à première vue (pour ne pas dire repoussant tant nous projetons un dégoût quasi-instinctif sur tout ce qui n'évoque pas de "bons" sentiments), et demande en partie un effort d'auto-initiation particulier ; d'autre part car il est profondément spirituel.

Zeuhl, biatch.

Attention, je ne parle bien sûr pas de cette spiritualité gnangnan à tendance nouvel-âgiste que les niaiseries musicales, audiovisuelles et autres nous font bouffer sans vergogne depuis qu'une bande de vendeurs de soupe en quête de nouvelles cérémonies sodomites a eu l'idée géniale de ravaler à la fois le mouvement hippie, la recherche de sens inhérente au fait d'avoir (pardon, d'être) une âme et l'ensemble des religions et pensées orientales au rang d'une masturbation pseudo-spiritualiste frénétique que le premier Bouddha ne pourrait pas mieux qualifier qu'en éclatant d'un rire bonhomme qui vous ridiculiserait tous en même temps, oui, vous, bande de tortues aquatiques décérébrées, fascinées par tout ce qui ressemble de près ou de loin à de la merde. Recherche de sens, quête divine, étude de la relation entre le corps et l'esprit, passent également par la découverte de ses "mauvaises" émotions, l'exploration de l'animal effarouché qui se terre derrière la carapace de l'homme du monde, et l'acceptation salvatrice de ces aspects de nous-mêmes comme d'une simple partie d'un tout.

Les ténèbres aussi sont belles, et fascinantes même, alors quel est le problème à ce que l'abîme regarde en nous, après tout ? "The Maniacal Vale" est un splendide abîme, d'une poésie noire et envoûtante, quelque part entre la catharsis et le psychédélisme (au sens premier de "révélation de l'âme", et non dans celui de "contre-culture influencée par l'avènement des psychotropes"). Ce double album d'une heure quarante et sept morceaux est une invitation à un voyage bien différent de celui que Baudelaire rêvait ordonné, beau, luxueux, calme et voluptueux ; lorsqu'il nous entraîne par la main, on se répand et se tord en volutes d'une difficile beauté, tant est intense et lourd ce trajet presque langoureux qui nous extrait de notre quasi-cécité ordinaire pour nous faire redécouvrir nos émotions enfouies.

"Beneath this Face", deuxième morceau de l'album.

Une des grandes forces de ce groupe, c'est qu'il s'extrait des limites que le funeral doom voudrait imposer pour développer son univers. Entre l'ambiant pur (l'introduction de "Quickening") et le côté malsain du black-metal (quelques passages de "Beneath This Face"), flirtant même parfois avec le post-rock (le début de "Silence"), Esoteric se fraie une voie subtile et raffinée, qui gagne en beauté et en variété ce qu'elle offre en mélancolie, en sourde rage et en amertume. La mélodie n'est jamais délaissée, et on se surprend à respirer au son d'une délicate envolée de guitare ("Circle") ; puis on replonge dans une noirceur terriblement attirante ("Quickening" encore), vibrant d'un rythme propre, entrant dans sa propre transe ("Caucus of Mind") et s'enivrant de ses propres circonvolutions, entre rage et désespérance, entre obscurité réconfortante et douloureuse clarté. Les chants passant du hurlement black au grunt avec une facilité insolente et le mur de sons créé par les trois guitares insufflent au tout une lourdeur déconcertante.

"Quickening", troisième morceau de l'album. (Les deux morceaux qui illustrent cette chronique sont parmi les plus courts de l'album... D'autres dépassent les vingt minutes.)

Il y a une densité et une émotionnalité tout simplement extraordinaires dans cet album puissant et incroyablement original, cette véritable expérience, variée, inspirée, mélodique, inédite, aussi irrésistible qu'insoutenable, qui enrichit un genre en s'affranchissant de ses limites ; un objet rare, quelque part entre la pipe de salvia divinorum et la poupée vaudou, que je n'arrive pas à écouter sans avoir la larme à l'œil et les tripes nouées jusqu'à l'anus. Alors, oui, j'aurais également pu parler de ses prédécesseurs, dans l'ordre : le foutraque double album "Epistemological Despondency" en 1994, le suffocant et incroyable "The Pernicious Enigma" en 1997 (double également -- c'est une véritable épreuve d'écouter les deux albums à la suite) ; puis "Metamorphogenesis", en 1999, qui, de par sa variété et sa fluidité, prouve définitivement qu'Esoteric est le groupe à écouter et à suivre ; et "Subconscious Dissolution - Into The Continuum" qui, cinq longues années plus tard, enfonce encore le clou, avec un sens insolent de la mélodie et de l'arrangement, et cet aspect "l'Apocalypse sera spirituelle ou ne sera pas" poisseux jusqu'à la moëlle.

Seulement, voilà : les trois derniers albums d'Esoteric partent du même état d'esprit, utilisent la même (immense) palette d'outils, parviennent à fusionner leurs influences dans un même brasier, sont tous les trois émotionnellement ravissants autant qu'épuisants... mais chacun est mieux foutu que le précédent. A cette différence près, il aurait fallu que je fasse trois fois la même chronique, et je ne voulais pas vous imposer un tel calvaire. Ce qui est clair, en revanche, c'est que, si "The Maniacal Vale" est sans doute le meilleur point d'entrée possible dans la discographie du groupe, les albums qui l'ont précédé méritent également que l'on s'attarde sur eux.

MySpace : http://www.myspace.com/esotericuk

The Faceless

2011-09-27T08:34:00.000-07:00

Un groupe repéré par Meshuggah ne peut pas être foncièrement mauvais, n'est-ce pas ? Et il n'y a pas que Meshuggah qui a misé sur eux, puisque The Faceless a pu être vu en concert dès 2006 en première partie de groupes comme Nile, Necrophagist ou The Black Dahlia Murder. Le groupe n'avait alors que deux ans d'existence, et leur premier album "Akeldama" venait tout juste de sortir. Un album qui les a immédiatement fait sortir du lot des groupes de death technique, pour tout un tas de raisons.

Dont celle-ci.

Techniquement, le niveau du jeune groupe est déjà irréprochable. La vitesse d'exécution et la propreté des riffs sont hallucinantes (ce que l'on apprend dès le stupéfiant premier titre de l'album, "An Autopsy"), les breaks sont incroyables et les mélodies racées (la dernière minute de "Pestilence" est un tour de force du genre). Certaines influences tirant sur le black-metal se conjuguent étonnamment bien avec des racines death mélodique "de l'école suédoise" (les synthés qui introduisent "All Dark Graves" et se font ensuite voler la vedette par un riff très Dark Tranquillity ; l'ambiance générale de "Horizons of Chaos II : Hypocrisy"), elles-mêmes aérées par beaucoup d'influences plus modernes ("Horizons of Chaos I : Oracle of the Onslaught" ou "Akeldama" n'ont rien à envier à des Born Of Osiris ou, cocorico !, Gorod) ou tout simplement surprenantes (suis-je le seul à penser à Mike Patton lorsque j'écoute les parties chantées de "Pestilence" ?) ; bref, ce premier album a déjà tout d'un grand...

"An Autopsy". Première track du premier album. Oh la beigne.

...à l'exception peut-être de cette façon qu'ont les grands groupes de totalement fondre leurs influences, de développer leur propre paysage musical, d'insuffler cette étrange cohésion dans leurs albums, et que The Faceless frôle sans tout à fait atteindre. Le seul léger défaut de "Akeldama" est au final la jeunesse du groupe (qu'on peut sentir par exemple dans le début de "Leica", qui ressemble beaucoup -- peut-être un peu trop -- à du Exhumation)... Autant dire, d'une part que l'on excuse facilement ce vague défaut, d'autre part qu'on se surprend aisément à rêver de ce que pourra donner la suite.

Parce que, pour un premier album, "Akeldama" a déjà de la gueule. (Chanson éponyme.)

Et, quelles qu'aient alors été nos espérances, nous étions loin du compte. Le très bon "Akeldama" n'est plus grand-chose lorsqu'on le compare à son successeur "Planetary Duality" (2008), qui le surpasse sous tous les aspects. Attention, je ne suis pas en train de dénigrer le premier album de The Faceless ; je suis seulement en train de dire que le second est encore dix fois meilleur, autant dire un petit chef-d'œuvre du genre. En deux minutes, la première track "Prison Born" nous souffle déjà comme jamais : riffs totalement épiques, rythmiques puissantes et variées, variété d'influences incroyable (jusqu'au chant vocodé qui n'a, dans ce contexte, rien de ridicule)... puis tout le reste de ce trop court album reste dans le même esprit, affirmant le style maintenant unique de The Faceless, sans irrévérence mais avec une originalité qui manquait parfois au premier album.

"Prison Born". Une autre dimension de la leçon de choses.

"Akeldama" a exploré les genres ; "Planetary Duality" les synthétise et les densifie. Les arrangements sont plus précis, laissant l'opportunité de jeter quelques clins d'œil sans qu'ils ne soient jamais déplacés (le passage black de "XenoChrist", le côté old-school de "Sons of Belial"), offrant des ambiances travaillées et inédites (la conclusion de "The Ancient Covenant" et son enchaînement avec la courte transition ambiance "Shape Shifters" ; les parties plus calmes et parfois chantées de la plupart des tracks ; le piano de "XenoChrist", encore ; les deux parties de la superbe "Planetary Duality", qui conclut l'album), modernisant ses ambiances sans les renier ("Coldly Calculated Design") et transmettant ce petit quelque chose qu'aucun groupe n'avait insufflé de la même manière auparavant.

Miam, épisode N ("XenoChrist").

En se trouvant, The Faceless a sorti un disque totalement grandiose, qui ne s'épuise pas après des dizaines d'écoutes, et qui nous fait attendre avec la plus grande impatience leur troisième album prévu pour 2012...

MySpace : http://www.myspace.com/thefaceless

Fever Ray

2011-09-24T06:03:00.000-07:00

Qui a dit que ces dernières années ont été pauvres musicalement ? Certainement pas moi. A l’écoute de ce premier album éponyme de Fever Ray, il m’est impossible d’évoquer une telle ineptie. Expatriée de son groupe principal nommé The Knife, la suédoise Karin Dreijer nous invite dans un voyage sensoriel hors du commun, pour notre plus grand plaisir.

La musique de Fever Ray est organique, un véritable petit miracle en ces terres polluées par les Gaga et autre BB. Un joyau brut sorti de nulle part, entre élucubrations électroniques et retour aux basiques de l’être. Cette contradiction est à l’origine de ma fascination pour cet album : comment associer divinement bien une musique moderne à la Björk et des percussions tribales primitives ?

Ce disque est froid. Si vous en quête de bonne humeur et autres sucreries radiophoniques, passez votre chemin. Ici, tout est de glace. La bande son de vos cauchemars ressemblerait sans nul doute à cela. Une atmosphère poisseuse mais qui cajole, un petit cocon glacé où il fait bon s’enfermer, loin de tout, loin de tous. La délicatesse domine, au même titre que le malaise. Dire que l’on aime cela pourrait paraître tout à fait masochiste, mais dans ce cas quel bonheur de se faire mal avec Fever Ray. Une véritable artiste, à contre-courant de la musique actuelle, qui délivre un album fascinant de bout en bout, sans temps mort ni imperfection. Les atmosphères lugubres et cauchemardesques de David Lynch apparaissent comme une évidence au fur et à mesure de l’écoute. Karin Dreijer nous embarque dans son monde mystérieux et futuriste, là où l’introspection et les péchés voltigent, esprits fantasmagoriques et désenchantés. Cette voix si singulière pour seul repère au travers de ces dix constellations, le chemin de l’auditeur se trace selon son vécu, selon ses souffrances, selon l’état de votre intériorité. La déshumanisation au service de votre introspection. Dérangeant, n’est-ce pas ?

"Keep the Streets Empty for Me".

La transe se fait toute seule. Votre cœur bat la chamade. Les beats prennent votre pouls et s’y accommodent. Cette musique est organique, vitale. "If I Had A Heart" entame le voyage, votre vision se brouille, votre cœur aussi. "If I had a heart I could love you, If I had a heart I would sing, After the night when I wake up, I’ll see what tomorrow brings", clame la voix grave de la suédoise. Celle-ci vous embarque pour ne vous relâcher qu’au bout de ces cinquante minutes de rite vaudou. Malgré tout, au travers de cette noirceur édifiante, quelques bribes de luminosité font leur apparition au détour d’un clavier enchanté, d’un rythme plus soutenu, le tout magistralement porté par la voix plutonienne de Karin Dreijer. "When I Grow Up" ou encore "Seven" gardent un aspect "pop" tout en restant lugubres. Là réside le charme de cet album, où comment rendre le noir Beau, la mort douce, le cauchemar vital. Je vous avouerais que je ne m’attendais pas à une telle surprise en écoutant ce disque. C’est tellement beau, tellement loin de toute production actuelle qu’il en est devient difficile d’apprécier immédiatement le contenu de ce disque fabuleux. Ces univers travaillés à fleur de peau ne sont en effet pas à mettre entre toutes les mains, le LSD devenant obsolète après l’écoute d’une telle œuvre. La production est saisissante de réalisme et de proximité avec l’auditeur. Condition nécessaire pour permettre aux sons de la Suédoise de vous envahir. Tout est velouté, enfumé, cela laisserait presque l’impression que l’on peut toucher du doigt ces métamorphoses auditives.

"If I Had a Heart".

Pour ma part, aimer cet album fut une véritable évidence. Difficile d’y mettre une date, difficile également d’y coller une étiquette, le voyage est aussi unique qu’un être. La Suède était déjà reconnue comme terre d’accueil de magnifiques formations avant-gardistes et métalliques, cet album représente donc une nouvelle pierre à l’édifice. Je recommande ce disque à tout amoureux de Musique, la vraie, celle qui touche et qui nous rend vivant. Un voyage initiatique au milieu de vos sens et de vos pensées, la quête qui nous anime tous, sans aucun doute.

Un aller direct pour la Lune, ça vous dit ?

"Morning, keep the streets empty for me"...

Site officiel : http://feverray.com/

Chronique par Alex, aka A.A

Lingouf

2011-09-22T10:02:00.000-07:00

Découvert au Noxious Art Festival. Pas aimé. Trop carré, trop grésillant pour-le-plaisir-du-hardcore-sale, pas dans l'ambiance, raté le flow. Mais comme un simple live ne veut pas dire grand-chose, j'ai laissé une chance à Lingouf, et après l'écoute de quelques gros sons pas déplaisants, je me suis lancé corps et âme dans l'écoute de son dernier opus "Doème", sorti en cet an de grâce 2011 sur l'excellent label industriel allemand Ant-Zen. Ce qui m'attendait dans cet album, c'était une énorme surprise, une richesse musicale que je n'aurais pas pu imaginer, des ambiances saisissantes, et une des découvertes les plus puissantes de mon année.

Danke schön !

"Doème" est une drôle d'odyssée sonore. Cet OMNI navigue allègrement entre un breakcore très teinté de gros hardcore/industriel qui tâche ("Pierroopoflonspa So'apem", "Do Me") et des influences classiques ("Jacento Cent23" et sa mignonne petite musique de chambre) et jazz explicitées par des parties instrumentales bien mises en valeur ("Dormek"). Bien entendu, le premier comparateur venu s'empressera de rappeler que les mélanges classico-breakcore improbables ont déjà été exploités par, en vrac, Venetian Snares (dont on ressent, soyons honnêtes, quelques influences sur le plan mélodique, notamment "Toap-Sirop" qui sent un peu le VS période "Hospitality" ou l'intro de "Do Me" aux violons qui fait des clins d'œil à "Rossz Csillag Alatt Szueletett"), Aphex Twin, Igorrr, et j'en oublie. Le second comparateur venu (pas plus de deux, s'il vous plait, ça me fout les glandes) ajoutera que les sonorités hardcore distordues et les rythmiques volontairement désaxées ont comme une sonorité à la Aphasia, et je ne pourrai pas non plus lui donner tort.

"Rovo Dot Oftog". Si un lecteur trouve le sens caché derrière ce rot de sons, qu'il me prévienne, merci d'avance.

Ce que ces comparateurs imaginaires, outils malgré eux de mon racolage musical, oublient totalement, c'est l'écoute de ce que Lingouf vient ajouter aux styles, la perception de cette petite touche personnelle qu'il distille dans sa musique. Loin d'une sorte de complaisance qui exigerait de lui qu'il tente la recréation d'un "Rossz Csillag..." -- parce que tant qu'à mélanger breaks et violons, autant faire ça "comme les grands", pas vrai ? -- le doux dingue préfère donner sa propre interprétation de la musique. Par le mélange obsessionnel d'une brassée d'inspirations dont la liste serait fastidieuse, pondant avec la même aisance des ambiances éthérées aux relents de glitch (l'intro de "Wiaoz" qui me fait penser au DJ Producer) ou des tueries industrielles presque agressives à force de distortion ("Oepema") et sautant des unes aux autres avec intelligence, il développe un univers musical labyrinthique, d'une richesse incroyable si tant est que l'on ose se lancer à l'exploration, un peu de 8-bit par-ci ("Wiaoz" encore), un peu de didjeridoo par-là ("Osmei"), tellement d'informations...

"Osmei".

Là où d'autres optent, soit pour la "solution de facilité" (pas tant que ça, en réalité...) du changement de style imprévisible -- parfois avec un effet humoristique indéniable, retournez donc écouter Igorrr ou Vladimir Bozar n' ze Sheraf Orkestär pour finir de vous en convaincre -- soit pour le consensus artistique au nom de la cohérence, Lingouf réussit à créer une œuvre équilibrée et captivante en mettant de tout en grandes quantités et en agitant le mélange sous une presse hydraulique. Tordu en large et en travers, mais mené de concert par une inspiration très variée, un sens de la mélodie affûté et un amour inconditionnel pour tout ce qui ressemble de près ou de loin à du bruit, le multi-artiste (ah oui, je ne vous ai pas dit ? les visuels sont également de lui) nous livre là une œuvre rare, dix morceaux pour 76 minutes, à écouter quelques centaines de fois pour en saisir toutes les nuances. C'est fou, c'est lourd, c'est bruyant, c'est intense, c'est beau -- de cette beauté que beaucoup n'arriveront jamais à saisir, hélas...

Site officiel : http://www.lingouf.org/accueil.htm

Le Dead Projet

2011-09-20T08:49:00.000-07:00

Découvert lors d'une soirée postcore au Bateau Ivre (la salle rouennaise qui nous avait aussi offert le duo General Lee/The Birds End), Le Dead Projet était pourtant bien mal parti pour attirer mon attention. Une écoute sur leur Myspace de l'époque m'avait laissé dubitatif : son plutôt brouillon, des compos et une voix qui ne sortaient vraiment pas de l'ordinaire... Mais bon, à l'occasion du concert, je me suis dit que ça vaudrait le coup d'écouter tous les groupes quand même. Grand bien m'en a pris.

Quand Le Dead Projet monte sur scène, première surprise : pas de chanteur attitré. J'apprendrai par la suite, de la bouche du bassiste Morne, que l'ancien chanteur les a quittés récemment et que le groupe a choisi d'attribuer les vocals aux trois cordistes. Ce fut à mon sens une excellente décision : la voix de Morne, proche notamment de celle d'un Josh Graham, se marie parfaitement bien avec celles de Flow et Ludo, plus typées hardcore/postcore ; cet ensemble vocal, combiné à une musique efficace et puissante, donne un résultat original, prenant, invasif.

Fait d'une manière assez intelligente pour que rien ne dérange ni ne choque.

Aussi, quelque temps plus tard, lorsque j'apprends via Fessebouc que leur nouvel album "Keep on Living" (2011) est en écoute sur Bandcamp, je me jette naturellement dessus ; et là, c'est la deuxième claque. Le set live du groupe, aussi bon avait-il été, n'était vraiment qu'une mise en bouche. Dès le début de "Rotten Words", l'ambiance est posée : une mélodie prenante, accompagnée par une rythmique puissante et sombre, nous plonge directement dans l'univers du quatuor parisien. Et quand le chant de Morne débarque, notre âme en prend un grand coup, frissons assurés. Il y a de la hargne et de la volonté dans ce son : en effet, contrairement à la majorité des sons post qui invitent à l'introspection voire à la catatonie (qui a dit Battle Of Mice ?), Le Dead Projet donnerait plutôt envie d'attaquer une thérapie de cri primal... un feeling que je n'avais pas ressenti depuis le début d'un certain petit groupe français qui nous avait scotché avec un premier album nommé "Terra Incognita".

"L'ambiance est posée."

Tandis que je me prends à comparer du postcore avec du métal, j'en vois déjà qui me regardent d'un sale œil (à ceux-là, je dirais volontiers : écoutez l'intro de "The Beast" et vous comprendrez). Ce que je signifie par là, c'est que Le Dead Projet a eu la bonne idée de sortir des sentiers battus. Le style post a été grandement exploité depuis le temps relativement lointain où des Neurosis, Amenra, Isis et autres ont posé les bases, et les groupes clones sont déjà légion. Plus éloigné de ces stéréotypes, à la manière d'un Poison The Well, Le Dead Projet a choisi de mixer metal, hardcore, rock, screamo et une foule d'autres influences, et ce mix est fait d'une manière assez intelligente pour que rien ne dérange ni ne choque, jusqu'aux doubles chants hXc très old-school de "In And Out".

Vous comprendrez.

En outre, là où la plupart des groupes de post alternent de longs passages puissants et lourds avec de longs passages posés, Le Dead Projet propose des cassures multiples mais parfaitement imbriquées, ne laissant pas notre cerveau se reposer un instant, ou alors quelque secondes à peine, le temps de nous graver dans le crâne une magnifique ligne de chant qui ne nous quittera plus pendant des semaines. Pas le temps de s'ennuyer, tout au long de cet album surprenant, dont la richesse fait que de multiples écoutes ne l'épuiseront pas. De plus, le travail d'enregistrement et de mixage de Sylvain Biguet (qui a notamment travaillé avec Comity et Trepalium) et le mastering d'Alan Douches (Converge, Mastodon...) rendent le son de l'album propre mais jamais lisse, parvenant à conserver une énergie live très primale qui rend pourtant hommage à un sens mélodique appuyé et mis au service d'ambiances fortes.

...ben quoi ? Vous êtes encore là ? C'est ici que ça se passe : http://ledeadprojet.free.fr/

Chronique par Jakovasor

Aliases

2011-09-17T09:06:00.000-07:00

Pin est resté totalement fou, et il a toujours autant de talent. Pin, pour les incultes dont je serais encore à l'heure actuelle si je ne faisais pas l'effort de me documenter avant la rédaction de ces lamentables chroniques égocentriques au manque d'objectivité si évident et vulgaire qu'il fait occasionnellement exploser d'une rage légitime les plus subtils de mes lecteurs, était le guitariste de SikTh, un des groupes les plus intrigants et résolument géniaux qui aient vu le jour au début de ce siècle pourtant plus marqué par la débilité anti-culturelle et l'indigente pop/techno hybride mielleuse placée au rang d'art musical que par le talent véritable. Et Pin, dont au sujet duquel que je vous jacasse sur lui, ne supportant apparemment pas de ne pas pouvoir exprimer sa folie quelque part, s'est dépêché de fonder Aliases pour pouvoir continuer à faire pleurer les musicologues traditionalistes et à couper l'herbe sous les jambes de tous ces amateurs de "musique" qui passent leur temps branchés sur les radios libres à admirer tout ce qui ressemble de près ou de loin à de la merde.

♫ Shit music onlyyyyyy !♪

Aliases, tout comme son aîné SikTh hélas défunt, est une insulte au conservatisme musical, aux frontières des "genres", et de manière générale à la médiocrité pseudo-artistique des vendeurs de soupe en conserve. Sa musique n'a pas de limites, pas de barrières ; elle emprunte au mathcore ("While I Drown" et le début de "We Never Should Have Met" sont particulièrement éloquents), au néo (les parties de chant de presque toutes les chansons), au jazz bien sûr (ne serait-ce que par ses touches progressives et ses dysrythmies sauvages), au metal progressif (les rythmiques du refrain de "All that Glitters is Gold"), et loin de brasser ses influences pour le simple plaisir du déballage technique hermétique, elle métisse les uns avec les autres dans des compositions cohérentes avec une patte mélodique forte et sensible.

"All that Glitters is Gold".

J'en veux notamment pour preuve le premier titre du premier album "Safer than Reality" (2011), qui lui a servi de "single" et a donné la matière au premier clip du groupe : "What's Left For Us" allie structures mathcore et riffs de guitare déglingués, dans un maelström d'influences dont l'énumération serait autant fastidieuse que vouée à la non-exhaustivité, dans une vague pleine d'énergie et de ressenti, appuyée par un refrain chanté irrésistible.

Et en voici le clip officiel. A écouter en HD.

D'ailleurs, les parties de chant de l'album sont souvent incroyablement douces et bien trouvées (l'enchainement partie vocale sortie de nulle part/double voix puissante de "The Reality of Beliefs" est fabuleuse), les riffs toujours aussi tordus et mélodiques (j'en veux pour preuve toutes les chansons sans exception), les parties de batterie monstrueuses (je vais encore citer "We Never Should Have Met")... En fin de compte, le jeune Aliases est une sorte de continuation de SikTh, dans laquelle tout ce qui faisait ce grandiose défunt a été encore poussé plus loin : plus fou, plus violent, plus doux, plus mélodique, plus mature (oui, je sais, quand on a écouté "Death of a Dead Day", c'est à la limite de l'impensable).

Oh, du mathcore ! ("We Never Should Have Met".)

L'ajout de parties de chant parfois presque neo-metal -- au sens le plus glorieux du terme -- ne fait qu'enrichir l'univers si particulier qui est le coup de griffe miraculeux de Pin, un artiste véritable doublé d'un technicien hors-pair. Il n'y a strictement rien à jeter de ce beaucoup trop court (vingt-huit minutes à peine) mais terriblement dense premier album, qu'une centaine d'écoutes ne parviendra pas à épuiser. Et, bien que l'on espère qu'Aliases aura la longévité que son grand frère n'a pas eue, on se doute bien que, si ce projet venait à disparaitre trop tôt, Pin reviendrait encore, toujours aussi inspiré et inépuisable. Le monde manque de musiciens de cette trempe.

Site officiel : http://www.aliasesband.co.uk/

Live review : Noxious Art Festival (du 9 au 11 septembre 2011, Moulin de Pontcey)

2011-09-15T06:51:00.000-07:00

Crédit photo : Chloé Homont (site en construction).

Organisé par l'association Audiotrauma dont j'ai déjà interviewé pour ces pages le président Syco, le Noxious Art Festival nous accueille au Moulin de Pontcey, modeste bâtiment de pierre à une dizaine de kilomètres de la ville de Vesoul, redécoré pour l'occasion (nous pûmes notamment apprécier le superbe graff Noxious sur un des murs de la salle de concert elle-même, ainsi que, trônant au milieu de quatre autres œuvres d'artistes indépendants, face au bar intérieur, le tableau "Le Cri" du français Meln). Comme beaucoup de festivaliers et d'artistes, nous résidons au Camping du Lac, à la limite entre Vesoul et Vaivre, un petit coin de paradis ensoleillé avec une plage de sable donnant sur un superbe lac. Un petit coin tranquille qui va nous sentir passer...

Un endroit où les arbres poussent dans les canettes de bière. Bienvenue au paradis. (Crédit photo : Daphné Boghossian.)

Le festival commence un peu en retard le vendredi (ce qui nous arrange bien, nous qui venons à l'arrache et en stop -- ce qui ne m'empêche hélas pas de passer à côté de R3-Mute), par un artiste maison, Republik of Screens, sorte de power noise martial à chant distordu rappelant les attaques sonores les plus franches de groupes comme Synapscape. C'est d'ailleurs un léger reproche que l'on pourrait leur adresser : une proximité parfois très franche avec certaines influences. Néanmoins, c'est un live bien rentre-dedans que la République nous livre, montant en puissance avec une franche détermination à nous accueillir comme il se doit, et nous abandonnant déjà en sueur sur une superbe outro très noise conclue par ces mots : "Autrefois, c'est vous qui faisiez les images ; maintenant, ce sont les images qui vous font." La couleur idéologique du week-end est annoncée par un live qui dépote.

Extrait d'un live datant d'un an et demi plus tôt. Leur premier. Avec un public étonnamment inerte.

Le Diktat et Kirdec prennent la suite, dans un genre différent (le long de ce week-end, nous nous habituerons à sauter d'un sous-genre à un autre régulièrement, ce qui crée un effet de surprise parfois très appréciable, d'autres fois un peu regrettable... j'y reviendrai). Je ne vais pas répéter ce que je pense du Diktat, les lecteurs réguliers le savent déjà, et les autres n'ont qu'à aller voir. Quant à Kirdec, disons que c'est un acharné de la scène, qui mène toujours quatorze projets de front, du harsh-noise à l'expérimental, et qu'on ne savait donc pas trop à quoi s'attendre de la part de cette collaboration. Au final, c'est avec, notamment, de longues basses envoûtantes qu'il est venu enrichir l'univers tout en mid-tempo du Diktat, pour nous offrir un set à la croisée des chemins, quelque part entre breakbeat et dubstep, l'agressivité en moins et l'ambiance en plus, dont j'aurais vraiment souhaité qu'il passe après Ex_Tension (comme prévu initialement) tant les deux duos se seraient répondus et complétés.

Petit rappel : Le Diktat, c'est notamment ça.

Peut-on intégrer à une musique aux fondements post-rock un électro vaguement industrialisé aux relents d'Aphex Twin, et encore y brasser l'air de rien quelques tonnes d'influences diverses, de l'IDM au rock indus old-school ? La réponse est oui, si on s'appelle nÄo. Le trio électro-acoustique de Besançon (un batteur, un guitariste/machiniste, un claviériste/machiniste), malgré ou grâce à un décalage sensible par rapport à la couleur musicale prédominante du week-end, nous a attrapé avant que nous ayons vraiment le temps de redescendre du set précédent, pour nous emporter dans un voyage inclassable, psychédélique, planant, et tout bonnement incroyable. Un des meilleurs sets du festival, et une grande découverte musicale.

Sur scène, le même genre de beauté, avec une énergie plus organique. Le pied.

L'enchaînement avec Igorrr, très surréaliste, ne me laisse pas le temps de me reposer, et comme d'habitude, il envoie sec. Pas de grande différence avec les deux dernières fois (aux 10 ans d'Ad Noiseam et à la soirée Casse Ton Singe !), c'est-à-dire qu'on en a pris plein la gueule. Mentionnons juste une nouvelle track interprétée pour la toute première fois, introduite par un long duo piano-chant féminin totalement superbe, qui laisse prévoir un futur album au moins aussi bon que le précédent, et une fin de concert plutôt abrupte puisque, voulant jouer les prolongations (ou ne réalisant tout simplement pas à quel point il prolongeait son set), Igorrr a tout simplement été coupé par l'ingé son après plus de dix minutes de bonus. Miam.

"Non, je bougerai pas d'ici, non." (Crédit photo : Daphné Boghossian.)

J'ai lamentablement raté la plus grande partie de la fin de cette première soirée pour fêter ça (quel professionalisme !), mais ai eu des bons échos de S.K.E.T, et des retours meilleurs encore de Twinkle, qui sont en tout cas deux très bons groupes sur album ou dans leurs précédentes vidéos live.

S.K.E.T en live il y a deux ans... (Crédits vidéo : Unit29909.)

Une petite de Twinkle qui fait du bien par où elle passe : "La Danse du Bruit". (Crédits vidéo : Cyclonbeat.)

Quant à Lingouf, le peu que j'en ai vu m'a semblé très orienté "indus/hardcore à l'allemande", martial et rentre-dedans... Trop pour mon état de fatigue. Je serai plus objectif sur les groupes de festival quand j'aurai plus d'endurance, je crois. D'autant que ce qu'il fait est loin d'être désagréable (je suis en train de détruire mes enceintes avec le titre "Go Quantum" à l'instant où j'écris ces lignes, et il semblerait qu'il soit sur le label de l'excellente et violente Ybrid). En attendant, nous nous passerons d'after ce premier soir, faute d'alcool, et j'ai envie de dire : tant mieux.

Fuck your ears. (Crédits vidéo : Cyclonbeat.)

Petit rajout, avec 24 heures de retard : son album "Doème", sorti cette année, est une petite merveille de "breakcore symphonique" dont je vous recommande vivement l'écoute. Pas convaincu en live, mais il va falloir sérieusement fouiller son back-catalogue...

Deuxième jour. La première nuit en camping est difficile, et c'est déjà crevé que je débarque dans la salle, après une partie de stop pas facile en plein soleil, pour me faire ramoner les oreilles par Storm Varx vs K.Oz, harsh noise (in french : bruit abrasif) pas gentil du tout. Les amateurs ont l'air d'avoir énormément apprécié, mais je n'en suis pas. Ce jusqu'au-boutisme bruitiste n'est pas du tout ma tasse de café. Même bien fait. (Et j'invente les expressions que je veux.) No harm done.

Puisque je n'ai pas trouvé de son de Strom Varx, voici une photo d'un festivalier qui a souhaité rester anonyme.

Le mid-tempo aux rythmiques travaillées et fines d'Amesha Spenta, un autre groupe Audiotrauma, me parle beaucoup plus, et il faut reconnaitre que les ambiances de ses morceaux, empruntées autant aux musiques (extrême-)orientales qu'à la composition occidentale, sont totalement hypnotiques. Ce mélange d'influences pluriethnique me transporte littéralement, et le set passe beaucoup, beaucoup trop vite. L'artiste, bien que visiblement pas très à l'air sur scène, nous livre un excellent live... qui introduit la claque qui suivra.

Ouah. (Crédits vidéo : Cyclonbeat.)

Oui, aussi bon qu'il a été, et loin de moi l'envie de le dénigrer (bien au contraire !), Amesha Spenta se fera surpasser par Tzolk'in, collaboration entre Flint Glass et Empusae. Que je prévienne tout de suite : ce set restera, pour moi, la claque du festival.

Pure awesomeness. (Crédits vidéo : Unit29909.)

L'industriel tribal et profond, accompagné de soundscapes enivrants et réhaussés par des percussions live, de Tzolk'in est un inducteur de transe hors pair ; et, pour ne rien arranger, les projections inspirées de civilisations antiques sont superbes, et le duo a une véritable présence scénique, naturelle et décomplexée (malgré la relative immobilité à laquelle leurs instruments les contraignent). Le public ne s'y trompe pas, et offre au duo une véritable ovation.

Pour moi, le meilleur set du festival. (Crédit photo : Kakrupock.)

La redescente est lente ; je passe un bon quart d'heure la tête dans les nuages, sans contact avec la réalité, ne reconnaissant même pas vraiment les gens que je croise (pas vrai, Gaëlle ?). Je vous jure que je n'exagère pas : pas besoin de MDMA quand on se prend un tel show dans la gueule. Lorsque je retombe de mon petit nuage, je me rends compte qu'il est temps de me désaltérer et de manger un morceau (les pizzas de la veille me manquent déjà, mais la soupe de pois cassés spécial vegan est excellente). J'écoute de loin le duo allemand Punch Inc, qui me semble sur le moment être du power noise de très bonne facture ; ça sent l'Hymen et l'Ant-Zen à plein nez, même quand on n'en a que quelques sons qui dépassent, entre deux titres du mix qu'assure, en live et les pieds dans le gazon, le duo d'animateurs noise-addicts fous de Riot Beat (émission électro-indus des Tourangeaux de Radio Béton, hop, le petit copinage) pour nous aider à alimenter nos acouphènes et à digérer nos sandwiches.

Dites bonjour à Olivier et Herbert de Riot Beat ! (Crédit photo : Daphné Boghossian.)

Une heure pour se reposer les mollets, c'est quand même relativement peu, en fin de compte. Le temps de taper la discute à droite à gauche, d'engloutir un excellent comestible (merci l'équipe du Coin de l'Oreille !), et Iszoloscope vient nous rappeler qu'il n'est pas là pour rigoler.

Monsieur. (Crédit photo : Chloé Homont (site en construction).)

Je l'avais déjà vu il y a quelques années en première partie d'Imminent, sur Paris, et ç'avait été un véritable régal, un gros live de ce son si particulier, quelque part entre le power noise et une sorte de hardcore mélodique, travaillé avec des beats lisses et graves, bien réguliers, enrichis de sous-rythmiques plus noisy qui rajoutent des ambiances irrésistibles à une base extrêmement dansante. Cette fois-ci, c'était pareil, en encore cent fois meilleur (parce qu'avec encore plus d'expérience). Un live totalement irréprochable pour faire fonctionner nos glandes sudoripares et nos canaux sudorifères. C'est la machine à laver qui va être contente.

Totalement irrésistible.

Ce n'est pas Pedro, alias HIV+, qui risquait de vraiment nous reposer après ce set. Certes, ce pionnier de la scène indus et accro du bidouillage "à l'ancienne" (un des seuls à ne pas avoir d'ordinateur sur scène) donne rarement dans le 220 BPM ; il n'en garde pas moins un style irrésistible, chaud et grésillant, rythmé et barré, fidèle à ce petit bijou qu'est l'album "Abstract and Harsh Ironworks" sorti il y a dix ans déjà et donc il nous a interprété quelques titres.

(Crédit photo : Kakrupock.)

Ma seule déception aura été la fin de son concert : là où j'aurais rêvé d'un petit "Taliban's Law" pour conclure la larme à l'œil, HIV+ aura préféré se taper un petit délire new-beat sur lequel il chante en espagnol. "Rigolo", diront certains. "Osé et bien foutu", apprécieront d'autres. Pour ma part, j'aurais dit "déplacé". Cela n'empêche que, sur les 45 minutes de set, j'en ai trouvé 40 excellentes. Et puis, les goûts et les couleurs, hein...

"J'aime le bruit." (Capture vidéo de Kakrupock, audio HQ et vidéo finale de Pedro aka HIV+. Et pour ceux qui n'ont pas capté, la phrase est une référence à Sulphuric Saliva, avec qui HIV+ a brièvement collaboré il y a quelque temps -- et ça a entre autres donné la chanson "Burning Up", une bombe.)

Les deux "gros noms" du festival viennent conclure la soirée avec plus ou moins de réussite (là encore, ça dépend des goûts). D'abord, Synapscape, dont j'ai déjà parlé en ces pages, nous délivre un set carré, vraiment organisé comme un live, c'est-à-dire que leurs morceaux ne sont pas mixés les uns aux autres, et "à l'allemande", avec une rigueur et un professionalisme incroyables. Peut-être un peu trop fidèles aux versions album à mon goût, les tracks jouées parviennent cependant très bien à rendre ce maelström de styles délicat des albums, et forment finalement un set équilibré auquel il est difficile de résister.

Leur nouveau clip, juste pour vous donner envie.

Laurent Hô, en revanche, m'aura moins convaincu (et pourtant, vu que lui est français, je prends plus de risques en disant du mal de lui que si j'avais craché sur Synapscape... je suis con, aussi). D'une part parce que j'ai eu du mal à déceler une véritable subtilité dans son hardcore, certes honnête, efficace, techniquement irréprochable, mais plutôt éloigné pour le compte de ce qui me plaît le plus dans la musique (dois-je vous remettre un lien vers la définition du mot Zeuhl ?).

D'autre part... (Crédit photo : Chloé Homont (site en construction).)

D'autre part parce qu'il y avait à mon goût quelque chose de racoleur dans la mise en scène : entre le show de suspension des vingt premières minutes et la tenue en dégradé homme/femme de Laurent Hô (crâne rasé et visage non maquillé, fringues moulantes et bottes compensées de drag-queen), le set s'est au final travesti en spectacle faussement décadent -- et je dis bien "faussement", dans le sens où le public indus est sans doute le plus "clean" que j'ai jamais vu, ça pue l'anti-nucléaire et le vegan dans tous les coins, ça change et ça fait du bien. Bref, c'est au final le spectacle le plus attendu que j'ai le moins apprécié, pour son côté putassier (quelque part entre racoleur et cabotin, merci le Wiktionnaire). Techniquement très bon, mais pas ce pour quoi j'étais là. Dans une autre soirée, j'aurais pu me régaler.

Alleeeeeeeeeez ! (Crédit vidéo : Kakrupock.)

Pas grave, ça n'a pas empêché de faire les cons, et la soirée a continué au camping, à trente ou quarante sur la plage, avec de l'éclusage de bières en bonne et due forme, de l'indus et de la dubstep à fond sur l'autoradio d'une bagnole ramenée jusque-là pour l'occasion, un petit saut dans la flotte à quatre heures du matin pour la forme (qui a des photos ?), et comme le milieu indus est un petit monde sans prétention, Thomas (Le Diktat), Pedro (HIV+), une bonne partie de l'équipe Audiotrauma, et sans doute d'autres que j'oublie de nommer, se sont naturellement joints aux festivités.

Paie la fine équipe. (Crédit photo : Daphné Boghossian.)

Une trop courte nuit à la belle étoile plus tard, c'est avec une âme de vainqueur (...non, je déconne) que mon ami David et moi rejoignons la bande des Lillois fous, et nous buvons un "petit" apéro sous la pluie avant d'aller, en retard et donc en taxi, au Moulin de Pontcey, juste à temps pour Lith, et donc après avoir totalement raté Darkrad et Solar Skeletons (je n'ai pas réussi à avoir de retours sur les premiers, et apparemment j'aurais souhaité ne pas rater les seconds). Lith, c'est quand même un type que j'ai découvert il y a presque dix ans, avec son magistral premier LP "Pylon", et lorsqu'il a sorti son deuxième, "Gaïa", sur Brume Records (le label de Flint Glass), je n'ai rien pu faire d'autre que crier au génie. Sur scène, son indus-core rythmé et ambiant, tribal et écrasant, est soutenu par des projections incisives : images de manifestations lourdement réprimées, d'expérimentations animales dégradantes, de victimes de la radioactivité, de champignons nucléaires, de puits de pétrole...

"Hiroshima", une des deux chansons de l'album "Gaïa" auxquelles nous avons eu droit en live.

A l'expérience musicale saisissante et quasi-orgasmique s'ajoute donc celle, volontairement douloureuse, de l'observation d'un condensat (c'est le cas de le dire) d'humanité pousse-à-la-révolte, beaucoup plus subtil et mieux maîtrisé à mon goût que les relents d'anarcho-communisme des Muckrackers, la formation de punk/crust/noise qui prend la suite. Qu'on ne se méprenne pas sur mes propos : je ne suis pas dans le rang décérébré des anti-communistes primaires -- et même la lecture de quelques lignes de Karl Marx n'aura pas réussi à me rendre anti-communiste secondaire. Pourtant, la surexposition idéologique me semble au mieux un accessoire, au pire un élément de ridicule (certains doivent se rappeler mes propos sur Tetchiot Krov) ; ainsi, le militantisme des encagoulés de Muckrackers, soutenu par des projections uniquement axées sur la classe ouvrière (ferronnerie, chaudronnerie, fonderie, métallurgie...) ne m'aura-t-il pas aidé à apprécier leur musique, trop primale à mon goût, surtout après la démonstration de maîtrise de Lith. Cependant, ils ont le mérite de rappeler (de marteler, devrais-je dire) une leçon que nous devrions tous apprendre par cœur et appliquer à notre niveau : "Ceux qui luttent sont ceux qui vivent."

J'ai oublié de préciser : ils sont Lorrains, et à la limite du régionalisme, alors pas trop de blagues déplacées. (Crédit photo : Daphné Boghossian.)

Petites précisions reçues par les Muckrackers : ils sont anars mais non communistes, et surtout pas régionalistes (ils y tiennent vraiment). Je m'étais fait avoir pour ce qui est de leur couleur politique, certes, mais le coup du régionalisme était bel et bien une blague, okay ? Et, ah, oui, j'allais oublier : la citation "Ceux qui luttent..." est de Victor Hugo. Merci de m'avoir apporté ces ajouts, les mecs, et merci de savoir prendre les critiques pour ce qu'elles sont -- ça fait plaisir de ne pas se faire cracher à la gueule juste parce qu'on a dit qu'on n'aimait pas quelque chose. Ca me change !

Le français 2methylBulbe1ol, dont le mélange dubstep/IDM/drum'n'bass semble presque décalé par rapport au reste de la programmation, prend la suite, et son set est un pur régal. Sa collaboration avec un VJ talentueux aura permis, pour la première fois de sa carrière, d'illustrer d'une façon variée, surréaliste et calée avec la musique un set hypnotique, développant des ambiances raffinées au sein d'une musique que l'on aurait trop vite fait de ranger dans une grosse boîte "dubstep", mais qui ne sombre jamais dans la facilité ou les wobbles racoleurs. Dérivé de la construction/déconstruction rythmique de l'IDM et renforcé par des basses prenantes et des mélodies douceâtres, le style de 2methyl s'enrichit d'emprunts variés, des structures du rock au chant hip-hop en passant par les nappes de l'ambient. Un live parfait.

"King". Un titre bien choisi. (Au-dessus, un des éléments de la visu créée avec Pilami ; d'autres sur sa page Vimeo.)

Syco avait évoqué Aniaetleprogrammeur, en parlant comme un des groupes à ne surtout pas rater. Pour fêter ça, je n'en ai vu que quelques échantillons, pour aller interviewer Nico de 2methyl. On me l'a décrit comme suit : "imagine si Atari Teenage Riot faisait de la pop". Ce que j'en ai ressenti n'allait pas vraiment dans cette direction, dans le sens où la comparaison à ATR m'a semblé exagérée ; en revanche, le côté électro-mélodique appuyé, et l'aspect organique enrichi par la présence sur scène de guitare et percus, posaient une ambiance dont je regrette de ne pas avoir profité. A revoir, un jour... dès que l'occasion se présentera.

Le parallèle avec Atari Teenage Riot m'a paru bien plus justifié quand j'ai fouillé d'autres aspects du groupe.
ATTENTION : ce clip contient, entre autres, de la pornographie, des images violentes et des plans chirurgicaux. Eloignez les enfants.

Les "hôtes" de la soirée Chrysalide, trois fondateurs d'Audiotrauma unis dans un attentat sonore enragé, envahissent la scène pour un des sets les plus longs (une heure), mais aussi un de ceux qui passent le plus vite.

Et en plus, ils sont super-mignons. (Crédit photo : Chloé Homont (site en construction).)

Mix de punk/metal et de power noise, leur musique serait trop facilement comparable à celle de Punish Yourself, mais cette comparaison serait bien trop limitante, et ne rendrait pas cette noirceur engagée que le machiniste et les deux chanteurs/hurleurs du groupe entretiennent en arrivant sur scène torse nu et badigeonnés de noir.

"Traders Must Die", vu depuis la scène. (Vidéo par Nasty Bug, dénichée sur la chaîne Youtube Weareeternal.)

Ils se paieront même un double luxe : reprendre "Another Brick in the Wall Pt. 2" de Pink Floyd en guise de conclusion de leur show, sans la rendre ridicule, en lui adjoignant des paroles de la Part 1 ("Daddy's flown across the ocean... leaving just a memory...") et un passage de "Is There Anybody Out There ?", et en rendant le tout bien plus sombre et rageux... puis revenir pour un rappel encore plus rentre-dedans que leur reste de leur show, histoire de nous achever. Un grand, grand live.

Don't be scared, it's about life.

Difficile de trouver de l'énergie pour le dernier show du week-end, assuré par le duo Ex_Tension, dont j'adore l'industriel tout en retenue, aux ambiances profondes et lumineuses. Sur scène, les deux artistes se complètent bien sans jamais se chercher, et développent efficacement leur univers sans jamais chercher à "racoler". Difficile d'en dire beaucoup plus, car rien de spectaculaire cette fois-ci, seulement un très bon groupe qui a fait un très bon set électro, le genre de sets de trois quarts d'heure qui file en deux minutes, et qu'on apprécie en fermant les yeux et en se laissant être mû par les ondes sonores.

Close your eyes and see. (Crédits vidéo : Cyclonbeat.)

La bière d'adieu au Moulin du Pontcey s'avère indispensable, et elle est accompagnée par un DJ qui décide de remuer les festivaliers une dernière fois... en ouvrant son mix par "Doomsday Mechaniks" de DJ Producer. Je renverse la moitié de ma bière en courant vers les enceintes. Une vingtaine de minutes plus tard, c'est "Suffering" qui vient nous exploser les z'oreilles. Entre les deux, rien que je ne connaisse (pardonnez mon inculture), mais beaucoup de gros son qui fait transpirer. Au bout d'une heure, on se fait ramener au camping, on retourne sur la plage -- pas trop longtemps : le festival m'a terrassé.

Trois jours comme ça, avec le même sourire ahuri, à sauter dans tous les sens (et toujours avec des T-shirts sans aucun rapport avec l'indus)... Ca m'a tué. (Crédit photo : Daphné Boghossian.)

Autant dire que, si nous n'avions pas retrouvé d'autres festivaliers dans le train pour Paris, ç'aurait été un voyage très triste. Une ambiance géniale, ouverte, conviviale, sans aucune prétention ou distance des artistes (je pense notamment à Thomas/Le Diktat, Cédrik/Kirdec, Gwenn/Flint Glass, David/Lith, Pedro/HIV+, Yann/Iszoloscope, Nico/2mB1o), des orgas (tous les orgas) ou du public ("je te connais pas, toi ? viens boire une bière, on va se présenter !" ; Ferdinand et "Janet Weiss", la troupe des Lillois, ce Belge de 48 ans qui a fait vingt bornes de détour pour nous ramener le premier soir, Manu le camionneur fan de son homonyme le Malin -- si vous trouvez cet article, les mecs, passez me faire signe !), des concerts qui déboîtent, un lieu superbe... Je ne peux même pas en vouloir à l'orga pour les 45 minutes de retard du premier jour -- une heure après Igorrr.

You guys rule. (Crédit photo : Daphné Boghossian.)

On remet ça l'an prochain pour le dixième anniversaire, les mecs ?

Interview 2methylBulbe1ol

2011-09-13T10:28:00.000-07:00

Vous m'avez déjà beaucoup entendu me plaindre du manque d'originalité dans le milieu de la dubstep, de la façon dont des milliers de jeunes artistes restent trop soudés à leurs influences (Excision en tête), et du souffle d'air bienfaisant qu'amènent certains petits prodiges à l'éclectisme salvateur comme Matta, Broken Note, Niveau Zero ou l'ami Brainpain. 2methylbulbe1ol fait partie de ces producers qui visent large, brassant dubstep, drum'n'bass, IDM et ambiant (avec quelques petites touches de hip-hop toujours bien placées) dans un même univers riche et envoûtant.

La preuve en musique ! ("Infected", sortie sur Ruff.)

Soulevé et ravi (on frôle le pléonasme, non ?) par sa prestation au Noxious Art Festival de cette année, je lui ai sauté dessus dès la fin de son set pour qu'il réponde à quelques-unes de mes questions... un exercice auquel le timide mais loquace Nico s'est livré avec entrain, me dévoilant des aspects de son projet plutôt surprenants. 2methyl, ou quand un fan de rock devient "par accident" un des producers d'électro les plus séduisants du moment grâce à la recherche infructueuse d'un batteur pour un projet grindcore.

Bonjour Nico ! Pour commencer par quelque chose, peux-tu me présenter 2methylbulbe1ol en quelques mots ?

2methylbulbe1ol est une formation solo de musique électronique née en 2007. J'étais guitariste pour un groupe de grindcore, et on cherchait un batteur qu'on n'a jamais trouvé, donc j'ai acheté une boîte à rythmes pour programmer les parties de batterie... et puis je me suis rendu compte qu'on pouvait faire d'autres choses avec, et j'ai commencé à me mettre à l'électro, au départ plutôt orientée IDM, breaks, un peu indus, pas spécialement bourrin mais très mélodique. Le moment où j'ai voulu commencer les lives a à peu près coïncidé avec l'arrivée en force du dubstep au niveau mondial ; je suis donc allé plus dans cette direction, parce que c'est un style qui cumulait beaucoup de choses que j'aime dans la musique.

Les origines de 2methyl. Sans déconner.

Tu m'as dit tout à l'heure [NdR : "en off", c'est-à-dire pendant la pause clope d'après concert] que tu n'étais pas trop branché par l'électro, à la base ?

Exactement, je suis plutôt rock et hip-hop. Ce que j'aime le plus en électro, c'est la drum'n'bass et la neurofunk, probablement ma principale influence pour 2methyl. J'ai quand même bien aimé le dubstep pour ce côté lourd et lent que j'appréciais déjà dans d'autres styles de musique. L'IDM aussi, notamment les sorties de Warp Records [NdR : Aphex Twin, Autechre, Battles, Flying Lotus, Squarepusher...], le breakcore de chez Peace Off [NdR : Cardopusher, Enduser, Rotator, Venetian Snares...], les métissages ragga, jungle, un peu abstrait. J'ai toujours été un grand fan de Xanopticon, par exemple, pour son côté abstrait et assez mental, finalement. La musique électronique me semblait être de la "fausse musique" auparavant, je n'y comprenais pas grand-chose, mais c'est lui qui m'a vraiment fait accrocher au style et comprendre qu'il y a quelque chose qui passe dans l'électro. Ceci dit, ça reste un style que j'écoute en minorité, notamment pour l'aspect purement technique, mais je prends beaucoup de plaisir à en écouter !

Tu es arrivé plus tard sur l'aspect plus organique de la dubstep ?

C'est surtout que j'aimais beaucoup ces sons plus futuristes, organiques effectivement, qu'on retrouve quand même plus dans la drum que dans la dubstep, qui se basait plutôt au départ sur des grosses basses extrêmement lentes ou du wobble. Ce n'était pas ma came, alors je suis revenu à des basses plus "gargouillantes".

Du latin "gurgulio", la gorge ou l'œsophage. Moins ragoutant, d'un coup.

Comment as-tu fait tes premiers pas dans ce genre ?

Ca a surtout consisté à réadapter mes anciennes compos IDM en y intégrant des basses plus lourdes, en leur donnant un aspect plus direct pour le live.

Le côté "wobble" de la dubstep ne t'a jamais trop accroché ?

Disons que c'est arrivé un peu plus tard chez moi ; j'aime bien ce côté "robot rigolo qui vomit" [sic] mais ce n'était pas vraiment un aspect musical que je cherchais. C'est efficace, ça tape, mais au bout de trois ans, maintenant que le style est bien installé, les gens commencent à en avoir marre. Je n'ai jamais été dans cette optique de musique très orientée DJ.

D'autant que ce n'est pas du tout commercial... (*soupir*)

On pourrait facilement te cataloguer comme appartenant à une sorte de "nouvelle vague" de la dubstep, un peu affranchie des poncifs du genre...

J'étais un peu dans cette optique, à la suite d'artistes comme Broken Note, ou Hecq quand il a commencé à faire ce virage depuis l'IDM, mais je ne pense pas qu'il y ait une volonté de "briser le carcan du dubstep". Je ne suis pas vraiment dans cette scène-là ; c'est plutôt un "moyen" pour moi, et je n'ai pas l'impression de casser des frontières non plus ! [NdR : Tu y contribues, mon cher, tu y contribues.]

Qu'est-ce que tu as en tête quand tu composes ? Entre l'aspect IDM très "réflexif" et le côté dubstep plus dansant, où se place ta musique, et comment veux-tu la faire sonner ?

J'ai toujours aimé raconter des histoires. Ca passe par le côté dubstep, pour le tempo, la lenteur, mais je m'intéresse plutôt à un aspect "cinématographique", même si ça fait un peu pédant de le présenter comme ça. Je travaille plus sur les ambiances, sans chercher particulièrement l'efficacité ; d'ailleurs, ma musique n'est pas vraiment faire pour faire bouger les gens. Je garde quand même un peu cette contrainte d'efficacité, dans le sens où c'est la musique que j'aime, et que je n'aimerais pas aller voir un type en live et me dire "ouais, c'est joli, mais j'ai envie de danser, je veux que ça tape un minimum". Je garde le cul entre deux chaises : je me base sur les atmosphères, mais en essayant de garder un côté un peu rentre-dedans.

Aspect cinématographique, travail sur les ambiances, rythmes rentre-dedans... A croire que je suis toujours attiré par les mêmes genres de musiques électroniques. (Illustration : Remain Silent. Mais j'aurais pu le remplacer par du Mobthrow sans gros problème.)

Est-ce que tu composes "par phases", avec des envies différentes d'une période à la suivante, ou bien restes-tu plus constant dans ta création ?

En ce moment, je suis plutôt dans cette phase dubstep, dans lequel j'intègre un peu de hip-hop, un peu de drum'n'bass, mais je retrouve toujours une certaine cohérence. Les différences se jouent plutôt au niveau du tempo, des rythmes, mais c'est plutôt une évolution. Je ferai sans doute quelque chose de différent dans un ou deux ans, parce qu'autre chose m'accrochera d'ici là, mais on retrouvera toujours les mêmes envies, les mêmes influences, tout ce qui a toujours fait ma musique à travers différents styles.

Où en es-tu au niveau des sorties ?

J'ai sorti il y a quelque temps un vinyl cinq titres autoproduit, "Quelques siècles d'insomnie", plutôt IDM, avec des rythmiques bizarres en 5/4, totalement impossible à utiliser par un DJ, puis trois maxis cette année : deux sur le label Ruff, un sous-label de Peace Off plutôt dédié au dubstep, dont un avec Niveau Zero [NdR : "My Roots/Glocken", respectivement de Niveau Zero et de 2methylbulbe1ol] et un tout seul [NdR : "Dead Channel/Infected"], et le troisième sur Komod.O DragOn [NdR : il s'agit de "King EP", et il suit directement dans les sorties Komod.O l'excellent "Venom EP" de Niveau Zero et Matta]. Je compose actuellement de nouveaux titres, peut-être pour un quatre titres avant la fin de l'année, mais je ne sais pas encore à quels labels le proposer. Je teste mes compos en live, et s'ils plaisent et me plaisent, je peux continuer à les travailler.

Comment ça s'est passé avec le Noxious ? N'avais-tu pas peur de l'accueil que tu pourrais avoir dans un festival axé principalement sur l'indus ?

C'est eux qui m'ont contacté, peut-être en partie par un effet de région, vu que ça se passe à Vesoul et que je suis de Besançon. J'avais quelques légères craintes, mais ça m'est déjà arrivé d'être calé entre de la dub et des trucs plus agressifs, voire même entre des groupes de styles totalement différents. En même temps, même dans une soirée dubstep, je ne suis pas sûr que les gens accrocheraient à ce que je fais... donc j'ai toujours cette appréhension. Au final, je pense que ça s'est bien passé, je n'ai pas reçu de projectiles.

On garde nos projectiles pour ceux qui les méritent.

Et le VJ que tu avais ce soir ?

C'est un camarade à moi, qui fait de la musique aussi, mais plutôt industriel et dark-ambient, et il fait de la vidéo à côté. Comme j'ai toujours aimé l'aspect visuel de la musique, on a commencé à bosser sur le visu. C'était une première pour moi, jusqu'ici je n'avais pas de visuels, ou alors ceux de l'organisation, et c'était l'occasion de faire quelque chose qui collait bien pour chaque morceau. Il a fallu séquencer les boucles, trouver les thèmes, gérer les enchaînements entre les morceaux... C'est un travail assez similaire à celui du son, finalement. On essaiera encore de peaufiner l'aspect visuel pour les prochaines dates, et j'aimerais continuer à travailler avec ce mec, peut-être sur des clips pour certains morceaux, mais en gardant ce côté semi-improvisé.

J'en ai gardé un bon souvenir, en tout cas.

L'indus, c'est un style qui te plaît ?

Je n'ai pas une énorme culture indus, à part des "vieilleries" comme TG [NdR : Throbbing Gristle] et des trucs très récursifs. Je ne pense pas faire de la musique très industrielle, mais c'est un style qui ne me déplaît pas ! J'ai suivi les concerts d'aujourd'hui ; j'ai beaucoup aimé Lith, parce que c'était bien dansant, et Solar Skeletons, deux Belges dont les projets sont très variés, du drone ambient au blues/doom, et leur prestation était mortelle. Maintenant, j'attends de voir ce que donne Chrysalide.

C'était brut et sale. Tout ce qu'on aime.

Une petite dernière question rituelle, que je pose toujours par curiosité : ...

Caleçon.

Non, c'est pas ça. Si, dans toute ta discographie, on ne te laissait garder que cinq skeuds, lesquels emporterais-tu avec toi, et desquels te débarrasserais-tu au plus vite ?

(quarante secondes de réflexion) Je dirais le premier EP de Neurosis, "Souls at Zero" ; du Erik Satie, même s'il n'a pas vraiment sorti d'album, les Gnossiennes sans doute... (quarante secondes plus tard) "At Action Park" de Shellac, un des groupes du producteur Steve Albini ; "Octopus", de Gentle Giant ; et du Venetian Snares, soit "Hospitality", soit "Cavalcade of Glee and Dadaist Happy Hardcore Pom Poms". Par contre, je n'ai pas vraiment de gamelles... peut-être un best-of de ZZ Top. Mais ils avaient de belles barbes, ça m'avait tout de suite impressionné.

...bien qu'on ait fait mieux depuis.

Merci, Nico !

SoundCloud officiel : http://soundcloud.com/2methylbulbe1ol

Page Jamendo : http://www.jamendo.com/fr/artist/2methylBulbe1ol

Vladimir Bozar 'n' Ze Sheraf Orkestär

2011-09-08T08:54:00.000-07:00

Attendez, je vous le remets : Vladimir Bozar 'n' Ze Sheraf Orkestär. Rien qu'au nom, on peut déjà se poser des questions, la plus sensée d'entre elles étant, à la tournure près, "Mais qu'est-ce que c'est que ce truc ?". Et puis, on se laisse tenter, alléché notamment par le fait que Gautier Serre, alias Igorrr, a rejoint récemment le projet et travaille avec eux sur le futur deuxième album, ou par la façon dont leur site les décrit comme un groupe de "zap core psychédélique", ou encore par les références à Mr Bungle et à Frank Zappa qui y traînent. Et, bien sûr, il y a au moins un mot dans le nom du groupe qui nous rappellera quelque chose... Quoi ? Tu connais pas ? C'est un groupe, ils étaient number one.

"Universal Spräche", le premier album de ce groupe atypique, est un truc foutraque et imprévisible. En quelques secondes, on est baladé de la funk au metal barge façon Unexpect puis au gros beat hardcore Igorrrien, comme par hasard ("RRS Master"), on se mange du jazz sauce reggae de l'espace ("Super Mythoman"), on saute de la fanfare au folklore tzigane ("Hector ou la défaite de Martin Shin"), on se fait réinventer le psychobilly ("Rockabiloose")... et le pire, c'est que tout est fait avec un tel talent qu'on se laisse prendre au jeu avec délices, et qu'on parvient même à supporter la sorte de salsa mièvre de "Meglio Stasera", c'est pour dire.

"Cartus", juste pour tirer la langue au premier qui me dira que le rapprochement avec Unexpect est malvenu.

Il y a en effet dans cet album bien plus qu'un simple patchwork bordélique de styles aléatoires. Certains passages sont même surprenants pour le "style" (ou peut-être le non-style) du groupe, tant la qualité de composition et le travail des ambiances peuvent s'avérer poussés ; je pense par exemple aux passages de rock prog irréels, coincés quelque part entre Magma et Danny Elfman, de "Panzoni Pasta", au côté metal avantgarde poussé du début de "Cartus", ou encore à cette insanité étrangement séduisante sur "Ocham", qui me rappelle cette époque bénie où Wormfood a sorti l'incroyable album "France" dont je finirai bien par faire la promo (posthume) en ces pages. Dans ces conditions, difficile de ne choisir "que" trois extraits pour tenter de vous faire vous représenter correctement l'album entier. Impossible, même, sans doute...

"Thermostat 7", qui rappelle fortement Igorrr, et vu qu'on voulait former avec des amis un groupe qui s'appellerait comme ça, je ne pouvais pas la rater.

Cette musique est bien foutue, inspirée, folle et terriblement drôle (cette lounge-breakbeat-clin-d'œil sur "Le Grand Rabbi (La Revanche d'un Juif Japonais)" est monstrueuse !). Je serais même tenté de dire qu'on regrettera certaines paroles, car c'est probablement la seule marque d'humour dans cet album qui vieillira... Et, généralement, ce genre d'humour vieillit mal (c'est pour cette raison que je n'écoute plus "Objectif Thunes" d'Ultra Vomit, que je trouvais proprement irrésistible lors des trente premières écoutes, et qui m'ennuie désormais au plus haut point). Qu'on ne se méprenne pas sur mes propos : il y a beaucoup de paroles très drôles dans "Universal Spräche", notamment ce superbe discours sur le seppuku de "Todomak"...

...que voici. Et c'est quand même très beau.

J'ai juste peur que les rires provoqués par ces grand-guignolades ne s'éteignent un jour ou l'autre (d'autant que certaines blagues sont figées dans une temporalité culturelle inévitable qui leur empêchera de franchir la barrière intergénérationnelle, z'avez vu comment que je cause bien ?), alors que je sais que le délire musical presque maladif qui constitue les cinquante-neuf minutes de cet album, quelque part entre Frank Zappa et Carnival In Coal, les expérimentations de Mike Patton et la débilité profonde de Gronibard, le jonglage de l'avantgarde et les délires de sales gosses, ne prendra pas de rides.

Et, vous savez quoi ? Le deuxième album est en cours. A suivre...

Site officiel du groupe (qui n'a plus l'air mis à jour) : http://vladimirbozar.com/
MySpace : http://www.myspace.com/vladimirbozar
Interview du chanteur sur Thrashocore : http://www.thrashocore.com/interviews/interview/246-vladimir-bozar-n-ze-sheraf-orkestar-pour-l-album-universal-sprache-2008-interview.html

Roel Funcken

2011-09-06T08:15:00.000-07:00

Roel Funcken est un producer intarissable. Lui et son frère ont formé il y a maintenant douze ans Funckarma, sorte de projet polymorphe s'ancrant dans des racines IDM relativement marquées mais osant l'exploration d'une large palette de styles électroniques avec un talent reconnaissable, notamment dans la série des "Dubstoned" où les deux frangins déconstruisent et reconstruisent la dubstep avec un brio à en baver par terre. La discographie de ce duo hollandais est relativement impressionnante, bien qu'elle n'atteigne quand même pas, Dieu nous garde, la fréquence de releases d'un Frank Zappa ; la découverte de ladite discographie est un exercice demandant une grande patience mais dont la récompense est quasi-permanente.

"Clinter", sur le quatrième "Dubstoned".

La sortie en août 2010 de "Vade", premier (et unique à l'heure où j'écris cet article) album de Roel Funcken sans Don Funcken, pourrait donc sonner, vue de l'extérieur, comme une sorte d'infidélité, un "petit dans le dos" en quelque sorte. Mais ce serait mensonger pour deux raisons principales : la première, c'est que Roel "reste à la maison", disons à une des maisons qui ont accueilli chaleureusement Funckarma, et cette maison n'est autre que, attention suspense...

...qui devrait presque me rémunérer pour la façon que j'ai de systématiquement aimer leurs galettes et de le faire savoir.

La deuxième est que, si Roel a laissé un peu son frère dans un coin pour faire joujou dans un autre, c'est au final plus un clin d'œil qu'un doigt d'honneur qu'il lui adresse, car on reconnait bien dans "Vade" les goûts communs des frères Funcken pour les rythmiques "à la Autechre" ("Gallice"), les ambiances planantes et les références drum'n'bass, dubstep, electronica et autres qui surgissent dans tous les sens.

"Martyrz" : un peu de rythmiques décalées, un peu de dubstep, un peu d'ambiances perchées, beaucoup, de talent.

Il ne trahit personne par sa décision de composer tout seul de son côté ; il en profite juste pour n'avoir aucune limite, aucune relecture extérieure, aucune recherche de compromis. Seul, il ose plus encore qu'avec son frangin, disloque les genres ("Spi Trade", "Koortshond"), déstructure ("Orc Darce"), mélange les sonorités sans vergogne (de l'ambient/IDM/clubbing de "Daze Flextone" à la future dubstep déstructurée de sa suivante immédiate "Skarm Sfias"), crée le rendu d'un style dans l'esthétique sonore d'un autre ("Fiction Stub", "Martyrz"), déploie des ambiances saisissantes ("Vertox Dreaming", "Lyra Stellum") et déroule des paysages clairs-obscurs avec une élégance subtile (les superbes "Ledge" et "Bluent"). Difficile de donner une idée précise de cet album, pour tout vous dire, en n'en laissant que deux morceaux à l'écoute, tant l'œuvre est fouillée, riche, complète.

La superbe vidéo faite par Sarge GrafX sur une version raccourcie de "Bluent". A regarder en HD et sans modération.

L'amateur/décortiqueur d'IDM expérimental appréciera le talent indéniable et la recherche artistique, parfois à la limite de l'iconoclastie, d'un producer expérimenté et toujours inspiré. L'auditeur plus "naturaliste", qui écoute moins la musique avec l'oreille d'un technicien qu'avec celle d'un être sensible, accrochera sur les ambiances troublantes, hésitant toujours entre la délicatesse et la rugosité (la fin de l'album par exemple, passant de la mélodie lumineuse de "Halfkriel" aux vrombissements cassés et presque noise de "Lajor Mazer", a de quoi déstabiliser). L'un comme l'autre, en tout cas, pourraient trouver les plus grandes raisons du monde de tomber sous le charme de "Vade", un opus dont l'originalité flirte avec la folie plus ou moins contenue, et qui se montre saisissant voire "invasif" sans jamais user d'agressivité... et encore moins de facilité.

Site officiel : http://roelfuncken.com/

Interview Klone

2011-09-01T07:16:00.000-07:00

Klone est indéniablement un des groupes les plus surprenants et excitants de la scène française. Juste après leur excellent concert au Festival des Arts Bourrins, au sujet duquel je n'ai eu d'autre choix que d'être à proprement parler dithyrambique, je me suis retrouvé backstage pour discuter avec deux des membres du groupe, Florent (batteur) et Guillaume (guitariste). Deux types adorables, modestes comme on n'en fera jamais assez, qui pardonneront la relative maladresse de cette interview improvisée avec une bonne humeur non feinte.

Je commence par revenir sur leur présence presque "accidentelle" aux Arts Bourrins. "Deux groupes se sont désistés : Como Muertos, et Benighted avant eux." Et Klone a été appelé en renfort ? "On n'a pas eu le choix ! (rires) La date s'est confirmée tard, vers mai/juin." La présence de Klone au milieu de l'affiche me semblant surprenante, je leur demande ce que ça leur fait d'y figurer. "Ca a des aspects positifs et négatifs. Ca peut apporter du groove, quelque chose de plus accessible, de plus simple, de plus rock. Le risque, c'est de tomber sur des puristes, mais ils n'ont pas l'air vraiment présents ici." De toute façon, le groupe est venu sans grande crainte : "Ca nous est souvent arrivé de faire des concerts devant un public non conquis. On a rarement de mauvais accueils. Une fois, ça ne nous a pas du tout réussi ; on passait entre Kronos et un autre truc bien bourrin, à Toul. Par contre, d'autres fois, on nous a dit des trucs du genre : J'aime pas quand ça chante, sauf quand c'est vous."

C'est vrai qu'on tape tout de suite dans le moins doux, avec Kronos.

Au final, Klone semble être un groupe de metal qui ne pioche pas beaucoup de ses influences dans le metal. Tandis que Florent reconnait "ne même pas avoir pensé à faire un morceau avec du blast", Guillaume m'avoue qu'il ne sait pas vraiment sweeper, et n'a pas particulièrement envie de travailler cette technique. Quand je leur demande leurs influences, j'entends Deftones, Biohazard, Nirvana ("quand j'étais jeune… en quatrième"), Guns'n'Roses, Pantera, Metallica, Alice in Chains, le punk-rock mélodique à la NoFX, du rap, du hardcore… Sur Gojira, forcément, nous parvenons à nous mettre d'accord (la chanson "All-Seeing Eye" témoigne de toute façon de l'amour qu'a Klone pour ce groupe, et particulièrement pour "The Link"), mais sur d'autres groupes de metal, on sent un entrain bien moindre : "Les manières de faire de Pantera sont très texanes… Ca ne fait pas partie de ma culture."

Quand on voit les photos promo de Pantera, on comprend.

Le concert des Arts Bourrins était, pour le compte, encore plus orienté rock que d'habitude, suite à l'absence de Matthieu Metzger, qui s'occupe du saxophone et des samples dans le groupe ; mais la composition du groupe est, de toute façon, bien plus rock qu'autre chose. "On utilise peu de riffs, mais ils sont retournés dans tous les sens, et les plans de batterie sont changeants. On peut rester deux minutes sur la même harmonie, mais avec des plans tribaux, des textures sonores qui vont faire grossir l'ambiance au fur et à mesure. La construction des tracks n'est pas un A-B-A-B-pont classique, mais on pense en termes de couplet/refrain, avec des phrases musicales qui restent en tête. D'autres veulent tout complexifier, mais si on veut se souvenir d'une musique, il faut qu'elle sache rester simple." Cette recherche de simplicité a toujours été un fil conducteur de Klone, "mais c'est venu au fil des années… Et puis, on se laisse surprendre dans nos compos. Sur le nouvel album, il y aura des types de riff plus fins, plus "funk", plus tranchants, des trucs qu'on a pas forcément faits avant."

Hop hop hop… Vous avez dit "nouvel album" ? "Nous sommes en pleine phase de composition." Et Klone qui travaille sur ses compositions, c'est intensif, à la limite du stakhanovisme : "Sur les parties de batterie, on peut passer sept heures par jour, six jours dans la semaine. Pendant l'exploration d'un riff, il faut aller vite pour ne rien perdre", mais dans le même temps, "il faut beaucoup de temps pour tourner le truc. Si quelque chose sonne mal, on peut passer une semaine dessus avant de réussir à débloquer la situation. C'est dur de faire de la musique qui parle, mais en restant simple."

Etant particulièrement touché par cette Zeuhl qui court dans Klone, je demande à Florent et Guillaume quel peut être l'état d'esprit du groupe. "Disons que c'est très imagé. J'avais lu un journal intime de Kurt Cobain, où il disait qu'il plaçait des trucs très imagés, presque incompréhensibles, dans les paroles de Nirvana. Klone est un peu pareil. On travaille d'abord sur la forme. Yann [chanteur du groupe, NdR] écrit des paroles qui veulent dire quelque chose pour lui, et il ne nous dira jamais quoi. Ce sont des images, des sentiments, sujets à interprétation et surtout à une appropriation, ce qui va bien avec notre musique, qui se veut aérée et introspective." "Beaucoup d'artistes se montent le bourrichon avec la recherche de sens", regrette Florent. Au final, c'est la musique qui est au cœur de l'entité Klone, pas les idées. "Sur la musique, on s'entend clairement, au feeling. Sur les idées, ce n'est pas forcément le cas. Il y a des chicanes, sur tout un tas de sujets différents, mais on a appris à gérer ces tensions. Pour des mecs plus proches entre eux sur les idées, mais entre qui ça collerait moins artistiquement, ce ne serait pas possible de gérer un groupe. C'est déjà difficile de faire des bonnes chansons…"

"Fuck this, let's groove."

Avec tout ce que nous racontons "off" (et dont je ne dirai rien, pas la peine d'essayer de me tirer les vers du nez), le temps passe vite, et l'heure de la clope de fin d'interview approche à grands pas. Je conclus donc cette entrevue pas banale en demandant ce qu'on peut attendre de Klone dans les prochains temps. "On va faire du Klone, avec toujours cette sorte de fraîcheur, cette façon de tenter des nouvelles choses, de faire avec le cœur. Tu ne peux pas passer sept heures par jour à travailler sur des compos si tu n'y crois pas." Et en pratique, ça donnera quoi ? "On a une dizaine de dates prévues, dont Paris, Rennes, Bordeaux, Toulouse… Elles ne sont pas encore toutes annoncées sur le Facebook du groupe, mais ça viendra vite. Ensuite, un break en décembre/janvier ; on va se faire oublier un peu, le temps de préparer l'album, qui sortira en septembre prochain au plus tard. Il sera sans doute moins lent que "Black Days", moins dans la retenue, avec des riffs plus longs…"

Et il sera probablement encore meilleur. J'en salive d'avance.

On attend d'y jeter l'oreille avec impatience, ai-je envie de dire, mais je parviens à réfréner au dernier moment cette réplique digne du plus malpropre des groupies. Difficile, de toute façon, de se comporter en groupie avec des gens aussi simples et naturels. Des mecs qui font de la musique pour la musique ("il y en a qui vont voir un psy ; nous, on joue"), loin de cette pitoyable et malheureuse prétention qui anime certains prétendus artistes dès qu'un semblant de reconnaissance les atteint. Une petite clope avec Florent, et je retourne voir les concerts, ravi de ce moment passé en backstage. A la prochaine et merci, les Klone !

Site officiel : http://www.kloneband.net/

MySpace : http://www.myspace.com/klone

Live review : Festival des Arts Bourrins, jour 2

2011-08-30T06:20:00.000-07:00

Une nuit trop courte, un hangover cruel : la journée ne s'annonce pas particulièrement tendre avec moi. La bonne nouvelle, c'est cet enchaînement Klone-Gorod que j'attends avec la plus grande impatience (une autre bonne nouvelle viendra plus tard, en courant de soirée… rendez-vous après-demain pour en savoir plus) ; la mauvaise, c'est que mon estomac fragilisé a décidé de m'interdire l'ingestion d'alcool, et dans une journée lors de laquelle est prévue par l'orga du festival une "pause bières" de deux heures, c'est quand même un sévère bad beat. Inutile de dire que la viande soûle va s'amonceler en début de soirée ; c'est un aspect que je laisserai volontairement de côté ici…

J'ai appris en festival que le porc à la bière n'a pas toujours aussi fière allure. (Pure provocation. Haters gonna hate.)

Après avoir superbement raté Ass Scream (je suis arrivé trop tard pour voir ce groupe, au nom désopilant d'ailleurs), j'entre dans la salle lors du set de Putrescent Birth. Ca fait grui-grui-kroum-kroum, ça semble plutôt basique, mais à en croire les réactions dans la salle, les fans de brutal death en ont pour leur argent. Le batteur, James (ancien serveur à la Boîte à Bières), me racontera plus tard que le groupe a été déçu par sa prestation, et qu'il leur a fallu une vingtaine de très bonnes critiques de la part de spectateurs pour revoir leur opinion à la hausse. De ce que j'en ai entendu, leur set sentait la sueur et le vomi, et c'est exactement ce qu'on cherche dans du brutal death, non ? Je ne suis pas fan du style, mais je sais à peu près reconnaitre un bon concert quand j'en vois un… et la peau de grosse caisse crevée juste avant la fin du set allait bien dans l'esprit bhroutôl du groupe.

Under Ossana Ghost, qui a pris la suite, était probablement un des deux choix de line-up les plus risqués du festival : leur "metal moderne", sorte de néo-hardcore teinté de quelques sonorités electro, et son abondance de chant clair, étaient sans doute à mille lieues de ce que beaucoup de festivaliers étaient venu chercher ici. Il serait néanmoins dur de leur jeter la pierre uniquement sous le fallacieux prétexte que leur présence était "déplacée" : à l'exception peut-être de quelques parties de chant légèrement malvenues, la musique du quatuor rouennais est des plus plaisantes, composée avec un savoir-faire indéniable, interprétée à la quasi-perfection (car aucun set n'est jamais parfait, après tout), et s'écoute avec le même plaisir coupable qu'une chanson de Mnemic.

Avant la fameuse "pause bières" évoquée plus haut, le festival se devait de nous introduire le traditionnel cover band. L'an dernier, nous avions eu droit à un set de reprises de Judas Priest quelque part, à mon sens tout du moins, entre le désopilant (cuir, cuir, cuir moustache !) et l'insupportable (ça reste du heavy, autant dire que je ne suis pas fan…) ; cette année, c'était War Pigs qui nous a joué une sorte de best-of de… de ?.. allez-y, devinez… Honnête, pour ainsi dire, malgré un chant parfois un peu surjoué à coups de tremolos emphatiques et un son presque trop moderne pour le style. Cela reste un groupe de covers : on préfèrerait qu'ils essaient de créer plutôt que copier. Allez, puisque vous aimez bien les devinettes, une question subsidiaire : sur quelle chanson ont-ils ouvert leur set ?

Je me permets de leur suggérer une tenue de scène, en passant.

Deux heures de bière plus tard (sauf pour moi, qui ai tourné au vin blanc et au Coca), Retro'motions se charge de rouvrir le grand bal, avec un talent reconnu par pas mal des festivaliers présents et encore en état d'écouter de la musique -- les mecs, si c'est juste pour vomir de la bière et vous effondrer sur un carré de goudron, pourquoi vous venez en festival ? J'ai été bien moins convaincu par la prestation de ce groupe, visiblement composés de fans de Converge, dont le hardcore m'a semblé sans originalité et la présence scénique plutôt limitée.

Aïe, ma tête.

Après ce petit apéritif, nous avons directement droit au dessert, la cerise sur le gâteau, le raffinement à l'état pur, le secret de l'ambassadeur pour réussir ses réceptions : Rectal Investigation (sponsorité par Goatse.cx ?) nous offre un très agréable show d'une sorte de math-jazz aux relents magmaïens marqués qui… Non, je déconne, c'était du gros death sale. Le genre de style qui me fait marrer quand je suis bourré et que le côté porno-déconne est assumé jusqu'au bout (Gronibard, sans vouloir les citer). Quand c'est fait sérieusement, je m'ennuie un peu plus, question de goût. L'écoute de leur musique sur Myspace ne m'excite pas plus...

...non, vraiment, pas plus que ça.

C'est le death légèrement teinté de black [NdR : et de tout un tas d'autres choses, en fait, le groupe se définissant comme un groupe de death thrash hardcore... c'est ce que j'en ai ressenti depuis le pit, en tout cas] d'Herkainn qui vient ensuite secouer les humanoïdes ruisselants de sueur qui s'agitent dans le pit, et pour le compte, je reste regarder un peu plus longtemps… et pas seulement parce qu'il y a une fille dans le groupe. Noein en a deux, après tout, et pourtant vous savez bien que je les déteste, pas vrai ? C'est surtout qu'en plus d'être carré et précis, le set a quelque chose de surprenant : Herkainn ne va pas toujours dans la direction "standard" que les poncifs du style pourraient imposer, et cette originalité fait un bien fou. Encore une fois, il y aurait un léger effort de présence à faire (le stress de jouer juste avant les deux meilleurs groupes du festival, peut-être ?), mais dans l'ensemble, une prestation qui donne sérieusement envie d'en reprendre.

Fuck yeah.

En lieu et place, c'est Klone qui investit la scène. J'aurais déjà du mal à formuler tout le bien que je pense de leur musique, et leur dernier album "Black Days" est un petit chef-d'œuvre d'un metal calme, tiré du rock dans certaines sonorités comme dans le mode de composition -- tirer toute l'essence d'un riff en jouant avec brio sur les arrangements -- et touchant au mystique sans en avoir l'air, d'une façon que seuls les groupes français parviennent à exploiter (Gojira, Scarve, Mistaken Element et les autres, c'est à vous que je pense). Sur scène, la musique prend encore une autre dimension : intro et transitions flirtant avec le psychédélisme, ambiance envoûtante et irrésistible, interprétation juste et sincère renforcée par une présence et une énergie incroyables ; en un mot comme en cent : ce concert était une expérience de vie, un rituel prenant, duquel je suis ressorti paradoxalement revigoré -- alors que, physiquement, j'étais à deux doigts de l'effondrement pur et simple. Certains sont excellents, d'autres sont carrément magiques… Klone joue dans la catégorie des magiciens, et confirme, si besoin en était, qu'il est un groupe précieux de la scène française.

Magique, vous dis-je.

C'est donc avec une énergie nouvelle que j'assiste à une partie de la prestation de Gorod, un des meilleurs groupes actuels de "techno-death", cette espèce de style jugé trop élitiste par certains, trop froid ou pas assez cohérent par d'autres, et dans lequel, comme par hasard, on trouve surtout dans les postes de guitaristes des profs de guitare en école de musique voire en conservatoire… Au niveau de la composition, Gorod n'a pas à pâlir devant les pointures du style, mais bien qu'on soit trop tenté, à première écoute, de comparer le groupe à son père biologique Necrophagist, c'est une autre énergie et une autre personnalité qui se dégagent de leur musique : autant dire que le groupe a réussi l'exploit de créer une musique personnelle et distinguable dans un style pourtant a priori très contraint. Sur scène, tout est aussi carré et racé que sur album, l'énergie du live en plus. Je ne pourrais pas en dire plus sans sombrer dans une insupportable prose dithyrambique à l'extrême, pleine de métaphores usuelles et de qualificatifs mielleux. C'était juste une grosse claque.

...voire même un peu plus.

Honte sur moi : j'ai complètement raté Department Of Correction, un groupe dont les membres avec qui j'ai eu l'occasion de discuter sont délirants et adorables, et dont la tracklist comportait 34 titres pour une demi-heure de show. J'entends les mots "brutal death" et "grindcore" dans le fond, à croire qu'il y a des habitués. Quand vous saurez pourquoi je les ai raté, vous me pardonnerez. En attendant, j'ai reçu pléthore d'excellentissimes échos, que je suis tenté de croire. A la prochaine occasion, j'essaierai de ne pas les rater.

Haters gonna hate.

Nebulous prend la suite, quelque peu nerveux d'ailleurs, mais sur scène, cela ne se percevra pas : le groupe assure. Exit le mélange mathcore/death un peu brouillon d'il y a quelques années : fort de son expérience, et enrichi par une chanteuse dont la voix complète agréablement celle de Frantz, chanteur historique du groupe, Nebulous nous envoie une rafale bien agréable d'un deathcore plus efficace, aux plans plus carrés, aux structures plus propres, avec des riffs des plus efficaces et laissant quelques surprises agréables. La chanteuse, Mélanie, a sur scène la présence qui manque parfois à Frantz, un peu plus "pataud" dans son comportement ; on attend avec impatience qu'ils prennent le temps d'encore plus travailler les doubles voix. En attendant, après des débuts hésitants et un premier clip un peu maladroit, le groupe s'affirme comme "combo à suivre" de la scène rouennaise.

La soirée se conclut, pour les rares survivants, par un concert, ou devrais-je dire une performance, du quatuor Prön Flavürdik, un OMNI totalement révolutionnaire de la scène locale, sorte de math-rock teinté de metal et de jazz, expérimental dans le bon sens du terme (quelques relents d'une inspiration très Zappa-esque), foutraque mais cohérent, groovy et tordu. Habitués à du plus carré, pas mal de festivaliers auront fui, ou bien regarderont ce concert comme une curiosité, un "truc bizarre qu'on sait pas ce qu'il fout là et qu'on comprend pas trop les rythmes" ; quelques autres, dont je suis, restent en admiration totale devant ce maelström de créativité débridée. Dommage que, pour cause de besoin de transport pour rentrer chez moi, je n'ai pas pu tout en voir… Mais je ne les raterai pas.

Une grande soirée avec une ambiance bon-enfant très agréable (malgré les relents de whisky dans certains haleines et un sens du contact de certains bien trop marqué et sangsuesque à mon goût) et des concerts globalement excellents : cette année encore, le Festival des Arts Bourrins ne nous aura pas déçu. A l'an prochain, la Neuville.